Son la vanguardia indiscutible de la world music, y estan abriendo nuevas vias de encuentro entre las musicas tradicionales de Africa e Irlanda en un cocktail electrónico de alto nivel. La musica se fusiona con la escena de baile y la electrónica en una mezcla perfecta que The ACSS define como Global Dance.

Hace siete años desde que Afro Celt Sound System asaltaron por primera vez nuestros sentidos con su innovadora fusión de ritmos del Oeste de África, música tradicional irlandesa y dance grooves a la última. En ese tiempo ha habido muchos imitadores menores y el movimiento global beat del que ellos han sido pioneros ha entrado en el mainstream.

Ahora los innovadores originales han vuelto con un nuevo nombre, un nuevo álbum y un nuevo planteamiento. Afro Celt Sound System ya es historia. En su lugar emerge un grupo llamado Afro Celts y su álbum más gratificante hasta ahora, 'Seed'.

"No empezamos el álbum con la intención de dejar el sound system", comenta el guitarrista y coproductor Simon Emmerson. "Pero quedó claro cuando estábamos haciendo el disco que ya NO somos un sound system. Hemos desarrollado un sonido muy definido que ha surgido de tocar juntos. No se trata de un DJ y programas y samples. Ha llevado mucho tiempo, pero finalmente nos hemos convertido en un grupo".Grabado y producido en su propio estudio en Islington (Londres) (estudio que un día perteneció a Pink Floyd), el resultado es un álbum que marca un nuevo despegue para los Afro Celts en un viaje que empezó cuando se juntaron en una semana de grabación en Real World en 1995 para hacer su revolucionario debut, Volume One: Sound Magic.

Más orgánico, con un mayor énfasis en instrumentos reales y en hacer canciones y con menos dependencia que antes en ritmos programados, 'Seed' es el álbum de Afro Celts más redondo y más cristalizado hasta la fecha.

"Cuando empezamos hace siete u ocho años, lo que hacíamos era una idea muy radical", explica Simon Emmerson. "Ahora todo el mundo utiliza DJs y loops programados y samples étnicos hasta la saciedad. Nosotros hemos avanzado y lo que se escucha en este álbum es producto de todos los años de tocar en directo y de interactuar unos con otros como músicos."

"Hemos encontrado nuestro propio espacio y es casi como si estuviésemos empezando de nuevo", añade el coproductor y multiinstrumentista, James McNally. "Hemos hecho tres álbumes de sound system. Este es el primer álbum como grupo completamente desarrollado. Se llama 'Seed' (semilla) porque realmente lo sentimos como un nuevo comienzo. De ninguna manera hubiésemos podido hacer un disco así cuando empezamos."

Por supuesto, 'Seed' contiene mucho que les resultará familiar a los fans de Afro Celts. Los miembros principales han permanecido notablemente constantes - Simon Emmerson (guitarras), James McNally (teclados, piano, bodhran, flauta de bamboo), Iarla O Lionaird (voces), Martin Russell (teclados, programación & coproducción), N'Faly Kouyate (voces, kora, balafon), Myrdhin (arpa), Moussa Sissokho (percusión), Johnny Kalsi (dhol drum, tabla), Mass (programación de la batería) y Emer Maycock (gaitas uilleann).

El proceso mágico de cómo los tres productores del grupo, James, Martin y Simon, trabajan juntos es la clave de lo que son los álbumes de Afro Celts – cómo lanzan ideas y se inspiran unos a otros. Con tres personas trabajando para encontrar una forma de interaccionar y conectar – a veces estando en desacuerdo y decidiendo dejar aparcado un tema de lado al menos por el momento – fija un nivel mucho más alto que el que se podría conseguir con un solo músico como productor. Es sólo después de que el triunvirato ha establecido los cortes que apelan al impacto espiritual y emocional que Iarla y N’faly aportan a sus canciones respectivamente, y a la habilidad técnica de Mass.

Y sin embargo según han ido creciendo como un grupo, los papeles han cambiado sutilmente. Mass se ha encargado más de la programación de batería, Simon se ha liberado para tocar más guitarra, mandolina y bazouki. En el tema que da título al disco, 'Seed', toca incluso algo de slide clásico y pantanoso. Iarla ha crecido en estatura como letrista de considerable profundidad y sentimiento. James ha seguido cimentando una reputación como proeza tanto en la composición de canciones y melodías como en los arreglos vocales y de cuerdas. La influencia de N'Faly - 'el Jimi Hendrix del kora', según le llama el grupo – se ha vuelto más significativa según va contribuyendo más cantando y en la composición. Los loops de percusión de Johnny Kalsi han dado paso a la batería en directo, y el grupo decidió al principio del proceso de grabación que también querían utilizar un bajo verdadero en la mayoría de los temas, con bajistas invitados entre los que se incluye al eminente Jah Wobble.

El resultado es un álbum que suena más natural y orgánico que nada que hayamos escuchado antes de los Afro Celts, con más énfasis en tocar y menos en los ritmos programados. "Tenemos grandes músicos en este grupo", dice Iarla. "En el pasado confiábamos demasiado en las máquinas. En este álbum aprendimos a confiar en nosotros mismos."

Musicalmente, se hace también obvio de inmediato que Afro Celts todavía están ampliando audazmente sus horizontes. Las influencias africanas e irlandesas son todavía el fondo de su sonido. Sin embargo en los tres primeros temas de ‘Seed', escuchamos elementos nuevos tan diversos en esta fusión como una guitarra flamenca y una voz brasileña.

Afro Celts siguen siendo innovadores y la primera regla de la innovación es que una vez que tienes una fórmula – no importa el éxito que tenga – es hora de rechazarla. "Lo bueno es que ahora funcionamos como un grupo, podemos introducir cosas nuevas y todavía sigue siendo identificable como Afro Celts, sin convertirse en una sopa marronácea de fusión mundial", aclara Simon.

'Seed' marca también la emergencia de Afro Celts como compositores totalmente formados. Porque un soundscape, como son los primeros en señalar, no hace por sí solo una canción.

"Es como si hubiésemos encontrado el vehículo para empezar nuestra carrera como compositores", explica James. "Hay tantos grupos haciendo ambient soundscapes. Es tan fácil de hacer. Compras un sampler, le das a un botón y ya lo tienes todo. Para nosotros los soundscapes son meras plataformas para crear canciones. De otra manera es sólo un ritmo o un groove o un vibe. Volume 3 fue para nosotros un enorme despunte en cuanto a confianza en la composición. Contar con gente como Peter Gabriel y Robert Plant para embarcarse en el proyecto y cantar nuestras canciones era una confirmación de que nuestras composiciones tenían cierta calidad. También, tener un éxito en la radio de Estados Unidos con la primera canción escrita totalmente en ingles que habíamos compuestos juntos – ‘When You’re Falling’ del Vol 3 – fue sólo el principio de empezar a pensar que “Cualquier cosa es posible”. ‘Seed’ lleva la composición otro paso más adelante."

Iarla, cuya contribución lírica en 'Seed' es profunda, está de acuerdo. "Hay algunos elementos de estos temas que han estado pululando por ahí durante años. Pero estaban esperando a convertirse en canciones", comenta. "Hay que aprender a esperar hasta sea el momento adecuado. Este álbum parece más libre y más simple que cualquier cosa que hayamos hecho antes. Tanto la composición como la grabación fluyeron de una forma increíblemente natural."

En anteriores álbumes de Afro Celts, artistas como Sinead O'Connor, Robert Plant y Peter Gabriel han contribuido metiendo voces a la mezcla. En 'Seed' hay menos énfasis en invitados famosos, un signo de la creciente fe de Afro Celts en sus propias habilidades como grupo. "Fue una experiencia memorable trabajar con cantantes como esos", comenta James. "Pero el problema está cuando tienes una voz muy particular como la de Peter o Sinead o Robert, la gente escucha al cantante y no a los Afro Celts. Creo que hemos conseguido una posición en la que podemos expresar todo sin esos grandes nombres y maximizando la habilidad musical dentro del grupo."

No es que la apertura y amplitud que siempre ha caracterizado al planteamiento de Afro Celts se haya esfumado por completo. Entre los honorables Afro Celts que se añaden al rico tapiz de 'Seed' está el rockero irlandés Mundy, los coros de Ms Dynamite, la cantante brasileña Nina Miranda, el guitarrista flamenco canadiense Jesse Cook y los virtuosos flautistas tradicionales, Martin Hayes y Eileen Ivers.

Ahora el grupo está deseando coger el nuevo material y llevarlo de gira este verano. "Mezclamos e hicimos los arreglos del disco como si tocásemos en directo", explica Simon. "Han hecho falta siete años de actuaciones para llegar aquí y desarrollar un lenguaje musical propio. Es muy difícil escuchar nuestra música y decir en qué género encaja. Es tan sólo Afro Celts." [-] Contraer

“Antony and the Johnsons, tiene una voz increíble, desconcertante, alcanzando hasta un punto de inquietud. Tiene una imagen ambigua, extraña, que nos lleva hasta el desasosiego. Hace canciones mágicas, emocionantes, hasta entrar directamente al alma. Apadrinado por Laurie Anderson, Lou Reed y demás estrellas del arte moderno neoyorquino, que se han apresurado a invitarle a sus obras. En Nueva York, que es su ciudad, comenzó cantando en los after hours dándoles aire de cabaretes futuristas y decadentes. Acaba de editar su segundo y nuevo álbum, I am a bird now. Canciones sublimes, singulares, como de otro mundo.”

TOMAS FDO. FLORES



Su imagen sensible produce canciones que recuerdan a Nina Simone, Elton John o a una Diamanda Galas atiborrada de ansiolíticos. Canciones enormes. Siempre en notas azules, tristes y deliciosas.


Antony procede del cabaret, su voz aterciopelada y su aspecto andrógino le han ganado los halagos de Dennis Hopper, y la posibilidad de colaborar con el mismísimo Lou Reed, a quien acompaña en sus giras como voz invitada. Cercano al jazz y al blues su música es intimista, destacando la voz y el acompañamiento de piano. En el pasado febrero 2005 se publicó en España su álbum “I am a bird now”.


Hay una especie de mito por el cual, los grandes artistas crean aislados del mundo, recluídos. Uno no tiene más que acercarse a cualquiera de las diez canciones del nuevo álbum de Antony And The Johnsonspara darse cuenta de que esto es una absoluta falacia, y asegurarse a la vez de la singularidad y originalidad de Antony, el personaje de rasgos andróginos que es también The Johnsons.


¿Habíais escuchado alguna vez una voz como esta, imbuida de la emoción trascendental del blues, una voz que se despliega sin adornos, con una simplicidad que recuerda en algunos momentos a la de un trovador medieval, una voz que maravilla al alcanzar las notas más altas como si fuera un niño? ¿O esas canciones imposibles de encasillar en cualquier tipo de género o identidad, canciones que evocan sentimientos tan poderosos como la nostalgia, el amor, el deseo o la pérdida? No. Porque Antony es excepcional. Pero para nada él está solo.



I Am A Bird Now es el segundo álbum de larga duración de este extraordinario artista de Nueva York. Más acompañantes. Porque hay contribuciones de coetáneos (Rufus Wainwright y Devendra Banhart), y de héroes (Lou Reed, Boy George). Su participación es un reflejo de la admiración que sienten por Antony, y su lugar único en la comunidad de arte contemporáneo. “La presencia de cada uno en la grabación muestra su lado más único, y han hecho una contribución creada especialmente para ellos” dice Antony. Él ha arreglado todo meticulosamente, como un director de teatro creando un gran cuadro vivo sobre el escenario. “Involucrar a otra gente me hace sentir menos solitario”, añade Antony. “Hice el álbum de una forma intuitiva, del modo en que sentía que quería que se hiciera. Y toda esta gente fue una verdadera inspiración para el disco.”


Cuando era un chico en California, allá por 1982, Antony quedó inmediatamente seducido por la imagen de Boy George en el álbum de debut de Culture Club, Kissing To Be Clever. “George era realmente el primer reflejo que vi de lo que quería ser en el mundo,” explica. “Lo vi y pensé: Vale, eso es lo que hay que hacer cuando somos así: Nos convertiremos en cantantes.” Veintidós años después, Antony estaba sentado al piano, grabando la inquietante “You Are My Sister” con su icono. “Cuando él estaba en el estudio, sentí ese gran, largo círculo conectando con mi espíritu.”

Otro de los héroes de Antony, Lou Reed, hace la introducción de la conmovedora “Fistful Of Love,” una experiencia absolutamente embriagadora que mezcla el soul de Muscle Shoals con un sentido casi heroico del masoquismo.


En el 2003, Reed le preguntó a Antony si quería poner la voz en la reinterpretación que de “Perfect Day” se iba a hacer en su álbum The Raven. Más tarde, el que fuera líder de Velvet Undergound invitó a Antony para cantar como parte del pequeño conjunto que le acompañaría en su gira europea y americana; incluso dio a Antony un solo en el que interpretaba el clásico de VU “Candy Says,” un homenaje a otra de las inspiraciones de Antony, Candy Darling, la superestrella de Warhol. De hecho, la imagen de la portada de I Am A Bird Now es una foto que le hizo Peter Hujar en 1974, “Candy Darling On Her Deathbed”, en ella aparece Darling, postrada en su lecho de muerte, mirando a la cámara con serenidad y resignación. “Bella hasta la muerte” dice Antony. En las fotografías en blanco y negro que Hujar tomó de mitos del underground como Darling o Divine encontró Antony pronto otra de sus piedras de toque. “No hay nada de vouyerismo en sus retratos, él muestra una perspectiva muy interior, y eso es algo en lo que estoy muy interesado: ser intenso, nada de vouyerismo.”


