Fabián es, probablemente, uno de los más brillantes escritores de canciones surgidos en los
últimos años dentro del panorama musical español.
Recientemente elegido como uno de los ocho mejores discos editados en 2011 por la redacción de EL PAÍS, Juan Puchades (director de Efe Eme y redactor de Babelia), describe así el último trabajo de Fabián:
''Después del incendio y otras cosas así, el tercer disco del leonés Fabián (1981), confirma, por si quedaban dudas, que estamos ante un compositor e intérprete prodigioso, dotado de una sensibilidad extrema para plasmar en canciones magnéticas alborozados pensamientos íntimos. Acompañadas de arreglos y producción exquisitos e imaginativos, dan lugar a una obra atípica aunque absolutamente cálida y cercana, que bebe por igual del mejor pop de todos los tiempos, del folk-rock anglosajón y de la tradición cantautoril hispana, pero logrando que de todo ello brote algo inédito, marcadamente personal y de enorme calidad. Este disco es una rareza, sí, pero por hermoso y conmovedor. Así de bien suena el cantautor más talentoso del momento.”
En perpetua gira desde que editó su primer disco “Espera A La Primavera “ (Discos Liliput/ El Diablo; Mejor disco editado en 2007 para Mondo Sonoro Noroeste), seguido por “Adiós, Tormenta” (Vicious Group/Absolute; entre los diez mejores discos de folk editados en 2009 para Mondo Sonoro, segundo mejor disco editado ese año para Efe Eme), ha tenido la oportunidad de presentar con rotundo éxito sus composiciones en toda España, compartiendo escenario con figuras tan relevantes como Quique González o Jorge Drexler, y en Colombia, en una minigira-presentación de cinco conciertos repartidos entre Bogotá y Medellín. [-] Contraer

Jaime Urrutia es un músico de la llamada Movida madrileña.

Fue miembro de Ejecutivos Agresivos, uno de los grupos seminales de la nueva ola, de la que surgieron también grupos como Derribos Arias o Décima víctima, y que iniciaron las hordas llamadas «siniestras» de la movida, cuyas principales influencias eran combos británicos como The Cure, Joy Division o Bauhaus. Cuando el grupo se disolvió, fundó junto a Ferni Presas y Edi Clavo, Gabinete Caligari, cuyo nombre se basaba en la famosa película del expresionismo alemán.

Tras una primera época oscura -con temas como Tren especial, Olor a carne quemada y Cómo perdimos Berlín-, las composiciones de Urrutia fueron siendo más eclécticas, recuperando temas ajenos al universo del rock en cuanto a las letras, como aquellas que son estupendos lienzos del mundo del toreo -no en vano su padre fue crítico taurino- y aderezándolas con melodías influidas por la tarantela o el pasodoble.

Tras Gabinete Caligari, su primer disco en solitario fue Patente de corso, del que se extrajeron temas como Qué barbaridad o Castillos en el aire. Posteriormente editó El muchacho eléctrico. Ambos discos ampliaron la paleta musical de este compositor madrileño que coqueteó con la bossanova y los ritmos latinos. No obstante, Jaime Urrutia mantiene el pulso compositivo, creando letras muy cercanas a cierta época de Gabinete, pero muy alejadas de lo que es el patrón compositivo de los cantautores españoles.

Es curioso que a pesar de que Gabinete Caligari era un grupo solvente en vivo, jamás editó ningún concierto grabado, excepto algunos temas sueltos en algunas reediciones posteriores de sus discos. Sin embargo, el 20 de febrero de 2007 Jaime Urrutia grabó En Joy, su primer disco en directo en la sala Joy Eslava junto a músicos de su generación como Ariel Rot y Loquillo y otros tantos como Eva Amaral de Amaral, Dani Martín de El Canto del Loco o el dúo Pereza, entre otros.

