Escuchar un disco de Holywater, escuchar este disco de Holywater, es como ver un documental de animales salvajes. Pero no es uno de esos documentales con una aburrida voz en off que nos lleva al sueño (cualquiera que haya escuchado a Holywater sabe que la emoción que transmite la voz de Ricardo Rodríguez puede provocar muchas cosas, pero nunca sueño). THE PATH TO FOLLOW es como ver un documental en 3D, ver un documental en una pantalla gigante, en alta definición, observar con todo detalle la agilidad de los movimientos de los depredadores, la crudeza con la que se lanzan a por sus víctimas, sentir que la sangre casi nos salpica desde la pantalla. 

Así son las canciones de THE PATH TO FOLLOW: la forma de tener en un soporte doméstico la energía y la fiereza con la que un león se abalanza sobre una gacela, sentir en la contundencia de la base rítmica el latido del cazador, darnos la vuelta porque las guitarras o un quiebro de la voz nos hacen sentir que el peligro está muy cerca, que se nos va a echar encima. Y eso incluso en los pasajes más tranquilos del disco (el comienzo de Ruined, Questions), en los que podemos disfrutar del animal en reposo o de la elegancia de los movimientos con los que se despereza, pero percibimos de igual forma la amenaza de lo que sabemos que es capaz de hacer.

Como en toda filmación, aquí también hay unos nombres detrás de la cámara. THE PATH TO FOLLOW, que es el cuarto disco en la carrera de Holywater, presenta algunas novedades: es el primero que graban en los Estudios Ultramarinos Costa Brava, el primero con la producción compartida entre el propio grupo y Santi García (Nueva Vulcano, Mujeres, Delorean, Half Foot Outside), es el primero que publican con Ernie Records, el primero en el que cuentan con el trabajo de diseño de Pat Lemos y es el primero que graban con Iago Lorenzo al bajo (pero eso no es una novedad, el cambio de bajista es una tradición en el grupo y Iago ya ha dejado paso a Mito como nuevo miembro oficial junto a Luis Casanova, batería desde el año 2000, y  Ricardo Rodríguez y Martín Alonso, miembros fundadores de Holywater). Son diez canciones más crudas y más directas que nunca, que defienden el lugar en el mundo de la banda, que hablan de la importancia de seguir el camino propio con independencia de lo que pasa alrededor. 

Y eso es THE PATH TO FOLLOW. Llevado al directo, nos hará sentir en plena sabana, en mitad de la carrera del león. Y ahí sí que no tendremos protección posible.

  Igloo han vuelto. Han pasado dos años desde La transición de fase y han sucedido muchas cosas desde entonces: más de 70 directos en festivales y salas de todo el país, aperturas para bandas de fama mundial, actuaciones en programas de radio y televisión, una productiva labor audiovisual en colaboración con Evofoto, críticas elogiosas y  premios como el del Público de Radio 3 que otorga la UFI, y, por supuesto, el mayor de todos: el apoyo incondicional de un cada vez más numeroso grupo de seguidores. Un listón difícil de superar. Aunque no imposible.

Y con esa intención Igloo se han encerrado en los estudios Planta Sónica II, al mando de Pancho Suárez, y en Litium bajo la batuta de Iago Lorenzo en las labores de producción. El fruto es este ∞3 que, más que llevar el sonido y la idiosincrasia de Igloo un paso más allá, lo hace un paso más adentro, en el que posiblemente sea su trabajo más personal.

     Más desesperanzado, ∞3 cambia el brillo de antaño por un sonido más mate, aunque no exento de detalles como las cuerdas y la melódica italiana de Jorge Ortal o esa guitarra acústica que por vez primera aparece en su discografía. La contundente base rítmica, con la participación del baterista José “Niño” Bruno, sigue mostrándose engrasada como sustento de unas guitarras que tanto transmiten oscuridad (“Nanomédicos” remite a las bandas siniestras de comienzos de los 80) como se muestran juguetonas (el riff de “E.L.O.”), que tanto cabalgan veloces (“Años luz”) como se rinden a una calma tensa (“Zumo V” y su atmósfera opresiva).