Desde su llegada a Nueva York, Antony ha ido introduciéndose poco a poco en su ambiente, recibiendo elogios por sus actuaciones allá donde va, y hasta ha participado en algunos proyectos cinematográficos, como en el film independiente Animal Factory de Steve Buscemi.


En 2005, I Am a Bird Now recibió el prestigioso Mercury Prize, además de que fuese nombrado mejor disco del año por la publicación británica Mojo. Junto a su banda actúo en infinidad de ciudades, desde Sicilia a Amsterdam o el Carnegie Hall de Nueva York. Varias de sus canciones fueron incluidas en películas como La Vida Secreta de la Palabras, Free Jimmy y V de Vendetta. Recientemente, Antony participó en un concierto en el Royal Albert Hall londinense a beneficio de la asociación Teenage Cancer Trust. [-] Contraer

Asa nació en París. Su vida en la ciudad de la luz dejó a aquella chica sólo con un puñado de vagos recuerdos (felices); poco después de haber cumplido dos añitos su familia regresó a Nigeria. Paris fue simplemente una etapa en la dura y llena de coraje vida de sus padres. Pero de alguna manera, su destino había quedado vinculado a la ciudad que la vio nacer: Fue a París donde regresó 20 años después y su carrera artística se empezó a forjar. Asa creció en Lagos, una ciudad repleta de gente en las calles y con una energía arrolladora pero, a su vez, cargada de profundas raíces espirituales. Tribus islámicas mezcladas con la fe cristiana en un clima de tolerancia, la juventud imitando los patrones americanos y la turbulenta ciudad sumergiéndose sin descanso en un infernal pero a la vez armónico ballet de amor y odio, relax y violencia, pobreza y prosperidad.

"Lagos es el New York de Nigeria. Si quieres llegar a algún sitio en lo que a carrera musical se refiere, es el lugar donde hay que estar en Nigeria, se encuentran las mejores oportunidades pero también las mayores decepciones".

Asa era la única niña de la familia y tenía que compartir a sus padres, no muy a menudo, la verdad, con sus tres hermanos. Siendo muy joven ya empezó a encargarse del sustento de la casa familiar debido a las frecuentes ausencias de sus padres. En esos momentos es cuando Asa empieza a cantar. El deseo por contar apareció por aquel entonces y nunca más ha desaparecido, ocupando ya un lugar fundamental en su alma. Así que empezó a sacar su alma a través de las canciones. Prefería cantar a tener que hablar, improvisando melodías sin cesar hasta que su madre le obligó a parar!. A lo largo de los años su padre había recopilado una interesante colección de clásicos del soul y música nigeriana. La niña que fue, había crecido escuchando a Marvin Gaye, Fela Kuti, Bob Marley, Aretha Franklin, Sunny Ade, Ebenezer Obey y Lagbaja, forjando una fuente de inspiración en ella. Asa era una chica solitaria. La familia, sus hermanos, África…no acababa de encajar en los clichés tradicionales y se sentía triste a menudo, fuera de su lugar. Era distinta y la música se convirtió en su válvula de escape y en el sueño de todos los días.

En ocasiones iría a un parque con sus hermanos a cantar y bailar, pero lo que haría más a menudo sería crear su propio espacio y refugiarse en su mundo imaginario; cantando canciones de Marley o Michael Jackson e imaginando que las multitudes le aclamaban.

"Cuando era adolescente me convertí en una persona muy tímida y algunas personas se burlaban de mi, pero bueno, de algún modo ya estaba llamando la atención!!. Tome el hábito de no hacer nada a lo largo del día, como el resto de la gente. La gente no entendía mi voz grave, los coros no querían saber nada de mi; tenía que ir a la iglesia si quería aproximarme lo más mínimo a un micro."

A los 12 años su madre la había ingresado en una de las mejores escuelas del país pero ese tipo de educación tenía un sabor amargo para ella: cinco años de duros estudios y esfuerzo y, al regresar de nuevo al hogar familiar descubre a Erika Badu, D’Angelo, Rafaël Saadiq, Lauryn Hill, Femi Kuti y Angélique Kidjo, empezando a sonar en seguir sus pasos.

A los 18, se había familiarizado completamente con la frustración. Las huelgas en la universidad, los coros rechazándola. De todos modos se las arregló para hacer oír su voz en unos cuantos programas de talentos en alguna emisora de radio y el primer aplauso que recibió le transmitió un placer infinito. Acto seguido firmó en secreto con la escuela de música Peter King y aprendió a tocar la guitarra en seis meses.

Música e independencia, Asa era insaciable en su deseo de vivir la vida al máximo, conocer a gente, sumergirse en la música.

Asa, bajo su punto de vista no es un producto comercial ni una sex symbol, pero tiene un don y una voluntad a prueba de fuego. Empieza a sentir el viento del éxito soplando en su misma dirección. Se le ofreció dinero, giras y contratos, pero ella quería que su música fuese del modo que ella quería. En 2004 conoce a su manager, Janet, que le presenta a Cobhams Emmanuel Asuquo, que acabó convirtiéndose en su compañero musical.

Asa, el alma libre, empieza a desarrollar su música, canta en inglés y en Yoruba, nada entre el pop y el soul, inspirada por su herencia musical –dando especial atención a las melodías- y reflejando todo el sentimiento que derrocha. Sus letras hablan de su país, las cosas rutinarias de la vida, su propia vida; presentado con una sutil ironía.

"Me gusta inspirarme en mis letras cuando estoy en el autobús (molué como nosotros le llamamos). 49 asientos, 99 personas viajando de pie, como Fela describía. Todo el mundo está apretujado y "pequeños dramas" ocurren todo el rato. Y, al final del día, nos las apañamos para reír, en ello reside el secreto de nuestra fortaleza"

Fue en esta etapa de la vida en la que Asa volvió a París. Era su oportunidad para poner a prueba su talento en la escena musical francesa, tocando con artistas como Nubians, Manu Dibango, Doctor L y Tony Allen. Mientras, en Nigeria, su primer single, Eyé Adaba, luego Jailer, empezaron a hacerse populares. MTV la escogió como embajadora de Sudáfrica, su popularidad fue en ascenso y al regresar a Nigeria, se convirtió en telonera de Akon, John Legend, Beyoncé y Snoop Dogg entre otros.

"Quiero que mi música conmueva a la gente. Como africana, quiero dar esperanza a mi gente, pero también gritar en su nombre. Quiero mostrar al mundo que algo bonito y positivo puede surgir del continente negro e inspirar a la gente joven en todo el mundo."

Asa pronto se vinculó al sello Naïve. En compañía de Cobhams, y con el nuevo apoyo de Christophe Dupouy, produce un magnífico disco homónimo. Las melodías son imparables, su voz y energía de esta joven artista atestiguan su enorme talento. [-] Contraer

Nacido en La Habana hace 31 años, Athanai toma su nombre de una palabra griega que significa ‘inmortal’. Su estilo refleja el sabor y color de la nueva Cuba. A finales de 1997, este rockero-rapero cubano lanzó su debut discográfico en España bajo la atenta mirada de Miguel Bosé. Aquel disco, «Séptimo cielo», considerado por toda la crítica como el disco más prometedor de los últimos años y una de las propuestas más renovadoras actualmente, desde entonces han pasado muchas cosas. Era el fiel reflejo de los cauces universalistas y libertarios por los que discurre la música de la isla, un trabajo que mostraba a un artista ávido por llegar a ese lugar donde le gustaría estar: “El sitio que para muchos es el nirvana, para mí es el séptimo cielo. Puede ser mi sitio, mi paz, mi tranquilidad”.

Por aquel entonces se ganó una merecida fama de huracán caribeño tanto por su puesta en escena como por su talentosa pluma, que ponía al servicio de sus canciones mestizas, mezcla de rock, funk y rap y de quien la solicitara, por ejemplo Rosario.

En el 2004, El Prince del Caribe publica su segundo álbum «A Castro le gusta el rock», jugando con su propio apellido. En este nuevo álbum Athanai tamiza todos los estilos, desde el rock al rap, pasando por el grunge o el funk, pero con un mismo sonido que le da un resultado espectacular. Este es un disco tremendamente atractivo, lleno de letras hermosas reivindicativas, de soledad, impotencia, amor... Un recorrido por su historia personal que afronta la muerte de su mejor amigo, pasando por lo mal que le puede ir a uno en la gran ciudad y cerrando un ciclo que llega hasta la celebración por el nacimiento reciente de sus dos hijas. El trabajo recibió excelentes críticas de la prensa especializada.

El carismático cantautor cubano, que también ha producido temas para Rosario Flores y Las Niñas, es invitado especial dentro de la gira “No Te Cabe Ná”, que la conocida banda Sevillana O’ Funkillo realizó en 2005.

Ha pasado tiempo desde que llego a España, desde su Cuba natal, pero Athanai continua siendo la gran revelación del rock, un auténtico huracán habanero. Athanai no tiene límites, sigue siendo y será el “Prince” del Caribe.

Tras la disolución del grupo O’Funkillo, los excomponentes de esta banda inician su andadura bajo el nombre de PAL KELI banda de la que Athanai es la voz lider y está compuesta por: Pepe Bao (bajo), Javi Marciano (guitarra), Joaquin Migallon (bateria). Todos integrantes del antiguo grupo "O'Funkillo". [-] Contraer

El maestro cubano del jazz latino, Bebo Valdés, pianista, arreglista, compositor y director musical, se presenta en gira en formato de cuarteto, junto a Javier Colina, reconocido como uno de los mejores contrabajistas europeos, Efraín Porro a las tumbadoras y su hijo Rickard Valdés a las pailas.

Quedan solo dos o tres figuras cimeras de la época de oro de la música cubana. Una de ellas se llama Bebo Valdés. Los conocidos le dicen con cariño «Caballón» por su enorme estatura. Tiene 86 años de edad y es el padre de Chucho, el genial creador de Irakere. Bebo comienza su carrera profesional como pianista de una de las orquestas más populares de la época, la de Julio Cueva, para la cual compone el mambo “La rareza del siglo”. Transcurre la década del cuarenta. Pocos años antes, Cachao cambia el curso de la música cubana con su danzón “Mambo”. A Bebo le corresponde ser uno de los primeros orquestadores del nuevo género, vistiéndolo de lujo. "Para arreglar hay que decirle «usted»,” subraya Cachao.

Bebo se suma a la orquesta de Armando Romeu en Tropicana. En poco tiempo, es asesor musical del célebre cabaret. El productor Norman Granz, entusiasmado por la reacción al jazz afrocubano en New York, le encomienda a Valdés en 1952 la primera descarga de jazz cubano que se graba en la isla. En esas fechas, la orquesta de Valdés, Sabor de Cuba, se escucha en la radio a lo ancho y largo de la isla, para deleite de los bailadores. Uno de los vocalistas es Beny Moré, quien se inspira en la formación para crear su propio big band. Por su parte, Bebo crea un nuevo ritmo, la batanga, pero el “Cerezo Rosa” de Pérez Prado vende más de un millón de unidades y, de pronto, arrasa el mambo. Bebo continúa componiendo. Uno de sus temas, “Ritmando el cha-cha-cha” es todo un éxito para la Orquesta Riverside. Firma para acompañar a los artistas del sello Gema. Entre ellos se encuentra un cantante de incomparable fraseo, «El Guapachoso» Rolando Laserie, cuya popularidad es solamente superada por Moré.

Comenta Chucho: «Yo considero que fui un niño muy privilegiado. En primer lugar, por ser hijo de él, que es uno de los mejores pianistas cubanos. Es un compositor y arreglista muy original. La música de Bebo se puede conocer aunque no esté firmada por él. Yo ví en la casa a Celia Cruz, Osvaldo Farrés; ví como se desarrolló el movimiento del filin, con César Portillo, Elena Burke, Omara Portuondo, la Sonora Matancera. Me crié en un ambiente donde todo el movimiento artístico de La Habana se desarrollaba porque Bebo era uno de los arreglistas fundamentales de todo el mundo, de todos los solistas: Laserie, Fernando Álvarez, Pío Leyva, Celeste Mendoza.» Acompañado por Laserie, el 26 de octubre de 1960 Bebo emprende el camino del exilio.

Al comienzo de los sesenta en México, Bebo es director musical del bolerista chileno Lucho Gatica. Va de gira por Europa con los Havana Cuban Boys. En Estocolmo, se enamora, se casa, y se suma en el más profundo anonimato. Pasan más de treinta años. El 25 de noviembre de 1994, Bebo recibe una llamada de Paquito D’Rivera, invitándole a grabar un nuevo disco en Alemania. Tres días después, D’Rivera produce Bebo Rides Again, colección de clásicos cubanos y originales de Valdés, compuestos especialmente para la ocasión. El tiempo no pasa en vano. Suena mejor que nunca. Comienza una nueva carrera a sus setenta y seis años.

En el 2000 participa en la película de Fernando Trueba Calle 54, donde lleva a cabo dos dúos históricos: “Lágrimas Negras”, su reencuentro musical con Cachao, y “La Comparsa”, a dos pianos con su hijo Chucho. La semana siguiente a éste rodaje graba en Nueva York El Arte del Sabor en trío con Cachao y Patato. Paquito D’Rivera es invitado de excepción en la grabación. Un repaso por la música cubana que consigue dos premios Grammy. En el 2003 graba en Madrid Lágrimas negras con el cantaor Diego El Cigala, con el que cosecha un gran éxito en España. Se embarca para Nueva York donde graba dos discos de música original que aparecerán en 2004 como Bebo de Cuba y, seguidamente en Miami We Could Make Such Beautiful Music Together, a dúo con el violinista Federico Britos.