Jaime es requerido en muchas ocasiones por sus amigos para colaborar en sus directos y discos, así ha participado en discos y actuaciones de Loquillo, Ariel Rot, Amaral, Los Rebeldes, La Guardia, Burning…

En estos momentos se encuentra en plena gira presentando su disco en directo y componiendo los temas de lo que será su próximo trabajo discográfico. [-] Contraer

Un arrebato rítmico llamado “Jólivuz” hace las veces de maestro de ceremonias de “Pequeños placeres domésticos” (Boomerang Discos), la nueva entrega discográfica de Pablo Moro (Oviedo, 1978), cantante con ademanes de marcar el paso un largo tiempo en la escena española. “Jólivuz” es una llamada al ritmo potente, con cierto guiño a la América de Tom Petty. No es la primera vez que el autor ovetense desprende estas sensaciones, pero “Jólivuz”, que es el primer single, muestra tal poderío que facilita el viaje por las catorce canciones de estos “Placeres domésticos” con caminos estremecedores y nostálgicos en “La ley de Murphy”, “Dos tiros”, una canción de aire negroide; y “La mejor manera”, una de las partes maestras de esta producción de difícil etiquetado. Metáforas tan escondidas como nítidas sobre la cotidianeidad, sobre la vida, sobre el ser humano. Las combina Pablo Moro con medios tiempos, a veces, entre baladas o, simplemente, entre estrofas y estribillos que desprenden una constante emoción. Hay una combinación sutil entre ritmos que impiden caer en la monotonía. Para eso están las mechas encendidas de “Aunque despierte sólo” que asoma tras la ternura melódica de “Golpe de suerte”, la canción patrón del álbum, tanto en el concepto argumental de su historia como en armonía; o piezas como la que despide, “Canción de cuna”, que cuenta una historia de amor pero logrando además que texto (con finos guiños eróticos) y notas musicales se ajusten como un bolígrafo y su capuchón. Una estrofa que la define: “Ojalá que vengan tiempos mejores/que me pongas los cuernos de la luna”… Claro que Pablo Moro no se ha olvidado de entremezclar temas de tendencia rockera (“Exhibicionista”) o baladas de altura y ternura (“Gente feliz”) con piezas narrativas (“Pequeños gigantes”) y coqueteos vaqueros (“Dolores club”). “Pequeños placeres domésticos” es la obra completa de Pablo Moro, el disco que suma a todos los estilos señalados, la sinceridad de haber sido elaborado salvando la vieja y sana liturgia de la música popular: Prácticamente en directo, en La Isla de Colunga (Asturias), con todos los músicos reunidos, la producción de Álvaro Barcena y sin desfiguraciones de laboratorio. Son los cánones de la liturgia pop/rock que el autor asturiano mantiene desde sus orígenes, en el año 2005, con su álbum debut “Emepetreses” (Carlito Records), que ya le reportó el premio AMAS de la música asturiana; la sabiduría y madurez de “Smoking Point” (Carlito Records / EMI, 2007); el single “Ganar o perder”, con voces del deporte a su lado como las de Javi Villa, Samuel Sánchez o Mejuto González ; y la edición especial para Argentina de “Smoking Point” (2008). Para celebrar esta última entrega del año 2009 y echar un brindis en 2010, Pablo Moro llega con “Pequeños placeres domésticos”, la penúltima genialidad del autor ovetense tras haber recorrido la música como el talento exige y la afición reclama: tocando en locales pequeños, medios grandes, recorriendo mundo con la guitarra a cuestas (como lo muestra sus giras en Argentina, con Andrés Calamaro, entre otros, en el mismo escenario) y prestando su creatividad en otros foros: léase la canción para el filme “Con mi música a otra parte” o sus colaboraciones con otros artistas. [-] Contraer