     Líricamente, ∞3 refleja un cierto desarraigo emocional con un poso de melancolía. Ya desde el artwork se nos muestra que el mundo en el que vivimos no por conocido nos resulta con frecuencia menos extraño. Como ese astronauta al que Verónica Gómez y Xaby Guimarey han fotografiado mientras explora su propio planeta y que en su misión apenas alcanzará a comprender que no comprende nada. Sólo el amor tiene el poder de hacer más llevadero este tránsito por el universo que llamamos vida. Pero amar también tiene sus riesgos: “es mi manera de masticar cristal y miles de alfileres”. Como se afirma sacando provecho de lo perdido: “en mi mundo encaja todo, incluso los detalles rotos”. Y aunque escuchemos que “todo acaba mal… pero se acaba”, siempre hay un instante de sensatez que nos permite ver las cosas como son: “mi teoría del caos… y lo absurda que resulta”.

     El tiempo dirá, pero todo apunta a que Igloo se encontrarán el listón un peldaño más arriba en el próximo disco. Ellos han cumplido con su parte, ahora es nuestro turno de respuesta.

El claroscuro que define las nuevas canciones de Nadadora no es anecdótico. Por ellas se filtra la búsqueda constante de un grupo que perfila matices que se convierten en imágenes de sonido. Allí conviven destellos, sombras, deslumbramientos y ausencias. “Luz, Oscuridad, Luz” es un disco que expone las cualidades del quinteto gallego en un pulso constante con su creatividad. El álbum, producido por Fino Oyonarte, cobija canciones que desde su inicio envuelven sentimientos y pensamientos encontrados a la manera de sendas viñetas plenas de pop que se nutre de vigorosas melodías, guitarras y pequeños detalles. De auténtico pop sin tapujos. La aventura de este disco se abre con trazos de júbilo en “1987″. Luego llega “El sueño ardiendo” y el desapego se cuestiona en voz alta, mientras “Sara dice” y “Siempre” reflexionan entre capas de guitarras que describen ambientes de intimidad.  “Una nueva vida” es una ascensión hacia una cumbre en la que las voces de Sara Atán y Gonzalo Abalo otean la distancia para acorralar a su presa para después confesarse ante ella en “Deshazte de mí”.

Luego continúan alzando vuelo en “Solo sombra”, planeando nuevamente sobre esa distancia donde siempre es lejos entre la belleza y la nostalgia, entre un cielo y un mar que en el fondo son la misma cosa, oscuridad y profundidad. Por eso “Me llamaréis asesino” es eso y todo a la vez.”Cerca” juguetea con acordes del recuerdo mientras las palabras pasean queriéndose. Las palabras continúan en “Julie Christie” y no disparan a las estrellas porque buscan una verdad para quedarse. Y bien que se quedan en “Coge mi mano, este es el camino”, yéndose directas hacia el sol, donde una herida limpia a la otra. Así es “Luz, Oscuridad Luz”. Un espejo emocional en el que la banda se refleja entre luminiscencias de diversa intensidad. Entre ecos que pueden acercarles a patrones afines a sonoridades shoegaze, pero que no se dejan enmarañar por los tópicos del género pues se libran de ese influjo gracias a la notoria constante de sus estribillos. Porque el pop de Nadadora en esta, su cuarta entrega tras “Aventuras Dentro De Cajas” (2004), “Todo El Frío Del Mundo” (2005) y “Hablaremos Del Miedo” (2007), se sitúa en una nueva altura en la que moverse con soltura y talento resolviendo un repertorio en el que cada pieza admite variadas lecturas. En ese hipnótico hallazgo de disfrute que hace de “Luz, Oscuridad, Luz” un trabajo de notable sensibilidad.

Aldo Linares

Esto es normal.

 Tan normal como que todo lo que empieza tiene que acabar, tan normal como querer enamorarse o perder la fe en la humanidad con las noticias a la hora de cenar. O, si se escucha con atención, que en el Polo Norte pueda ser la hora que tú quieras elegir, que una mañana no huela a mañana o no poder distinguir cuánto es dolor y cuánto es fingir.

 Esto es normal es el título del primer disco de La Familia. El grupo en el que cuatro músicos con experiencia previa en otras bandas (Trem Fantasma, Igloo, The Blows, Maryland, Circular) deciden ponerse al servicio de unas canciones de autor que parten de los aledaños del folk para llegar al pop. O a lo mejor es al revés. Sigo pensando que habrá que escuchar con atención.