Críticas:

THE NEW YORK TIMES – Ben Ratliff
"Bebo Valdés is the pianist who has helped shape Cuban music for the last 60 years..." (Bebo Valdés es el pianista que ha ayudado a dar forma a la música cubana durante los últimos sesenta años...).

EL PROGRESO Cultura / 27 de febrero 2005
‘Bebo Valdés demuestra su maestría en Lugo en un concierto ecléctico’. “El pianista Cubano actuó ante mil personas en un ‘Gustavo Freire’ abarrotado” Por Redacción Lugo

LA VOZ DE GALICIA Espectáculos / 24 de febrero 2005
‘Bebo Valdés, el toque de los grandes’ Por Camilo Franco

EL CORREO GALLEGO / 23 de febrero 2005
'Santiago a Ritmo de Jazz'. “Más de mil personas abarrotaron ayer el Auditorio de Galicia, para asistir al concierto del gran Bebo Valdés” Por A.I

GRANADA DIGITAL Cultura / 7 de noviembre 2004
Festival de Jazz. “El pianista cubano Bebo Valdés hizo el delirio en la primera jornada del festival granadino” Por GD

DIARIO SEGRE Cultura – Espectáculos / 5 de noviembre 2004
IX Edición del Festival de Jazz de Lleida... 'El Auditorio se queda pequeño para escuchar a Bebo Valdés'. “El pianista cubano Bebo Valdés llenó ayer un Auditorio Enric Granados que le recibió con un Efusivo aplauso...” Por R Banyeres

LA PROVINCIA DIARIO DE LAS PALMAS Culturas / 2 de noviembre 2004
“Un emocionado Bebo Valdés llena el Teatro Victor Jara” Por Alberto García Saleh

EL PAÍS Espectáculos / 26 de mayo 2003
'Reinventando añejos sentimientos’ por Diego Manrique. "Nuevamente sólo queda rendirse ante la elegancia de Bebo. Elegancia musical, indumentaria y humana".

Chucho Valdés
”Pianista como pocos, músico de altos quilates, él es parte importante del desarrollo de nuestra música...”.Nace en Quivicán, Cuba, en el año 1918. Figura central de la época de oro de la música cubana; padre de Chucho. Fue durante años, asesor musical del célebre cabaret de la Habana El Tropicana. Vive en Estocolmo desde hace más de treinta años. En el año 2000 participa en la grabación de la película Calle 54 de Fernando Trueba, con dos interpretaciones magistrales, una a dúo con Israel López 'Cachao', amigo desde la infancia pero con quien no había grabado nunca, y otra con su hijo Chucho. De septiembre a diciembre ha llevado a cabo una extensa gira por los escenarios españoles de mayor prestigio.

BEBO DE CUBA

Finalizada la gira de presentación de su exitoso trabajo 'Lágrimas Negras', Bebo Valdés nos presenta su último trabajo discográfico, para el sello Calle54 (BMG), BEBO DE CUBA.

El maestro cubano del jazz latino, Bebo Valdés, pianista, arreglista, compositor y director musical, en su nuevo proyecto BEBO DE CUBA ALL STAR LATIN JAZZ BIG BAND.
El concierto consta de dos partes, 'El Solar de Bebo', con temas de música popular cubana en formato de noneto: trompeta, trombón, clarinete, contrabajo, guitarra, tumbadora, bongo, timbales y Bebo Valdés al piano.

Y como plato fuerte, la premier mundial de su más ambiciosa composición, la 'Suite Cubana', en la que dirige personalmente a una extaordinaria Big Band compuesta 22 músicos; 5 trompetas, 5 saxos, 4 trombones, timbales, bongos, congas, batería, guitarra, contrabajo, piano. ¡Irrepetible!

THE NEW YORK TIMES
'The Albums Of the Year' by BEN RATLIFF
"Bebo Valdés is the pianist who has helped shape Cuban music for the last 60 years..." (Bebo Valdés es el pianista que ha ayudado a dar forma a la música cubana durante los últimos sesenta años...).

EL PAÍS Espectáculos (26/05/2003)
'Reinventando añejos sentimientos por Diego Manrique'
"Nuevamente sólo queda rendirse ante la elegancia de Bebo. Elegancia musical, indumentaria y humana".

'Pianista como pocos, músico de altos quilates, él es parte importante del desarrollo de nuestra música...'
Chucho Valdés [-] Contraer

Nativo de la ciudad de Nueva York, Béla (por el compositor Béla Bartok) cogió el banjo a la edad de 15 años, maravillado por la interpretación que con este instrumento hacían del bluegrass Flatt & Scruggs. Empezó experimentando con bebop en el instituto.

En 1982 pasó a formar parte de la banda de bluegrass New Glass Revival, donde se hizo un nombre en el mundo del country-bluegrass. Al mismo tiempo comenzaba a trabajar en una serie de álbumes como solista, que incluían el innovador "Drive" (1988), "Tales From The Acoustic Planet" (1994) y "The Bluegrass Sessions - Tales From The Acoustic Planet Vol.2" (1999).

Con su grupo The Flecktones ha creado una mezcla original y rompedora de géneros de bluegrass, jazz y pop que le han hecho cosechar la aclamación popular, premios y público. Este sonido ecléctico figura predominantemente en el CD y DVD "Live At The Quick", emocionantes documentos del renombrado espectáculo en directo de The Flecktones que se lanzará próximamente. Su primer lanzamiento en DVD y segundo álbum con Columbia Records, "Live At The Quick" nos trae a The Flecktones en la plenitud de sus facultades, su incendiario show en vivo realzado por el virtuosismo de los artistas invitados.

Desde su formación en 1989, las interminables giras de The Flecktones han despertado la atención de los medios que han destacado la complicidad de sus músicos: Fleck, el bajista Victor Wooten, el percusionista Future Man y - a partir de 1997 - el saxofonista Jeff Coffin.Famosos por sus giras de 200 conciertos al año, The Flecktones llegaron a un público de más de 500.000 personas sólo en 2001. The Flecktones grabaron su primer álbum, "The Flecktones", en 1990.


En su momento se lo clasificó como "blu-bop", una mezcla de jazz y bluegrass, y la banda pronto fue un éxito comercial, galardonada y aclamada por la crítica. Sus siguientes seis álbumes documentan su evolución musical. Después de crear "The Flecktones", "en-directo-en-el- estudio", el grupo pasó a experimentar con doblete de voces y artistas invitados en discos posteriores, con contribuciones de artistas como Amy Grant, John Medeski y Dave Matthews. The Flecktones salieron de gira con la Dave Matthews Band en 1996 y 1997, y Fleck aparece en varios temas del álbum de éste, "Before These Crowded Streets", de 1998.

A menudo considerado como el primer intérprete de banjo del mundo, Fleck prácticamente ha reinventado la imagen y el sonido del banjo en una extraordinaria carrera como intérprete - tanto en vivo como en estudio - que lo ha llevado por todo el mapa musical, tanto con The Flecktones como en una amplia gama de proyectos en solitario y colaboraciones. Con The Flecktones ganó su quinto Grammy en 2000 (mejor álbum de jazz contemporáneo) por "Outbound", un proyecto de amplia cobertura - con artistas invitados que incluyen al guitarrista Adrian Belew y cantantes como Jon Anderson y Shawn Colvin - construido alrededor del concepto de Fleck de "el banjo excéntrico".

Con 19 candidaturas (en 10 categorías diferentes, lo cual, ya de por sí, es un récord) a los Grammy, y cinco premios, Fleck ha conseguido dos candidaturas por su álbum de 2001 con Sony Classical, "Perpetual Motion". Este álbum, su primer proyecto de corte clásico, incluye una serie de nuevos arreglos de famosas obras cortas de Bach, Beethoven, Chopin, Debussy, Paganini, Scarlatti y Tchaikovsky. Junto con Fleck participan en la obra el guitarrista John Williams, el violinista Joshua Bell, la percusionista Evelyn Glennie y el bajista Edgar Meyer.


El aclamado cuarteto de Bela Fleck vuelve a las raíces con “The Hidden Land”

Hace ya 15 años desde que Bela Fleck y The Flecktones sorprendieron al público con un género propio, un estilo en el que confluían el virtuosismo instrumental con la experimentación del bluegrass, jazz y pop. Pero en 2005 The Flecktones hicieron algo que nunca habían hecho antes: Se tomaron un descanso. El pasado 7 de febrero, la formación original – Bela Fleck al banjo, Jeff Coffin al saxo, el bajista Victor Wooten y el percusionista Future Man- marcaron un explosivo regreso a sus raíces y una nueva cima creativa con The Hidden Land.

“Hay una tierra oculta ahí fuera, un territorio en el que la gente expande las fronteras de la música”, explica Fleck, para quien el título del álbum se remite a la música que existe por si misma y no por intereses comerciales. “De algún modo vivimos bajo este sistema, pero al mismo tiempo hay un increíble número de gente que está interesado en lo que hacemos”, continúa. “Este álbum refleja este hecho. Es un disco serio de The Flecktones”.

Famosos por ofrecer más de 200 conciertos en un año (sólo en 2004 vendieron más de 500.000 entradas), en cuanto su calendario de conciertos se despejó comenzaron la grabación de este disco bajo ciertos principios. “Nos impusimos una regla que decía que todo lo que grabásemos debía poder ser reproducido en directo simplemente por nosotros cuatro. No habíamos trabajado de esa manera desde 1993, pero retomamos este concepto para estas sesiones”

Grabado por completo en el estudio de Fleck en su casa de Nashville, y todos los miembros contribuyeron a la composición de los temas. Por ejemplo, “Kaleiloscope” es una colaboración a partes iguales, en la que cada miembro del grupo contribuyó con una sección diferente, formando una secuencia. La génesis de “P’Lod” es sin embargo más misteriosa: “Future Man compartió la canción con nosotros, y nos dijo que su origen era un sueño en el que Jeff se la había enseñado. Está muy convencido de que fue Jeff el que la escribió, pero no podemos imaginarnos cómo eso fuese posible”

Otros grandes momentos del disco incluyen el tema ““Who’s Got Three”, el blues de “Labyrinth” y la expansiva “Chennai”. La única versión incluida es "Bach Fugue", una increíble pieza de J.S. Bach traducida al estilo de The Flecktones. [-] Contraer

Compositor, arreglista, productor, cantante… Benjamin Biolay se ha erigido desde su presentación con el disco Rose Kennedy (2001) como una de las figuras fundamentales de la música francesa, estableciendo además un nexo de unión entre los grandes de la chanson y el pop contemporáneo.

Educado en un entorno completamente musical, Biolay estudió música desde muy joven en el prestigioso CNSMD de Lyon, al mismo tiempo que formaba su primer grupo pop. Después de un distanciamiento radical con la educación y las formas clásicas que le fueron inculcadas desde su infancia, formó el grupo Mateo Gallion, con el que debutó en 1994 con un álbum que pasó desapercibido para el gran público. No obstante, EMI le ofreció un contrato dos años más tarde. Durante esa época forjó también su relación con Karen Ann, con quien le uniría una fructífera relación profesional en discos como La Biographie de Luka Philipsen (2000). El veterano y legendario Henri Salvador solicitó poco después la colaboración de los dos jóvenes músicos, en el que sería uno de los momentos clave de su carrera.

Jardin d’Hiver, tema que Ann ya había interpretado en su debut, se convirtió en un éxito en Francia en la voz de Salvador y como parte del disco Chambre Avec Vue (2000). A partir de ese momento, Biolay fue requerido por infinidad de artistas que vieron en él a un moderno Serge Gainsbourg, capaz de enriquecer cualquier producción con arreglos y sonoridades cuidadas y perfectamente medidas. Pero su trayectoria en solitario no tardaría en arrancar con el mencionado Rose Kennedy, un trabajo inspirado en la familia del mismo apellido y sus trágicas circunstancias. El álbum recibió críticas excelentes dentro y fuera de su país, confirmando a Biolay como uno de los músicos francófonos de mayor proyección internacional.

Tras componer para Juliette Greco, colaborar con Françoise Hardy y su sonado matrimonio con Chiara Mastroiani, Biolay publicó su segundo disco, Négatif (2003), en el que exploraba su faceta más cercana al pop anglosajón y en el que se atrevía a experimentar con la electrónica. Un año más tarde firmaría un trabajo junto a su esposa (Home, 2004), además de la banda sonora del filme Clara et Moi. Asentado como un referente claro del pop europeo, su último trabajo llegó en 2004, con un À L’Origine más oscuro y cercano al rock, una muestra de su carácter poco acomodado y una nueva aproximación a uno de los universos creativos más personales de nuestra época. Actualmente, Biolay se encuentra trabajando en su nuevo álbum, que verá la luz próximamente.

Casi tres años después, Biolay publica su cuarto álbum de estudio, Trash Yeyé, un nuevo disco que sirve también como reinvención para el músico de Lyon. Ideado como un trabajo que él mismo pudiese grabar por sus propios medios, sin recurrir a grandes presupuestos si maratonianas sesiones de estudio, este álbum también representa el regreso del Biolay más luminoso, más pop, más accesible y sereno. Precedido por el single Dans La Merco Benz, y contando con la benévola influencia de Ambrosia Parsley (Shivaree), Trash Yeyé es también un disco pensado para ser tocado en directo, para conectar directamente con la audiencia sin necesidad de reproducir los sutilísimos arreglos de sus trabajos anteriores. Una nueva vuelta de tuerca en el universo del músico francés más dotado de su generación. [-] Contraer

Aunque nacido en Suiza, Gilles Peterson se le puede considerar inglés ya que creció en el sur de Londres y actualmente vive en el barrio londinense de Arsenal.