A Doctor Explosion siempre se les ha definido como: enloquecidos, irreverentes, festivos y demás calificativos que, honestamente, la mayoría de las veces, se quedan cortos. El que los haya visto en acción me dará la razon. Pero Dr Explosión, aunque les guste el desparrame mas que a nadie, no son sólo un grupo de directo, como afirman algunos. Parece que no se han enterado de que este "¡Chupa Aquí!", es ya el séptimo álbum oficial de nuestra banda 60s Punk mas internacional, y de una discografía plagada de grandes composiciones propias. Este nuevo disco (tras 5 años sin publicar nada) les vuelve a poner por derecho propio a la altura de sus mejores trabajos, no solo por la calidad de las canciones, sino también por la originalidad y lo acertado de la producción. De esta se ha encargado el mismísimo Jorge Explosión, quien tiene ya un largo e internacional curriculum como productor (The Cynics, The Masonics, Sonny Burguess, Holly Golightly, Billy Childish...)
El título del álbum: "¡Chupa Aquí!", al igual que su sonido, es toda una declaración de principios. Porque "¡Chupa Aquí!" es sobre todo un disco de RockandRoll. Pero... ¿Puede el rockandroll ser a la vez: delirios del mas fino 60s Beat, guitarras salvajemente afiladas, elegantes melodías Pop y Garage Punk a cascoporro? ¡Pues claro que si chaval!
El RockandRoll es actitud, diversión espontánea y sonido crudo. Esto Dr Explosión lo saben mejor que nadie, y así, de forma tan brutalmente honesta, lo han sabido plasmar en este disco. Además de estar grabado de forma 100% analógica en los míticos Estudios Circo Perrotti de Gijón, el sonido de Chupa Aquí da la impresión de ir un paso mas allá. Casi se les ve tocando solo a través de sus amplificadores en riguroso directo y en tiempo real. Crudo como un chuletón Up and Down. Inmediato como fiel reproducción de su contagioso directo. Con este sonido y su mezcla en MONO, que no elimina ni el mas mínimo chaxton, el oyente esta "viendo" al grupo cuando les está escuchando.
Por todo esto, por carecer de la ya típica sobre-producción de los discos de Rock, este disco transpira la energía del grupo por cada uno de sus surcos. Este disco suena a puro RockandRoll. Suena a Garage, a 60s Beat, a Punk. Suena a Dr Explosión.
Esto es lo que te vas a encontrar en "¡CHUPA AQUI!": Grandes canciones que van a poner tu adrenalina en órbita. Contundentes y rabiadas como 'All Mine', 'I want you' o 'Come on Shake!'. Chirriantes sonidos del mas primitivo Rhythm&Blues como 'Honey Honey'. "Llenapistas" que parecen sacados de un Best of Pebbles como 'Aint Coming Home'. Efervescentes himnos que hablan de revuelta juvenil para fans sixtilongos como 'El Chesterfield Childish Club'. Todo combinado excelentemente con emotivas y delicadas melodías Pop como 'Fishing', 'Sorry' o 'Summer Sun', al mas puro estilo 60s Beat. Así, la crudeza de la producción, hace que ambas facetas (60 Punk y Beat Pop) convivan perfectamente bajo una misma actitud: La del loco mundo de Dr Explosión. ¡¡Larga vida al RockandRoll !! ¡Chupa Aquí! [-] Contraer