 El disco, grabado y producido por el propio grupo en el estudio casero de Carlos Gil, bajista de La Familia, lo mismo recuerda al pop de toda la vida (hay veces que podría ponerse a cantar Dusty Springfield), que tira hacia la americana (Ryan Adams aparece por aquí, y no necesariamente cuando se sienten cowboys) o recuerda a esos grupos que toman el pop más clásico para darle una visión contemporánea (The Morning Benders, por ejemplo, y por seguir citando algún nombre, no porque haga falta, sino porque es lo normal en este tipo de textos de presentación de un grupo). 

 Por intentar llegar a una conclusión, esto es pop normal, pop normal para un mundo normal, ése en el que los coros hacen que las canciones te crezcan por dentro, como si fuese primavera en la garganta, en el que las letras saben lo que dicen, una melodía se te queda en la cabeza y los arreglos (unas veces es un acordeón, otras una trompeta o unos teclados) aportan elegancia. 

 Porque la música de La Familia es tan normal como una familia. Y todos sabemos lo normales que son las familias, si se escucha con atención.

 O quizás sea que lo mejor será fingir que esto es normal.

Get Cold Feet no tiene que ver con tener los pies fríos, no es una invitación a descalzarnos en la nieve. La expresión inglesa se puede traducir por echarse atrás, dejarse vencer por el miedo. Con ese título, MARYLAND hacen referencia a esos momentos en los que debemos tomar una decisión y nos entran dudas, momentos que se dan tanto en la vida personal como en la carrera de un grupo. Eso queda reflejado en la preciosa portada (foto de Tamara de la Fuente, diseño de David Sierra), en esas sombras de los componentes de la banda que están dentro de la piscina mientras ellos se quedan al borde, fuera de la foto.

Y escuchando el disco, podríamos pensar que han sido sus sombras quienes lo han grabado, porque en estas canciones MARYLAND se han volcado de lleno, dejando atrás cualquier tipo de dudas y miedos y dando un paso más en su carrera, con canciones más inspiradas y directas. Definitivamente, las decisiones que han tomado han sido las correctas.

Vuelve a estar a cargo de la producción Jaime García Soriano, esta vez compartiendo créditos con Iago Lorenzo, y además aporta coros en algunos temas. El disco ha sido grabado por Pancho Suárez de Lis en los estudios Planta Sónica de Vigo y masterizado por Alan Douches en West West Music (Nueva York). Repiten así con el núcleo del equipo de Surprise, el álbum con el que debutaron hace dos años. Han trabajado con quienes mejor les conocen para llegar al punto ideal en ese viaje entre el directo y el disco: que sea el disco el que capte la energía de los directos y no los directos los que intenten reproducir el disco.

 Pero si la primera vez pudo ser una sorpresa, ahora ya no deberían coger a nadie desprevenido. Son MARYLAND, Get Cold Feet es su segunda referencia, publicada en Ernie Records. Para disfrutarla, basta con darle al play y dejar las vacilaciones detrás. O acercarse a alguno de sus directos, donde seguro que a nadie se le quedan los pies fríos, esta vez sí en sentido literal.

Amor (del lat. amor, -ōris).

1.     m. Sentimiento intenso del ser humano que, partiendo de su propia insuficiencia, necesita y busca el encuentro y unión con otro ser.

La Herida Universal (Ernie Records y King of Patio, septiembre 2010).

1.     m. Carrusel emocional en el que pasamos de la euforia a la melancolía sin que seamos conscientes de dónde estamos.

2.    f.pl. Dieciséis canciones grabadas con mimo con la ayuda de ilustres como Abraham Boba, Cecilio Santiago (Nudozurdo), Pau Roca (La Habitación Roja), Jesús Chumillas (Amigos Imaginarios), Pablo Magariños, Nahum García, Queyi y Diego Galaz (Mastretta).

3.    m. Disco inspirado, en palabras de su autor Julio de la Rosa, por el mítico DRAE y la primera acepción del término “amor”, especialmente eso de “partiendo de su propia insuficiencia”.

4.    m. Podríamos decir que es el mejor disco hecho hasta ahora por Julio de la Rosa, aunque entonces no colaría como acepción. Pero, qué carajo, lo decimos: tenemos el mejor disco de Julio de la Rosa hasta la fecha. ¡Bravo por esa herida universal que es el amor y que permite que nazcan discos como éste!