Es uno de los primeros que fusionó el jazz con la música dance.

Acuño el término Acid Jazz a principios de los años 90, con el que también denominó a su propio sello Acid Jazz Records.

Es famoso por sus programas de radio en Inglaterra y por sus recopilaciones de acid jazz en el sello Talking Loud como "Talking Jazz", o el aclamado Journey by Djs Compilation "The Desert Island Mix" en colaboración con Norman Jay.

En la radio ha estado en las cadenas más importantes como Radio 1 de la BBC o Kiss FM, y además se le puede escuchar en internet en Gaialive.

Como Dj, su primera actuación fue a los 18 años en las legendarias Jazz Rooms que se celebraban en el Electric Ballroom de Camden en Londres.

Posteriormente sería el encargado de la sesión del domingo por la tarde en Dingwalls también en Camden. En la actualidad es el Dj residente los lunes por la noche en el club Bar Rumba londinense, además de actuar en los mejores clubs del mundo cada fin de semana.

Además ha sacado dos recopilatorios con el sello online TrusttheDj Records [-] Contraer

$OLAL PRESENTS THE MOONSHINE SESSIONS

“Lo que me gusta de la música es la gente que parece centrada, pero en su interior es salvaje. Los músicos de tango son así, y lo mismo sucede con los músicos de bluegrass. Parecen muy formales: Dios, familia, etc., pero, detrás del telón son como la luz de la luna”

Philippe Cohen Solal

“The Moonshine Sessions”, el Nuevo album del productor, DJ, compositor y co-fundador de Gotan Project Philippe Cohen Solal, es tan notable como inesperado. Compuesto casi en su totalidad por él mismo, fue grabado cerca de Nashville junto con un grupo de músicos virtuosos, y desprovisto por completo de arreglos electrónicos o ritmos programados, consiguiendo un trabajo de pura música country acústica. Arrebatador, fantasmal y profundamente emocional, supone un claro contraste a la fusión de tango y electrónica que tan buenos resultados ha reportado a Gotan Project, a la vez que se eleva como una pieza de claro riesgo creativo.

Producido por Philippe Cohen Solal y Bucky Baxter, que en el pasado puso su pedal steel guitar al servicio de Bob Dylan, durante una provechosa quincena en los estudios Three Trees, “The Moonshine Sessions” se convirtió en una auténtica obra de cariño para todas las partes implicadas, siendo muy comentado en la escena country de Nashville. Cuando el boca a boca comenzó a funcionar durante la grabación, el teléfono de Baxter no dejó de sonar, y músicos como Richard Bennett – quien ha trabajado con Neil Diamond o Emmylou Harris - Kenny Malone, Stuart Duncan y Shawn Camp comenzaron a mostrar interés en algo que parecía poseer una magia propia, gracias al entusiasmo de un fan francés del country. “Les hice una especie de discurso”, recuerda Philippe, “les dije que yo era más un DJ y compositor. Yo provenía de un campo completamente diferente a ellos, y no sabía que iba a salir de todo eso, pero que podíamos probar algo que resultase refrescante para ambas partes”. También les explicó cómo el country había sido marginado injustamente en Francia, algo que él que pretendía cambiar. Les explicó lo que había hecho junto a Gotan Project con el tango, y entre todos, al parisino urbano y los músicos de Nashville, encontraron la manera de crear algo especial.

La carrera de Philippe Cohen Solal comenzó en Paris, donde formó parte de varios grupos antes de trabajar como DJ en varias emisoras de radio. Tras una breve etapa como A&R que acabó con su renuncia a contratar a pésimas bandas de pop, trabajó como supervisor musical y compositor para cineastas europeos como Lars Van Trier (en el filme “Europa”) o Krysztof Kieslowski, en su “Trilogía de los Colores”. También, y bajo el nombre de The Boyz From Brazil, comenzó a experimentar con la música latina y los ritmos de baile junto al productor suizo Christoph H. Müller.

Gotan Project empezó como un experimento, algo que Philippe, Christoph y el músico argentino Eduardo Makaroff querían hacer para si mismos. Su sello quiso prensar 1.000 copias de su primer disco, pero Philippe no pensaba que pudiesen vender más de 500 copias. Desde entonces, con sus dos álbumes (“La Revancha del Tango” y “Lunático”), más un CD-mix, han vendido más de dos millones de discos. Han girado por todo el mundo, llenando recintos desde Buenos Aires a Bruselas. Su música ha aparecido en programas de televisión como “A Dos Metros Bajo Tierra”, “Sexo en Nueva York” y “Nip/Tuck”, además de en filmes como “Ocean’s 12” y “Shall We Dance”. Y sobre todo han hecho que el tango, la música olvidada de los barrios de Buenos Aires, vuelva a ser cool.

Pero antes incluso de los comienzos de la música dance francesa, antes de Daft Punk y el “French touch”, Philippe ya mezclaba géneros, combinando canciones tradicionales de Camboya con ritmos de baile bajo el alias de Abracadabra, y apareciendo en recopilaciones como “Paris Union Recordings”. “Es mi forma de hacer música”, explica él mismo. “Es mi forma de viajar. Es mi manera de ir a dónde quiera”. [-] Contraer

El cantaor Enrique Morente es el flamenco vivo, la voz de nuestro tiempo. Morente, además de ser un genial cantaor, significa para el arte flamenco un modelo necesario, un estilo de entender el arte. Al igual que otros artes, el flamenco suele considerarse patrimonio de los puristas. Pero entre el academicismo añejo y la vulgarización degradada, hay un territorio intermedio, un lugar en el que se producen los verdaderos riesgos del arte vivo, las apuestas profundas, que hacen los verdaderos hombres o mujeres que están llamados a ser artistas.La vida del cantaor Enrique Morente, nacido en El Albaicín granadino, está ligada al cante desde siempre. “El cante se tiene o no se tiene, pero a mi me debe venir de mi madre, que cantaba una saeta que quitaba el sentío”. Pasó por las Cuevas de Nemesio y terminó en el cuadro grande de Zambra, uno de los más importantes de la historia flamenca de Madrid. Horas y vida, afición para aprender, dominar vocalizar, por su preocupación por ser cantaor y ese profundo respeto del que se siente y quiere ser cantaor.

Llega su primer disco en 1967, Cante Flamenco, con el guitarrista Félix de Utrera. En él, Morente deja prueba de su sabiduría cantaora, con un repertorio que no era moneda de cambio en ese momento. Madrid de huelgas, asambleas, manifestaciones, el mayo francés y los acontecimientos universitarios de México; un cantaor jovencísimo, comprometido con la realidad social que vive España, participa en diversos recitales en las universidades.

Durante toda su vida artística, Morente ha dedicado su ya largo trabajo de adaptación al flamenco de poetas de nuestra literatura como García Lorca, Antonio y Manuel Machado, San Juan de la Cruz, al Mutamid, José Bergamín y Miguel Hernández. En 1971 publica Homenaje Flamenco a Miguel Hernández. Al gran poeta de Orihuela, que en aquellas calendas estaba prohibido, fue Morente el primero en devolverle la vida. Se adelantó dos años a Joan Manuel Serrat.

En el año 1977 grabó el Homenaje a Don Antonio Chacón, con el tocaor Pepe Habichuela. En él recordó a todos la gran obra del maestro jerezano. Fue Premio Nacional de Música Popular del Ministerio de Cultura, expresando con la libertad del que sabe los caminos y los expresa desde su arte. En este mismo año publicaría Despegando. Utilizó por primera vez acompañamiento con cajón, desconocido instrumento por estos pagos que hoy se utiliza hasta para hablar con el cielo.

En 1980 recordamos el mano a mano, que quisieron montar en el Teatro Frontón de Madrid, con Camarón de la Isla. No fue un duelo, como muchos esperaban, fue una noche histórica para el cante. Camarón y Morente se admiraban y se respetaban, dándonos una noche mágica. 1981 sería el del éxito en París, en el Teatro Olympia, con su espectáculo Andalucía Hoy. En el 82 interviene como actor y cantaor, junto a José Luís Gómez, en Edipo Rey, en el Teatro Romano de Mérida. Publica en este mismo año Sacromonte, acompañado de Tomatito a la guitarra, Rubén Dantas, Carlos Carli y Tito Duarte. En la obra Macama Jonda, de José Heredia Maya, Enrique, junto con el maestro Chekara, funde elementos rítmicos y melodías de las dos orillas del Mediterráneo, realizando el primer encuentro musical andalusí-flamenco que luego sería repetido hasta la saciedad.

En el 91 graba Misa Flamenca, que comenzó a trabajar por encargo para la Abadía de Fontfroide, en el Sur de Francia. Un nuevo reto musical, donde los diferentes palos van discurriendo a lo largo de la composición. Seguimos en el 92 con un encuentro mágico: Morente y Max Roach. El jazz y el cante flamenco sobre un mismo escenario. El comienzo de diálogo entre dos músicas.

Los 90 son una década prolija en colaboraciones para Morente. En 1996 se une a los también granadinos Lagartija Nick para dar forma a Omega, álbum en el que encuentran el flamenco y el rock experimental, Lorca y Leonard Cohen, la tradición y la modernidad. Entre sus incesantes proyectos y su trabajo junto a su hija, la cantaora Estrella Morente, en 2003 publica El Pequeño Reloj, su último disco hasta la fecha. Una de sus últimas aventuras es el documental Morente Sueña la Alhambra, en el que su voz se une a las de la alemana Ute Lemper y el argelino Khaled, además de a la guitarra de Pat Metheny y el baile de Israel Galván y Blanca Li. Nuevos capítulos de una carrera marcada por el respeto al pasado y la determinación de romper barreras dentro y fuera del mundo del flamenco.

DISCOGRAFíA
"Cante Flamenco". Hispavox
"Cantes Antiguos del Flamenco". Hispavox.
"Homenaje Flamenco a Miguel Hernández". Hispavox.
"Morente en vivo". Discolo.
"Se hace camino al andar". Hispavox.
"Homenaje a Don Antonio Chacón". Hispavox.
"Despegando". CBS.
"Sacromonte". Zafiro.
"Cruz y Luna". Zafiro.
"E. Morente en la Casa Museo de Federico García Lorca de Fuentevaqueros" "Esencias". Auvidis.
"Morente-Sabicas". Ariola.
"Misa Flamenca". Ariola.
"Negra si tú supieras". Nuevos Medios.
"Alegro Soleá". Discos Probeticos.
"Omega". El Europeo-Música.
"Lorca/Morente". Virgin-Chewaka.

Su último trabajo acaba de ver la luz a finales del pasado octubre 2005. El disco recoge la música del documental ‘Morente sueña La Alhambra’ .
Producido por el propio Enrique Morente, "Sueña la Alhambra" es un rosario de diez perlas cultivadas que se imponen como etapas de un viaje alucinante: de la tradición a la vanguardia del género en voz de un cantaor tan interesado en el acervo popular como en el canon literario español.

Todo encaja en un album que es mucho más que la banda sonora original de la película de alta definición que bajo el título "Morente sueña la Alhambra" ha dirigido el cineasta José Sánchez Montes. Porque Morente no gusta de las liminaciones, y ha conseguido que este nuevo disco supere toda expectativa.

Todo encaja en un album compuesto por diez temas en los que Morente canta a personalidades como María Zambrano, San Juan de la Cruz, Luis Cernuda o Miguel de Cervantes, además de adaptaciones de canciones populares. La prueba feaciente de que si hablamos de Enrique Morente el flamenco no es nuevo ni viejo, sino lisa y llanamente eterno.

Temas que componen este album
1."Martinete" (Popular /Enrique Morente)
2."Generalife" (Enrique Morente /Pat Metheny/María Zambrano/ Popular)
3."Seguirilla de los tiempos" (Popular. Adapt: Enrique Morente)
4."Cristalina fuente" (Enrique Morente/ San Juan de la Cruz)
5."Chiquilín de Bachín" (Horacio Fernández/ Astor Piazzola)
6."Soleá de la ciencia" (Popular. Adapt: Enrique Morente)
7."La Alhambra lloraba" (Popular /Enrique Morente)
8."Donde habite el olvido" (Luis Cernuda /Isisdro Muñoz)
9."Taranto veneno" (Popular. Adapt: Enrique Morente y Juan Habichuela)
10."La última carta" (Enrique Morente/ Miguel de Cervantes). [-] Contraer

Este cantante barcelonés ya lleva muchos años vinculado en la escena del soul, r&b y hip hop nacional. Sonidos sugerentes de raíces funk y acid jazz forman parte de su trayectoria desde sus comienzos.


La inquietud por descubrir nuevas melodías le impulsó a colaborar en los arreglos y las letras de grupos tan conocidos como Nach, Dlux, Geronación, Daddy Maza, entre otros. Es ahora cuando por fin edita su primer y tan esperado álbum FLAVIOLOUS. Antes del lanzamiento ya era, y sigue siendo, un éxito en programas como Siglo XXI de Radio 3, llegando a número 1 en las listas de Supersonido de M80, lo cual demuestra una gran proyección.


El álbum debut va acompañado de un directo espectacular con una banda de músicos conocidos y de gran calidad, lo que da a los temas una nueva dimensión. Como banda llevan juntos desde el año 2002 a partir de una idea de Flavio Rodríguez (cantante), Jorge Carrasco (bajista) y David Perojo (guitarrista). Utilizan hiphop, soul, funk, disco, jazz, latin, reggae y rock para crear un set compacto muy original.