Nuestro hombre nació en Buenos Aires, Argentina, el 7 de diciembre de 1951. A los 10 años descubrió simultáneamente los mundos de la música pop, la moda y las chicas. Compró entonces su primer disco, un EP de Chubby Checker, el rey del twist. En 1962, cuando aparecieron los Beatles, Sergio ya era un asiduo cliente de la disquería de su barrio. Beatles, Rolling Stones, Kinks, etc., cambiaron su vida para siempre. Jamás tuvo la menor duda: quería ser como ellos, hacer lo que ellos hacían. No podía haber nada mejor en este mundo. Y así fue. A los 14 era el disc-jockey en las fiestas del colegio y recomendaba discos en la revista editada por los estudiantes. A los 16 consiguió su primer trabajo remunerado. Escribía en las revistas “Cronopios” y “La Bella Gente”, donde entrevistaba a los músicos locales y hacía crítica de discos. A los 17, ya inmerso en la cultura del rock, compuso la primera canción: “Peter Pan”. A los 18 se fue solo a Nueva York, atraído por el fenómeno hippie. De regreso a Buenos Aires, fue elegido para ser uno de los protagonistas de la comedia musical Hair, con la que alcanzó el número uno de las recaudaciones teatrales. Su hermano Eduardo había comenzado a estudiar la guitarra con gran dedicación y pronto el salón de la familia Makaroff se convirtió en el laboratorio en el que ambos componían y ensayaban su flamante repertorio. Las primeras actuaciones del dúo acústico Los Hermanos Makaroff fueron como teloneros del grupo Sui Generis, de Charly García, de quien Sergio se había convertido en asistente. Poco después grabaron, con Charly y la plana mayor de los rockeros argentinos, el legendario “Rock del Ascensor”. Los Hermanos Makaroff se convirtieron en un quinteto eléctrico y Sergio dejó la guitarra para concentrarse en....la música, la moda y las chicas. El quinteto grabó un single en un sello pequeño y se dedicó a propagar su evangelio ante un creciente grupo de iniciados. En esa época la situación argentina se estaba deteriorando a pasos agigantados.
En 1978 Sergio decidió emigrar a España, donde sus amigos Ariel Rot y Alejo Stivel habían formado Tequila y triunfaban por todo lo alto. En el repertorio del mítico grupo estaban el “Rock del Ascensor” y otro par de temas compuestos por Sergio Makaroff. A través de estos contactos españoles consiguió un contrato con Epic y grabó su primer álbum como solista, “Tengo una idea”. Pasó de Madrid a Barcelona a finales del ’78 y ahí sigue hasta hoy. Su primer grupo de acompañamiento era el núcleo de los que luego serían Los Rápidos, Los Burros y El Último de la Fila. Manolo García era su baterista.
En 1986 grabó su segundo álbum, “La buena vida”, coproducido con Ariel Rot. Las fotos y el diseño de la portada son de Lydia Delgado, que a la sazón era su compañera sentimental y la madre de su hija Miranda, nacida en 1984. A partir de entonces sobrevino una década de avatares variopintos que mantuvieron a Sergio apartado de la música como actividad profesional. Nunca dejó de componer y cantar, aunque lo hiciera en petit comité.
En 1996 Sergio regresó a la palestra con el álbum “Un hombre feo”, coproducido artísticamente por Ariel y Eduardo –ya radicado en Francia- y ejecutivamente por Alejo Stivel. Andrés Calamaro colaboró y avaló el proyecto a todos los niveles. Este disco tuvo una gran repercusión, impulsado sobre todo por el single “Tranqui tronqui”, en el que Sergio contaba la historia verídica del robo de su mountain bike.
En 1988 apareció “Rico y famoso”, producido por Ariel y con la participación de Andrés Calamaro, Fito Páez y Eduardo Makaroff.
El quinto disco de Sergio data de 2002. “Makaroff” fue producido por su viejo amigo y guitarrista de la época de “La buena vida”, Tito Rosell. Como de costumbre, Ariel y Eduardo –ya miembro del trío de electrotango Gotan Project- ofrecieron su colaboración. También Jorge Drexler, el uruguayo universal.
Paralelamente a la música, y amén de otras ocupaciones, Sergio desarrolló una carrera en el ámbito periodístico que lo llevó a publicar en infinidad de medios escritos, a la vez que colaboraba en radio y televisión. En el año 2001, el humorista y presentador Andreu Buenafuente fichó a Sergio para su programa “La cosa nostra” en TV3, en el que nuestro hombre cantaba una canción hecha a medida y mantenía un cara a cara con el conductor.
Hace unos años Andrés Calamaro se llevó a Sergio Makaroff a Buenos Aires como artista invitado para una serie de diez conciertos en la Avenida Corrientes. Sergio estaba entre bambalinas, esperando para salir al escenario, cuando alguien le puso una mano en el hombro y le susurró, con voz de cazalla “todos mis amigos dicen que eres el número uno”. Era Joaquín Sabina. Y decía la verdad. Para Pancho Varona, Fito Páez, Jorge Drexler, Calamaro, Sabina y una elite de iniciados las canciones de este ilustre veterano son un platillo exquisito, un tesoro de sabrosas delicatessen que nadie en su sano juicio se debería perder. Makaroff sigue adelante, impertérrito, componiendo y cantando sus frescas e inteligentes piezas de burbujeante pop-rock como si nada.
Y ahora vuelve, después de seis años de silencio discográfico, con “NÚMERO UNO”, producido por Jose Nortes y con la dirección musical –y la mayoría de las guitarras- a cargo de Ariel Rot, con Candi Caramelo al bajo y Danny Griffin en la batería. A este equipo de cuatro miembros del club de fans de Sergio se sumó una pléyade de invitados de lujo: César Araque, Osvi Grecco, Marcela Ferrari, Txetxu Altube, Carlos Raya, Tony Jurado, Luis Prado, Alejandro “Boli” Climent, Paco Tamarit, Phil Skillman y Javier Schoendorf.
Sergio siempre está componiendo canciones para sí y para otros y cantándolas en Argentina y España. Sus canciones han sido grabadas por Tequila, Los Rodríguez, Ariel Rot, Andrés Calamaro, Azúcar Moreno, Manolo Tena, Los Tipitos y otros artistas. [-] Contraer