Todo empezó como un proyecto donde se remezclaban temas de D'Angelo, Curtis Mayfield, Bobby Caldwell, Pharrel Williams, Screamin Headless Torsos, Prince, The Roots o los mismos Beatles. El sonido característico de la formación es el resultado de la aportación de estos músicos y su extensa trayectoria como profesionales: Daniel Levy es uno de los mejores bateristas del país, destacando por su talento para tocar latin; Jose Luis Guart es pianista y director musical, uno de los más famosos teclistas de jazz-funk de nuestras fronteras; Dj Yoda en los platos, secuencias y sampler aporta otra magnitud a la banda, añadiendo elementos electrónicos y scratch; Diana Feria, en los coros y Fender Rhodes, añade frescura a la vez que un toque muy soul al conjunto.


Las líneas de bajo y los beats acompañan a las líricas de una manera muy sugerente y sensual. Fusionan sin miedo soul clásico con hiphop y reggae para contar historias de forma sincera, desnuda, a veces irónica, acerca del amor, el desamor, el sexo, la calle, las fiestas... haciendo partícipe al público de sus sentimientos más íntimos. Es una visión muy actualizada de la música negra, en la que también remezclan melodías mellow de los 80 con latin grooves, jazz fusión y hiphop, sin olvidarnos de sus raíces: toda una aportación al Nu Soul nacional!


Sin duda, artistas como Flavio han contribuido a perfilar el panorama musical español actual. Su exquisito gusto se aprecia también en la colección de discos que emplea para los sets como dj, siendo residente en clubs emblemáticos como Otto Zutz, Jamboree, Catwalk, The Gallery, y habitual de fiestas tant importantes como las del Cirque du Soleil, así como en desfiles de moda (Gaudí Bcn) y un largo etcétera.


FLAVIOLOUS sale a la venta en Marzo 07. Grabado y mezclado en Barcelona y Madrid. Masterizado en Sterling (NYC). Artwork/diseño Inocuo. Colaboraciones de Nach, Quiroga, Hermano L, Choco Bros, Allday Green y Kunta-K. [-] Contraer

Se formó en 1991 como reacción al racismo, identidad cultural, opresión musical y otros estereotipos de su Reino Unido de origen.

La banda se ve a sí misma como una plataforma para establecer la armonía entre la gente afectada por la confusión, la apatía y la ignorancia de los que tienen el control.

Su objetivo es construir conexiones de entendimiento y respeto para todos. No buscan el dinero ni el negocio, solamente existen por amor al arte.

Su conocimiento musical y nivel de experimentación les han puesto en contacto con artistas de otros países a quienes les unían propósitos paralelos. Han celebrado conciertos en Sudáfrica, bosnia, Trinidad, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Europa y Estados Unidos.

Han grabado tres álbumes: Seize the time, UIT Intent to pervert the cause on injustice y Erotic Terrorism, así como numerosos singles.Raperos, poetas, músicos clásicos y tradicionales, tales como Nusrat Fateh Ali Khan, Natacha Atlas, Aziz Mian Qawal, Clannad, Jesus & Mary Cahin, The mission and pop will esat itself, han tenido todos su influencia en las aspiraciones del grupo.

"No tenemos miedo de otras formas musicales; solo puede beneficiar y enriquecer nuestro acercamiento a otras culturas".

Forman parte variedad de raperos, poetas y cantantes. El line up de FunDaMental esta siempre cambiando, excepto el corazón de la banda, PropaGhandi, un cSe formó en 1991 como reacción al racismo, identidad cultural, opresión musical y otros estereotipos de su Reino Unido de origen.

La banda se ve a sí misma como una plataforma para establecer la armonía entre la gente afectada por la confusión, la apatía y la ignorancia de los que tienen el control.

Su objetivo es construir conexiones de entendimiento y respeto para todos. No buscan el dinero ni el negocio, solamente existen por amor al arte.

Su conocimiento musical y nivel de experimentación les han puesto en contacto con artistas de otros países a quienes les unían propósitos paralelos. Han celebrado conciertos en Sudáfrica, bosnia, Trinidad, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Europa y Estados Unidos.

Han grabado tres álbumes: Seize the time, UIT Intent to pervert the cause on injustice y Erotic Terrorism, así como numerosos singles.Raperos, poetas, músicos clásicos y tradicionales, tales como Nusrat Fateh Ali Khan, Natacha Atlas, Aziz Mian Qawal, Clannad, Jesus & Mary Cahin, The mission and pop will esat itself, han tenido todos su influencia en las aspiraciones del grupo.

"No tenemos miedo de otras formas musicales; solo puede beneficiar y enriquecer nuestro acercamiento a otras culturas".

Forman parte variedad de raperos, poetas y cantantes. El line up de FunDaMental esta siempre cambiando, excepto el corazón de la banda, PropaGhandi, un cSe formó en 1991 como reacción al racismo, identidad cultural, opresión musical y otros estereotipos de su Reino Unido de origen.

La banda se ve a sí misma como una plataforma para establecer la armonía entre la gente afectada por la confusión, la apatía y la ignorancia de los que tienen el control.

Su objetivo es construir conexiones de entendimiento y respeto para todos. No buscan el dinero ni el negocio, solamente existen por amor al arte.

Su conocimiento musical y nivel de experimentación les han puesto en contacto con artistas de otros países a quienes les unían propósitos paralelos. Han celebrado conciertos en Sudáfrica, bosnia, Trinidad, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Europa y Estados Unidos.

Han grabado tres álbumes: Seize the time, UIT Intent to pervert the cause on injustice y Erotic Terrorism, así como numerosos singles.Raperos, poetas, músicos clásicos y tradicionales, tales como Nusrat Fateh Ali Khan, Natacha Atlas, Aziz Mian Qawal, Clannad, Jesus & Mary Cahin, The mission and pop will esat itself, han tenido todos su influencia en las aspiraciones del grupo.

"No tenemos miedo de otras formas musicales; solo puede beneficiar y enriquecer nuestro acercamiento a otras culturas".

Forman parte variedad de raperos, poetas y cantantes. El line up de FunDaMental esta siempre cambiando, excepto el corazón de la banda, PropaGhandi, un conocido productor de origen asiático, y DJ Impi D, nacido en Londres pero crecido en Canadá, que juntos han viajado y actuado en incontables giras y festivales [-] Contraer

Las raíces en los Balcanes de donde él proviene, la cabeza en el siglo 21, el cual él vive completamente, la música de Goran Bregovic casa los sonidos de una charanga gitana con polifonías búlgaras tradicionales, esas de una guitarra y percusión tradicional con un curioso acento rockero,...

Todo en contra de un historial de una orquesta de cuerdas « endiablé » y sonidos profundos de un coro masculino, creando música que nuestra alma reconoce instintivamente y el cuerpo recibe con un impulso irresistible para bailar.

Nacido en Sarajevo, de madre serbia y padre croata. Después de unos pocos años de (muy poco entusiastas) estudios musicales en el conservatorio (violín), Goran forma su primer grupo “El Botón Blanco” con dieciséis años.

Compositor y guitarrista (“Yo elegí la guitarra porque los guitarristas siempre tienen los que más éxito con las chicas”), admitió su amor inmoderado por el rock n’roll.

“En esos tiempos, el Rock tenía un rol primordial en nuestras vidas. Era la única forma de poder hacer oír nuestra voz, y de expresar públicamente nuestro descontento sin arriesgarnos a ir a la cárcel (o algo parecido) ...”

Los estudios de filosofía y sociología lo habrían llevado casi seguro a ser profesor del Marxismo, si no hubiera sido por el gigantesco éxito que tuvo su primer disco.

Siguió con su grupo “El Botón Blanco” quince años, marcados por unas giras larguísimas y después sesiones de autógrafos en las que Goran parece un ídolo de juventud de los países del este hasta que se agotó y cansó de esto.

A finales de los ochenta Bregovic se tomó un tiempo a parte de su ajetreo para componer música para “los Tiempos de los Gitanos” de Kusturica, y cumplir su sueño de la infancia: vivir en una casa pequeña en la costa Adriatica.

La guerra destrozó esto, y muchos otros sueños, y Goran tiene que abandonar todo para encontrar exilio en Paris.

Música para películas:

Viniendo del mismo historial, la misma generación, los supervivientes de las misma experiencias, Goran BREGOVIC y Emir KUSTURICA formaron un tandem que no necesitaba palabras para comunicar.

Después de “Los Tiempos de los Gitanos” Goran tenía una mano libre para componer una banda sonora original para “El sueño de Arizona”.

La música responde a las expectativas de la película – poética, original e increíblemente intensificadora.

“Una de las cosas más geniales de las películas de Emir es que muestran la vida exactamente como es- llena de agujeros, dudas y hechos inesperados. Es este el lado imperfecto y desorganizado que yo quería preservar sobre todo. Incluso las canciones grabadas con Iggy son muy poco producidas. Está sólo su voz y detrás de esta una orquesta gitana de antiguas, anteriores a la guerra, trompetas y cuernos de vaca. Es realmente muy simple”.

Lo que Goran no dice es que esta es probablemente una de las mejores actuaciones de Iggy en los últimos años.

Y otra cosa que no dice es que esta aparente sencillez pertenece sólo a los artistas de talento excepcional.

Patrice Chereau Rockeras le confió la música de “La Reina Margot”, Palme d’Or en el Festivas de Cine de Cannes en 1994. Goran repartió una pieza majestuosa con acentos roqueros.

La música para “Underground” de Emir Kusturica, Palme d’Or en el Festival de Cine de Cannes de 1995, fue también firmada por Goran. Pero no la siguiente película.

Una colaboración de tres años en “Underground” había desgastado a todo el mundo y Emir tiene que encontrar un equipo entero nuevo para su próxima película “Gato Blanco Gato Negro”.

Recientemente Goran compuso música picante con un aroma a “kletzmer” para “El Tren de la Vida” de Radu MIHAELANU aclamado por los críticos en Venecia, San Paulo, Berlín y por el público de cualquier lado donde era mostrado.

Después, Goran Bregovic se dedicó a la interpretación de su propia música y se permitió una segunda carrera en el escenario.

Música para teatro:

“El Silencio de los Balcanes” fue un proyecto multimedia ambicioso llevado a cabo en 1997 en Tesalónica, bajo la dirección del esloveno Tomaz PANDUR con imágenes de video de Boris MILJKOVIC.

Después la colaboración de Teatro Stabile de Trieste para el que él escribió música de escenario para una muy poco normal “Hamlet”, Goran Bregovic empieza a divertirse escribiendo para el teatro.

Sigue una colaboración con uno de los directores italianos más de moda, Marco BAILANI, comisionado por el Festival NOVECENTO en Palermo, para quien escribió la música para “ La Cruzada de los Niños” (creada en noviembre de 1999) después de otro proyecto importante de tres años con Tomaz PANDUR: “La Divina Comedia” en el teatro THALIA en Hamburgo.

Música para conciertos:

Durante los últimos diez años, desde que abandonó el rock puro en 1985, la música de BREGOVIC no ha sido nunca interpretada en directo.

Todo esto cambió en 1995 cuando, con una orquesta de diez músicos tradicionales, un coro de cinquenta cantantes y una orquesta sinfónica, dio una serie de conciertos en Grecia y Suecia, seguidos del concierto dado el 26 de Octubre en Forest National de Bruselas para una audiencia de 7500.

Muy pocos conciertos en 1996 ya que la idea de ciento veinte artistas en el escenario asustaba a los organizadores.

En junio de 1997, el grupo se reduce a cincuenta músicos para un concierto de dos horas con la música que él compuso para las películas. Y es un éxito detrás de otro.

Lleva a cabo una gira triunfal por toda Europa con su Orquesta para Bodas y Funerales presentando en directo sus más bonitas piezas desde el famoso “Ederlezi” (Tiempo de los Gitanos) al “En el Coche de la Muerte” (Arizona Dream) y el energético “Kalasnikov” (Underground) teniendo éxito con una audiencia delirante que se repitió con su poderoso “Juris” (A l’ataque!).

El número de participantes – entre 3.500 y 10.000 por concierto – y el concierto dado el 1 de Mayo en la Palaza St. Giovanni en Roma frente a 500.000 personas confirma que su música tenía entonces un impacto real a nivel internacional.

Goran BREGOVIC continua su carrera, y la estrella de rock local joven de los 70 y de los 80 confirma su autoridad como un compositor maduro, con éxito e internacional.

Colaboraciones musicales:

Como un niño contento, Goran se sorprende de estar colaborando con artistas tan importantes de diversas culturas – gente a la que él le habría pedido un autógrafo no hace mucho tiempo: Iggy Pop, a quien reinventó totalmente (Arizona Dream, 1993), Ofra Haza (La Reina Margot, 1994), Césaria Evora (Undergroound, 1995), Scot WALKER en el Reino Unido, Setzen Akxu en Turquía, George Dalaras en Grecia, Kayah en Polonia.

Proyectos especiales:

Giovanni FERETTI del legendario grupo italiano CSI, director de arte de “Bologna 2000”, le pidió a Goran BREGOVIC que fuera embajador de la música de los países ortodoxos para una fiesta de una noche el 27 de junio.

Goran lo llamo “Las Raíces Calientes de los Balcanes” e invitó a tres charangas (una de Bulgaria, otra de Rumania y otra de Serbia) y a un grupo de voces femenino de Rusia.

Un concierto unido por BREGOVIC y CSI que tuvo tanto éxito que las fiesta se repitió el 29 de junio en el prestigioso NUOVO AUDITORIUM de Roma.

Para empezar su gira italiana en el verano del 2000, Goran tramó una “Gran boda en Palermo” para la celebración de la Santa Rosalia el 14 de julio. Sólo para una noche muy especial, Goran reunió artistas de países a lo que él llamo su “campo de alimentación musical” – entro Budapest y Estambul.

Para la música de Goran y las imágenes del director de video de Belgrado, Boris MILJKOVIC, los bailarines de Eslovenia y los de Grecia bailaban bajo la dirección de un coreógrafo rumano con gran talento, Edward CLUG.

Y una vez más, llamó a unas charangas (una boda sin charanga no es una boda) para llevar a 80 novias y novios de partes opuestas a la bonita ciudad de Palermo a la plaza central donde alrededor de un árbol por la mañana ellos se encontrarían con los bailarines profesionales de Clug y la Orquesta para bodas y funerales de Goran para un largo baile final de boda.

Después de las giras por Europa de mayo a octubre del 2001 que terminaron en Suramérica y después tres conciertos triunfantes en el Cirque d’Hiver en Paris, Goran terminó el año trabajando en su nuevo disco paralelo a una película con un título trabajado “Historias de Bodas y Funerales”.

En 2001 Bregovic escribió música para escenario de la “Divina Comedia” de Dante (concebido como un tríptico, del cual la primera parte el Infierno fue estrenada en el Teatro Thalia en Hamburgo en enero del 2001, seguida en febrero del 2002 por el Purgatorio y el Paraíso). El director es el cómplice de Goran durante un trabajo de larga duración, Tomaz PANDUR de Eslovenia.

En junio de 2002, Goran BREGOVIC ha unido tres cantantes estrellas de tres religiones con el coro ortodoxo de Moscú, Orquesta Andalusi de Tetuan (Marruecos), y su orquesta para Bodas y Funerales, para un proyecto especial llamado “Mi Corazón divento’ Tolerante” con un tema de reconciliación en la Basílica de St. Denis (cerca de Paris).


Tours:

Después de realizar distintas giras a lo largo de Europa y Sudamérica durante todo 2002, incluyendo cuatro triunfales conciertos en Paría en el mes de noviembre(dos de ellos en el Bataclan y uno más en Théâtre des Champs Elysées ,el templo de la música clásica), en 2003 Bregovic actúo en los países escandinavos, Francia, Rumania, España. En junio de 2003 realizó una interpretación de “My Heart has become Tolerant” en el festival de música sacar de Fez (Marruecos) y en la fundación Guggenheim de Bilabo, San Petersburgo, Moscú, y dos increíbles conciertos con todo vendido en el legendario Luna Park de Buenos Aires, dónde además se le nombro ciudadano honorífico. Poco después participó en distintos festivales europeos.

El otoño-invierno entre 2003 y 2004 vio pocos conciertos de Bregovic (tan sólo una serie de conciertos en Suiza en marzo) ya que su tiempo se centró en la preparación de “Goran Bregovic’s Karmen with a Happy End”. Combinación de teatro naïf y ópera, Karmen se estrenó en Italia en Abril de 2004. La obra fue escrita, compuesta y dirigida por Bregovic. Desde abril a diciembre de ese año se realizaron unas noventa representaciones: una gira “Karmen” en Italia, conciertos en Francia Alemania, el festival Bergen en Noruega, para volver a Italia, Alemania y Francia en el verano. En otoño siguieron tres conciertos en Bélgica, más tarde los países bálticos, Viena y la República Checa, más un concierto en Bratislava. En noviembre regresó a Argentina con otras tres fechas en Buenos Aires y una en Córdoba, y ya en diciembre cinco conciertos de “Karmen” en el Piccolo Teatro Festival de Milán, más alguna en Cagliari y un nuevo pequeño tour en Italia.

GORAN BREGOVIC presenta 'Opera KARMEN con un FINAL FELIZ'

La primera parte ”documental”, que dura unos 40 minutos, es una pieza teatral que tiene únicamente como escenario una silla y un cobertor arrugado, se habla el serbio, el Romaní y –siempre que se puede- el idioma del país donde se actúa. La historia pretende que, en la segunda mitad – que dura otros 40 minutos – del teatro se pase a la opera. Toda la música es nueva y, excepto algunas reminiscencias, no tiene nada que ver con la Carmen de Bizet.

Se inspira en música de los gitanos tal y como se toca en Europa hoy en día, música que aun no esta en boga entre los turistas amantes de lo gitano. La misma actriz interpreta primero el papel de Kleopatra y luego el de Karmen en la opera, y el mismo actor interpreta el papel de Bakia en teatro y el de Fuad en la opera.

2005 trajo más giras en Italia, Francia, España, Alemania e Israel, pero también una visita al continente asiático que incluyó paradas en Taipei, Singapur y Seúl en junio. Más tarde llegaron más festivales en Italia, España, Francia. En noviembre, Bregovic presentó “Karmen” en París, en el “Cabaret Sauvage”.

En junio del mismo año, El antiguo y legendario grupo de Bregovic, “White Button” (Bjelo Dugme) realizó una gira de reunión en las capitales de las tres antiguas republicas yugoslavas, en las que todas las actuaciones fueron sold-out. 70.000 personas en Sarajevo y Zagreb y 200.000 en Belgrado probaron que hay esperanza para los pueblos separados por la guerra, ya que todos ellos pudieron disfrutar por igual de una herencia musical común.

En 2006, después de una gira en Francia y varios conciertos en España e Italia, en el mes de julio se produjo la primera visita de la música de Bregovic a territorios norteamericanos: un extraordinario concierto en el festival de jazz de Montreal para un público de más de 150.000 personas, seguido de un recital en el Millenium Park de Chicago (4.000 personas sentadas más 7000 de pie)y un concierto más en el Lincoln Center para el cual se vendieron todas las localidades dos semanas antes.

Acto seguido, Bregovic realizó varios conciertos en Francia, Italia, Grecia y regresó a Corea, dónde actuó un concierto con músicos locales y la Banda de Bodas y Funerales el 31 de agosto, y una representación de “Karmen” el 2 de septiembre.

“Goran Bregovic’s Karmen with a Happy End” se publicará en CD, junto a una muestra en video del espectáculo, el próximo mes de noviembre.

Y ahora...

Goran Bregovic está trabajando en dos proyectos:

- Un proyecto comisionado por ECHO(European Concert Hall Organisation) para realizar una gira de diez conciertos en salas europeas durante 2007, en los que interpretará temas de la Banda de Bodas y Funerales junto al Kristjan JÄRVI’s ABSOLUTE ENSEMBLE, todo ello bajo la dirección de al Kristjan Järvi. El título de esta muestra será “Forgive me, is this the way to the Future?”

- Un proyecto comisionado por el Musikfest de bremen para septiembre de 2007, El "Orfeo" de Monteverdi.


DISCOGRAFÍA SELECCIONADA :

« Le Temps de Gitans » Polygram/Universal

« Arizona Dream » Polygram/Universal

« Toxic Affair » Polygram/Universal

« La Reine Margot » Polygram/Universal

« Underground » Polygram/Universal

« Ederlezi » compilation Polygram/Universal

« Bregovic & Kayah» BMG Poland

« Songbook » Polygram/Universal

« Music for Films » Polygram/Universal

« Tales from Weddings and Funerals» Polygram/Universal


Algunos críticos han calificado a “Tales & Songs from Weddings and Funerals” como su álbum neoclásico. En él presenta una gran variedad de músicos que atraviesan sus variados estilos, desde el tango al reggae o la música gitana. [-] Contraer

Con su nuevo álbum “Scale”, el incansable innovador musical Matthew Herbertha producido su colección de canciones más accesible y meliflua hastael momento. En sólo una década como artista discográfico, Herbert se haconvertido en el compositor electrónico más inventivo y prolífico delReino Unido, ya sea grabando bajo su nombre o como Doctor Rockit, Wishmountain, Radio Boy, Transformer,entre otros. Respetado mundialmente más allá de cualquier escena ogénero, también ha producido y remezclado a artistas tan diversos como Björk, REM, John Cale, Roisin Murphy, Yoko Ono y Serge Gainsbourg.

“Scale”es una culminación de todos esos logros, conteniendo ecos de todas lasidentidades musicales de Herbert. En una carrera que abarca collages desamplers de jazz, house, techno y vanguardia, su más frecuentecolaboradora ha sido su pareja Dani Siciliano. La chanteuse con la voz de terciopelo vuelve a aparecer de manera prominente en “Scale”, junto con cantantes como Neil Thomas y Dave Okumu, quien lidera la banda Jade Fox.En el álbum también han participado una orquesta de cámara, una secciónde instrumentos de viento de madera, trompetas y muchos de los músicosque pudiste oír en la big band que acompañaba a Herbert en su disco “Goodbye Swingtime” (2003).

Enla superficie como mínimo, “Scale” es el álbum más tranquilo y suave deHerbert con distancia. En este gran baile de sonido, sedosas baladascomo “Something Isn't Right” o “We're In Love” empujan para hacerse con la pista ante cortes más sincopados y cercanos a la música de club como “The Movers And The Shakers” y “Moving Like A Train”.

El último disco de Herbert, “Plat Du Jour”(2005) era un disco con alto contenido político que usó la industriaalimenticia como fuente sonora y materia de inspiración. Más allá de suaparentemente ostentosa superficie, “Scale” no es menos serio, tomandocomo tema clave el fin de la era del petróleo y la violencia que haoriginado su busqueda. Pero este no es un disco airado o un discopolítico. Como en muchos de sus experimentos sonoros, el subtexto essutil y juguetón.

"Este álbum fue diseñado más para ser unacelebración”, dice Herbert. “La tarea que me asigne fue la de revisitarmi faceta como compositor de canciones. Intentar y hacer esas cancionesde una manera interesante, pero sobre todo disfrutando con las melodíasy las armonías. No quería que el disco estuviera atado bajo el peso dedemasiadas ideas, como hice en ocasiones con “Plat Du Jour”.

Eltítulo “Scale” hace referencia escala como perspectiva, que significacalibrar la distancia entre el pasado y el presente, la infancia y laedad adulta, la satisfacción personal y el descontento global.Encontrar un camino para medir su propia vida como músico de éxito conlibertad contra un telón de fondo de guerra general, pobreza ydesigualdad.

“Espero que el álbum todavía tenga una cualidadfestiva, incluso con este regusto margo,” concluye Herbert. “Para serhonesto, estoy cabreado conmigo mismo. Quería escribir un disco de popalegre, pero no lo he conseguido. No puedes hacerlo cuando Dick Cheneyestá al control. El mundo está tan turbio en estos momentos que no pudealegrarme para grabarlo. Pero de verdad me gustaría que se considerara“Scale” como un disco animado. Está diseñado para que la gente lodisfrute.”

"Scale... ofrece una nueva lección de cómo construir canciones que escapan a etiquetas (POP, con mayúsculas, es quizás la única válida" - Ignasi Moya - La Vanguardia

"Scale es un disco para disfrutar de principio a fin sin temor" - Agustín Gómez Cascales - Shangay

"Prácticamente irresistible" - Nando Cruz - El Periódico

"Si no tenía nada que demostrar, ahora menos" - Jaume R. Salas - El País

Matthew Herbert - Biografía

Si repasamos la obra del británico Matthew Herbert,no resulta exagerado concluir que gran parte del presente y el futurodela música electrónica pasa por sus manos. Músico versátil ycompositor iconoclasta, el hombre que también se oculta tras los aliasde Dr. Rockit o Radioboy se ha destacado como una de las figuras más personales del cambio de siglo, independientemente de géneros o estilos.

Quizáuno de los aspectos más característicos (y comentados) dela música deHerbert es el uso del sampler para alterar sonidos de la vida cotidianae incorporarlos a su discurso sonoro. Siguiendo los postulados quereflejó en su manifiesto personal P.C.C.O.M. (Personal Contract for the Composition of Music), el también propietario del sello Accidentalevitasamplear composiciones de otros músicos, rechaza el uso de sonidospredeterminados y cajas de ritmos y destaca el valor del accidente enel estudio como un elemento tan importante como las decisionesconscientes. Fue a principios de la década de los 90,mientras estudiaen la Universidad de Exeter, cuando comienza a poneren práctica estasteorías, que poco más tarde plasma en sus primeros lanzamientos. Otraconstante en su obra es la implicación política y social, que serefleja especialmente en su trabajo como Radioboy: envoltorios, latas yotros objetos de consumo cotidiano son utilizados para crear lossonidos de discos como A Machine Drilling For Oil y The Mechanics Of Destruction, ácidas críticas contra el sistema capitalista y las compañías multinacionales.
Pero la concienciada es sólo una de las caras del británico. Como Dr. Rockit y Wishmountain ha jugueteado con el house, mientras que su faceta de remixer -para artistas como Moloko, R.E.M., The Avalanches, Yoko Ono o incluso John Cage- se puede apreciar en el doble CD Secondhand Sounds(2002).Por otro lado, a lo largo de su carrera ha realizado múltiplescomposiciones para teatro, televisión y cine, como en el caso de labanda sonora de Vida y Color, filme dirigido por Santiago Tabernero que será estrenado en noviembre.

En 2001 publica Bodily Functions,quizás su disco más celebrado y en el que utiliza sonidos procedentesdel cuerpo humano como elemento unificador. Este álbum cuenta con lacálida voz deDani Siciliano, a quien le une unarelación profesional –colaboran habitualmente y Herbert ha producido suprimer disco- y sentimental. Siempre inquieto y deseoso de probarnuevas experiencias, en 2003 se enfrenta a un gran reto: colaborar conuna bigband de 16 músicos procedentes del mundo del jazz. El resultado,el álbum Goodbye Swingtime (2003), no podría ser mássatisfactorio. Con referencias a la situación política del momento (laguerra de Irak y la resaca del 11-S), Herbert consigue renovar elsonido de las grandes formaciones clásicas del género y firmar uno desus mejores momentos.

Después de colaborar con Roisin Murphyensu estreno en solitario, para su última aventura el británico se poneel delantal y entra hasta la cocina. La comida es el hilo conductor deun Plat Du Jour (2005) de nuevo repleto de críticasocial, en esta ocasión sobre la calidad de los alimentos queconsumimos a diario y de cómo son manipulados por las grandescompañías. Para su presentación en directo se hace acompañar de un chefmientras Herbert registra y manipula los sonidos que produce en suimprovisada cocina gracias a su mejor aliado, el sampler. Mientrasesperamos a que nos sorprenda con su nuevo paso, tendremos la ocasiónde disfrutar en vivo de uno de los nombres básicos del panorama musicalde la actualidad. [-] Contraer

Herman Dune ya llevan unos cuantos años siendo una banda underground muy conocida, con fans en Europa y Estados Unidos. Han grabado un nuevo álbum, "GIANT", para el sello discográfico Source Etc, y por primera vez han contado con tiempo y apoyo para poder expresar libremente sus fantasías de arreglos y producción de sonido.

Con una nueva formación de percusiones, el sonido vintage de una auténtica sección de "vientos y metales" y el apoyo vocal del grupo de chicas "The Woo-Woos" (Lisa Li-Lund y The New York Babyskins), Herman Dune hizo brillar aún más su renovado amor por las buenas composiciones.

Poesía, melodías y groove son sus armas favoritas para componer y tocar, y si pueden divertirse grabando sus canciones, todavía se quedan más contentos con ellas. "Giant" se grabó con la banda en directo en un estudio cerca de Mount Snodown, norte de Gales, Reino Unido, donde los Gigantes vagan por la noche. La elaboración de las canciones sigue siendo su principal preocupación, ritmos y coros los mueven tremendamente, pero, esta vez, han tenido más tiempo para embellecer su sonido. La Familia Herman Dune tiene raíces en Suecia, Francia, y Nueva York. Los hermanos David-Ivar alias Ya Ya (guitarra, bajo y vocales) y Andre (guitarra, saxofón y voces)han tocado juntos desde su infancia junto a Neman (batería), y pronto su pequeña hermana Lisa (coros) siguió a sus hermanos y se unió a la banda. Ahora residen en distintas partes del mundo (Berlín, Nueva York y París) y se reúnen para tocar y grabar siempre que pueden. Con unos cuantos álbumes sacados en sellos independientes americanos, ingleses y franceses, y su último y aclamado trabajo "Not On Top" (Track And Field, Reino Unido) han estado de gira por el mundo tocando ante un público cada vez más amplio. La prensa británica siempre les ha apoyado, incluso a pesar de la caótica distribución, y los DJs de BBC1 ponen mucho sus canciones. John Peel les invitó a sus Peel Sessions en la BBC, algo que sólo hace con muy pocas bandas, y ahora que ya no está él, todavía graban de vez en cuando para la BBC. Muy conocidos en la escena americana del directo y con muchos amigos en la comunidad de artistas de Nueva York, han tocado en muchos sitios, y han hecho fuertes conexiones en muchos estados y países.

"Giant" se elaboró primero con canciones, y luego con instrumentos reales, gente real y equipo analógico. El primer single extraído de "Giant" será "I Wish That I Could See You Soon". [-] Contraer

Howe Gelb por Howe Gelb

Nací con un gran ojo. Pasé mucho tiempo solo. Aprendí a hablar con los muebles. Buenos oyentes pero erráticos conversadores. Pasé la gran inundación del 72. Seis pies por encima de nuestro tejado. Un paisaje fantástico cuando el agua desapareció. Y ningún otro bien material por el que preocuparse. Pero el piano se llevó la peor parte. Una predestinación bíblica, supongo, porque habría odiado tener que practicar. Así que el río (o quizás eran lágrimas) tuvo que venir para reducirlo a astillas. Genial, nada de sentirse mal por no practicar. El frigorífico tuvo más sentido del humor. Dio la vuelta por completo y volvió a situarse en el mismo punto exacto en el que estaba antes. La casa apestaba a cieno y serpientes de agua. Pero, junto con los divorcios, trajo consigo el descubrimiento del desierto. No se ofrecían muchos seguros por inundación en Tucson.

Conocí a un alemán del Este que tocaba la slide guitar y decidí que sería mi hermano mayor. Dejé la escuela de arte para apoyarme en la guitarra. Primero grabé una ópera rock en el 76, en una emisora de radio. Con un cuatro pistas. Intenté formar una banda de punk en el 78, pero no podía cantar. Acabé creando Giant Sandworm con el guitarrista de Alemania del Este en el 79 o el 80. Al final averiguamos cómo grabar un disco –en un 8 pistas- en 1983 o 1984. Después grabamos otro más en el 84 u 85. Finalmente giramos por Europa (tres veces) en el 86. Abrimos para The Cramps en Francia. Fuimos a echar un vistazo a Berlín occidental. Fue como andar sobre un cuadro de colores pálidos hecho por un artista al que no le gustase dibujar peatones. Rainer voló hasta Berlín oriental por si acaso querían recapturarlo en la frontera, como si todavía necesitasen guitarristas que utilizasen instrumentos inventados por hermanos checoslovacos... Fueron ellos los que mencionaron que mi esposa se parecía a la mujer de JR en ‘Dalllas’. Tuvimos un niño poco más tarde, después de volver a Hollywood.

Me hice amigo del batería John Covertino en el mismo edificio en el que vivíamos por entonces. Me divorcié y me mudé al desierto en el 89. Joshua Tree. Pappy and Harriet’s era el centro del universo. Grabé el centro del universo. Entablé amistad con el joven bajista Joey Burns. Conocí a mi segunda mujer en Arhus. Volví a Tucson en el 91. El bajista y el batería comenzaron a colaborar por su cuenta en el 94. A Rainer le diagnosticaron cáncer en el 96. Murió 20 meses más tarde. Otro niño nació en el 99. Otro más en el 2002. Mi segunda hermanastra sucumbe al cáncer en 2003. Pienso en lo genial que fueron la inundación y el divorcio. Descubro una nueva manera de aplicar los pedales de efectos a la guitarra. Los monto en un cinturón de herramientas. Comienzo a hacer giras sin equipaje. En su lugar, pido calcetines, calzoncillos y camisetas en el rider. Añado también al rider una guitarra, de manera que no tengo que cargar con una nunca más. Me arrestan en el 2004 0 2005 por intentar subir a un avión sin equipaje, sin guitarra... tan sólo con un cinturón de “herramientas”. [-] Contraer

Ha muerto Nina Simone. ¡Viva Malia! La música como la vida. Estrellas que se apagan y posan su luz y su estela eternas en el firmamento. Ha nacido la voz de Malia y su corazón late por nosotros entre narcisos amarillos. No sólo es jazz. Es naturaleza, prodigio. Ella se pasea por las calles cantando... Todo el mundo la mira. Su cuerpo interminable sólo viste unos zapatos violetas de tacón. En esta vida moderna, supremacía de la imagen, primero se mira,luego se escucha.

En Octubre de 2004 acaba de salir al mercado español, su último disco “Echoes of Dreams”. Echoes of a Dream es la continuación de Malia a Yellow Daffodils. El sonido de Malia sigue siendo suyo e identificable, si cabe aún más contundente que en su anterior trabajo, nadando entre esa mezcla entre soul, r&b y rock.Malia llama la atención. Silencio que canta..."... In my solitude you hoooold me..."

Sir Duke revitalizado con recuerdos sonoros que nunca perecen...

Malia es de Malawi, un país pequeñito en el sudeste africano, vecino de Mozambique, Tanzania y Zambia. Su papi, inglés. Lugareña, su madre.

A los catorce años emigró a Londres y despertó a la música, primero como refugio en una ciudad invernal, como liberación adolescente y, finalmente, como medio de identidad y de identificación personales. La chica no flipaba con Buggles, ni Spandau Ballet, ni The Smiths. Día y noche devoraba melodías de Sarah Vaughan y Billie Holiday. La chica buscó su voz, su estilo. Ahí está. Canta libre, canta desnuda, canta sensual y amorosa. Y no tiene frío londinense. Es una bomba emocional. "Tengo que dar las gracias a los músicos que primero me inspiraron y despertaron cada celulita de mi cuerpo vivo. A Billie Holiday, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nina Simone", escribe Malia en los créditos de su primer disco Yellow daffodils. Cuando aparecen artista nuevos se evitan las comparaciones y se enfatizan la originalidad, las virtudes únicas. Que no tema Malia. Tiene alma propia, personalidad perceptible desde Venus, desde Marte. Pero seguro que Erikah Badú, Macy Gray, Jill Jones, Angie Stone, Björk, Sade Adú, Cassandra Wilson, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, Beth Gibbons y otras divas contemporáneas resuenan en cada rincón de su casa. Malia canta en la mía y mil y un ecos de un millón de voces y melodías rebotan felices en las paredes. Es la historia enchufada al futuro.
Malia canta al ritmo del presente, paso a paso, hacia delante. Su mentor André Manoukian, un francés exquisito, músico, arreglista, compositor de la escuela bostoniana de Berklee, dice que la cantante africana es un "sueño para cualquier compositor, lo puede cantar todo, jazz, gospel, soul, lo que la pidas... es una mezcla loca de clasicismo intemporal y modernidad de última hora". Malia no reinventa, no reinterpreta, explora. Como el francés Eric Truffaz, el talento vanguardista, libérrimo, del sello Blue Note, que abre el disco a soplo hondo de trompeta, más allá de Miles... Canta Malia. Nos envía narcisos amarillos. Si a Norah Jones le dieron tantos grammys, ¿qué van a hacer con Malia? [-] Contraer

Ismaël Lô no se prohíbe nada a si mismo. Sobre todo el derecho a no apresurarse, el derecho a reflexionar, a cuestionarse. “Hay que dar tiempo al tiempo”, dice él. Por tanto, habrá que esperar a su nuevo álbum, el 22º de su carrera, de la misma forma en la que esperamos a Dabah, su anterior trabajo. Grabado entre Dakar, París y Londres, Sénégal contiene todo lo que le ha identificado como uno de los artistas más apasionantes que el país africano ha ofrecido al mundo. Llamadas a la conciencia (Manko habla de la democracia y exhorta a los “políticos que no deben olvidar a quienes les eligieron”), como Incha Allah, Tass Yakar o Taar Dousey, que nos habla de los matrimonios concertados. También encontramos homenajes (a los agricultores en Baykat, a su madre en Yaye Boye, a las víctimas de un dramático naufragio en Le Jola), sin olvidarse tampoco de un juguetón sentido del humor que le viene desde su infancia.La música se sitúa a medio camino entre las baladas temblorosas y las invitaciones al baile por medio de los ritmos del Mbalax. “Titular así a este álbum, Senegal, es para mi una manera de honrar a mi país, de agradecerle todo lo que me ha dado”, afirma IsmaëlLo.

Nacido en 1956 en Níger, la tierra de su madre, Ismaël Lô creció en Rufisque, una comuna de la región de Dakar. En un principio no supo qué camino escoger. Su corazón se debatía entre la guitarra y el pincel, instrumentos que manejaba con una habilidad similar. Cuando en 1970su padre murió, se inscribió en el Instituto de Artes de Dakar, mientras que al mismo tiempo empezaba ya a tocar y cantar los fines de semana. Finalmente, la música se impone y se hecha a la carretera con una guitarra y una harmónica como único equipaje. Su camino se cruza con el de Super Diamono, un grupo idolatrado por los jóvenes del país. Empieza así una nueva aventura. Después de unos años de vida en común y éxitos junto a los Diamono, Ismaël Lô retoma su independencia. Entonces se rodea de músicos que dominan con la misma soltura los ritmos locales que el soul, el rythm’n’blues y otros estilos que le sirven de inspiración. Durante la década de los 90 encuentra al fin el reconocimiento internacional gracias sobre todo a Tajabone, una gran balada acústica que más tarde será incluida por Pedro Almodóvar en su filme Todo Sobre Mi madre. Sin jamás perder la elegancia ni la humildad, Ismael ha cultivado su música de manera sobria y calurosa, transmitiendo todo lo que a su mirada encuentra sentido: reflexionar, soñar y bailar. [-] Contraer

El dúo formado por "Little" Louie Vega y Kenny "Dope" Gonzalez es sin lugar a dudas el más citado y reverenciado en toda la historia del house. Su nombre se oculta detrás de innumerables éxitos, remixes y producciones para artistas como Michael Jackson, Madonna, Lisa Stansfield o Neneh Cherry.

Nacidos ambos en Nueva York de ascendencia puertorriqueña, Vega y González crecieron en entornos musicales. El primero el sobrino del vocalista de salsa Hector Lavoe, mientras que “Dope” es hijo del músico Hector Torres. Durante la década de los 80 ambos comenzaron su carrera como DJs en la gran manzana. En 1987 acuñaron el nombre que les haría famosos, aunque ya habían publicado trabajos en sellos como Strictly Rhythm, Nervous, Cutting y Big Beat.

Su primer single como Masters at Work fue "Blood Vibes", y poco más tarde llegaría su primer gran éxito, el remix de "One Step Ahead", de Debbie Gibson. Este fue el comienzo de una serie de producciones que hicieron de ellos la pareja de productores más fiable del mundo del dance, además de los remixers preferidos para acercar la imagen de las estrellas del pop a los clubs. Artistas como Michael Jackson, Donna Summer, Madonna, St. Etienne, George Benson, Brand New Heavies, Lisa Stansfield, Deee-Lite, Everything But the Girl, Chic, Soul II Soul o Neneh Cherry les han encomendado la tarea de remezclar sus composiciones.

En 1993 apareció su primer álbum, con la colaboración a las voces de Jocelyn Brown e India. Como productores también consiguieron copar las listas de éxitos con temas como "The Nervous Track" (firmada como Nuyorican Soul), "I Can't Get No Sleep" y "When You Touch Me". Al mismo tiempo, tanto Vega como González seguían manteniendo distintos proyectos.

La mayor parte de su obra remixológica puede encontrarse en los imprescindibles dos volúmenes de “10th Anniversary”, o en el reciente “The Kings of House”. [-] Contraer

Tras sentar las bases del micro-house y ganarse una legión de seguidores en 1998 con Around the house (Phonography, 1998) y posteriormente parir esa maravilla de ingeniería electrónica que es Bodily Functions (K7, 2001), Matthew Herbert, uno de los grandes gurús dela música electrónica contemporánea regresó a la actualidad -si es que algunavez había dejado de estarlo- con un disco tan sorprendente y ambicioso como Goodbye Swingtime, en el que sus ordenadores y maquinitas quedan en un segundo plano, para dejar paso a instrumentos "de verdad" a toda una Big Band que interpreta temas con un claro sabor jazzistico y con unas letras comprometidas en todo momento con la (dura) realidad.

Un total de 10 composiones, en las que Herbert y su banda revisan lospostulados más clásicos del jazz como en la que abren, "Turning pages" y "Everything's changed", se dejan seducir por la calidez de Henry Mancini ("Fiction"), se empapan de las grandes voces del soul ("The three w's") y por supuesto, no se olvidan de utilizar su filtro electrónico para teñir de vanguardismo la parte final del álbum en"Misprints" y "The many and the few" entre otras.

A pesar del duro golpe que este disco pueda suponer para los más puristas seguidores del jazz o de la música electrónica, tenemos que rendirnos a la evidencia, Goodbye Swingtime suena dulce y elegante, y con esacomplicada y arriesgada combinación de instrumentos tradicionales y música electrónica, tiene todos los elementos para convertirse en un clásico de nuestro tiempo. Revisa el pasado desde la distancia y con respeto y a la vez sienta las bases del futuro.


Matthew Herbert - Biografía

Si repasamos la obra del británico Matthew Herbert, no resulta exagerado concluir que gran parte del presente y el futuro dela música electrónica pasa por sus manos. Músico versátil y compositor iconoclasta, el hombre que también se oculta tras los alias de Dr. Rockit o Radioboy se ha destacado como una de las figuras más personales del cambio de siglo, independientemente de géneros o estilos.

Quizá uno de los aspectos más característicos (y comentados) dela música de Herbert es el uso del sampler para alterar sonidos de la vida cotidiana e incorporarlos a su discurso sonoro. Siguiendo los postulados que reflejó en su manifiesto personal P.C.C.O.M. (Personal Contract for the Composition of Music), el también propietario del sello Accidentalevita samplear composiciones de otros músicos, rechaza el uso de sonidos predeterminados y cajas de ritmos y destaca el valor del accidente en el estudio como un elemento tan importante como las decisiones conscientes. Fue a principios de la década de los 90,mientras estudia en la Universidad de Exeter, cuando comienza a poneren práctica estas teorías, que poco más tarde plasma en sus primeros lanzamientos. Otra constante en su obra es la implicación política y social, que se refleja especialmente en su trabajo como Radioboy: envoltorios, latas y otros objetos de consumo cotidiano son utilizados para crear los sonidos de discos como A Machine Drilling For Oil y The Mechanics Of Destruction, ácidas críticas contra el sistema capitalista y las compañías multinacionales.

Pero la concienciada es sólo una de las caras del británico. Como Dr. Rockit y Wishmountain ha jugueteado con el house, mientras que su faceta de remixer -para artistas como Moloko, R.E.M., The Avalanches, Yoko Ono o incluso John Cage- se puede apreciar en el doble CD Secondhand Sounds(2002). Por otro lado, a lo largo de su carrera ha realizado múltiples composiciones para teatro, televisión y cine, como en el caso de la banda sonora de Vida y Color, filme dirigido por Santiago Tabernero que será estrenado en noviembre.

En 2001 publica Bodily Functions, quizás su disco más celebrado y en el que utiliza sonidos procedentes del cuerpo humano como elemento unificador. Este álbum cuenta con la cálida voz deDani Siciliano, a quien le une una relación profesional –colaboran habitualmente y Herbert ha producido su primer disco- y sentimental. Siempre inquieto y deseoso de probar nuevas experiencias, en 2003 se enfrenta a un gran reto: colaborar con una bigband de 16 músicos procedentes del mundo del jazz. El resultado, el álbum Goodbye Swingtime (2003), no podría ser más satisfactorio. Con referencias a la situación política del momento (la guerra de Irak y la resaca del 11-S), Herbert consigue renovar el sonido de las grandes formaciones clásicas del género y firmar uno de sus mejores momentos.

Después de colaborar con Roisin Murphyen su estreno en solitario, para su última aventura el británico se pone el delantal y entra hasta la cocina. La comida es el hilo conductor de un Plat Du Jour (2005) de nuevo repleto de crítica social, en esta ocasión sobre la calidad de los alimentos que consumimos a diario y de cómo son manipulados por las grandes compañías. Para su presentación en directo se hace acompañar de un chef mientras Herbert registra y manipula los sonidos que produce en su improvisada cocina gracias a su mejor aliado, el sampler. Mientras esperamos a que nos sorprenda con su nuevo paso, tendremos la ocasión de disfrutar en vivo de uno de los nombres básicos del panorama musical de la actualidad. [-] Contraer

Hubo quien dijo que los 80 no fueron fructíferos en lo que a música se refiere. Aquí están Metro Area para demostrar lo contrario. Desde que en 1999 publicaran “Atmosphrique”, su maxi de debut, Morgan Geist y Darshan Jesrani se han dedicado a hilar fino tendencias como el R&B, la música disco, sonido Filadelfia o Boogie desposeyéndolas de los adornos tan obvios que lucían y combinarlas con maestría con el house y el techno perfeccionista que se imponen en el siglo XXI. Y todo ello con un esquema minimalista que ronda la perfección, plagado de detalles y que induce a repetidas escuchas, y que no está exento de contundencia y ritmo, para mover el cuerpo. A pesar de su carga antigua su música destila frescura y la hace además inclasificable. ¿Nuevo electrofunk, post disco, nu-house? Música deliciosa y experimentación en estado puro.

De los dos componentes tan solo Jesrani se dedica a pinchar, y demuestra su particular olfato para el House, la New Wave y el Disco, aportaciones que sabe muy bien aprovechar su socio para darles un acabado techno de alto nivel. Combinando la perspicacia musical de Morgan Geist y Darshan Jesrani, y en la línea de todo lo anterior Metro Area fueron lanzando nuevos maxis hasta un total de cuatro que se convirtieron en los once temas que componen su álbum de debut, en el sello Environ radicado en Nueva York. Cada tema es un mundo, una especie de pozo sin fondo donde la inspiración se superpone a esquemas conocidos y consiguen mediante mágica combinación de sonidos acústicos y electrónicos que el oyente se integre en ellos. No es fácil hablar en singular de cada uno de ellos sino que forman un conjunto de aspectos experimentales en los que se juega a fusionar elementos de la música dance con instrumentos clásicos y crear con ellos un sonido sólido.

Temas como “Miura” o “Dance reaction” han sido numerosamente utilizados por los gurús de las pistas de baile, han completado tracklistings de recopilaciones y han sido renombrados en las revistas de prestigio internacional. En ellos, dentro de un esquema de apariencia sencillo, mientras el bajo analógico chapotea y el sintetizador apuñala una estructura dejan deslizar violines a lo Filadelfia pero haciéndolos revivir con un aire electrónico y al mismo tiempo exótico. Sencillamente sublime. En “Pina” hasta consiguen un ambiente “mediterráneo” con esas guitarras y la solidez del piano … Metro Area, sin duda, referencia de esta década en la música de baile y una propuesta más que decente en la música en general. [-] Contraer

Aún resumiéndola a unas pocas líneas, la carrera musical de Joan resulta apabullante. Su recorrido comienza en The Dambuilders, pasa por Those Bastards Souls -banda en la que participaban David Shouse (The Grithers) y Steven Drozd (Flaming Lips)-, y Black Beetle, en esta última formación junto a Michael Tighe y Parker Kindred, ambos antiguos compañeros de Jeff Buckley.

También podríamos hablar de otras numerosísimas colaboraciones, desde Scissor Sisters a Nick Cave, de Dave Gahan (Depeche Mode) a Sheryl Crow, de Lou Reed a Sparklehorse. O de sus participaciones en bandas como Shudder To Think, Sex Mob (con quienes revisó en clave de jazz el "About a Boy" de Nirvana) o su proyecto Mind Science of The Mind, por citar sólo algunas.

Pero su carrera en distintas formaciones cambió radicalmente cuando su amigo Antony la invitó a formar parte de The Johnsons, con los que trabajó hasta que otro colega ilustre, Rufus Wainwright, le animase a realizar su proyecto en solitario y la invitase a abrir sus conciertos. Nacía así su proyecto Joan As Police Woman.

Despues de editar el 7” "My Gurl" y un EP con seis temas, llega el momento de debutar con el álbum Real Life. Su voz, comparada a menudo con grandes como Dusty Springfield, Annette Peacock o Chrissie Hynde, conduce unas composiciones que atraviesan el jazz, el pop y el soul sin que podamos decir a ciencia cierta cómo se llama eso que estamos escuchando.

“Yo lo he llamado alguna vez “punk rockR&B”, pero quizás “american soul music” sea un adjetivo mejor”, confiesa la propia Joan, para quien su música es la unión de dos corrientes que siempre le han influenciado: “el soul de Al Green, Nina Simone o Isaac Hayes y todo lo que vino a raíz del punk, como The Smiths, The Grifters o Siouxsie”. Y si asegura que el punk cambió su vida, en su música ha conseguido transformar su energía en algo distinto. “La ira es algo que he sentido durante mucho tiempo, pero es algo que surge a partir de otros sentimientos a los que no prestas atención. Yo intento profundizar en ellos”, asegura.

“Ya que no tengo que preocuparme de sobrevivir en el día a día, mi música trata sobre temas como el amor y la pérdida. A partir de ahí, se trata de encontrar una manera de ser sincero con una misma, después de mucho tiempo intentando escapar de cosas como convertirse en adulto, afrontar miedos sin sentir miedo, o sintiéndolo pero sin sufrir demasiado. De confiar en ti misma lo suficiente como para admitir cómo te sientes, algo que requiere mucha paciencia. Este disco trata sobre aprender a ser real”. [-] Contraer

Kelvis Ochoa nació en 1970, en Las Tunas – Cuba

Galardonado con el Goya 2006 a la mejor música original, como coautor de la Banda Sonora de la película “Habana Blues”

Galardonado con el Premio de la Música 2006 a la mejor música original, como coautor de la Banda Sonora de la película “Habana Blues”

Una de las características más singulares de los directos de Kelvis Ochoa es su forma tan especial de proyectar la canción tradicional de Cuba y en especial el sucu-sucu (ritmo autóctono de la Isla de la Juventud).

Kelvis es un maestro haciendo convivir, ritmos tan tradicionales como el Son , el Sucu Sucu, Cha Cha Cha, Macuta, Songo, Conga, Merengue, Milonga y la Timba, entre otros con influencias del Funky, Chili-peppers rock y pop Pop antillano e internacional. A sus melodías, envolventes y lírica de textos apasionados y divertidos, se suma su sorprendente buen hacer a la hora de asumir la improvisación.

Como autor ha compuesto temas para Raimundo Amador, Tomasito y Beatriz Márquez, ha colaborado en discos de Tino Di Geraldo y en producciones realizadas por este. también ha compuesto para Bandas Sonoras de películas, como “Vampiros en La Habana”(Juan Padrón) y “Barrio Cuba” (Humberto Solás 2005) y la reciente “Habana Blues” (Benito Zambrano). Descendiente de una familia de músicos, su abuelo, director de la orquesta Órgano Oriental, su padre, Segundo Ochoa reconocido timbalero cubano, kelvis destaca desde pequeño por su facilidad innata para cantar.

En 1992 se traslada a La Habana y rápidamente toma contacto con los ambientes culturales, integrándose con la nueva generación de compositores, artistas, interpretes, actores y escritores que emergen con identidad propia, durante esa época, en La Habana.

Participa en el disco producido por Gema Y Pavel “Habana Oculta”. Y es entonces, cuando para la promoción de este disco, que se traslada a España en julio de 1996 para participar en el festival Bilbao Tropical. A partir de entonces inicia un periplo de conciertos por festivales y salas de la geografía española, despertando de inmediato el interés tanto del público como de la prensa e incluso de artistas y músicos españoles de reconocido prestigio.

A finales de 1996, junto a otros músicos cubanos del colectivo ‘Habana Oculta’, graban un disco ya con el nombre de ‘Habana Abierta’ publicado por BMG-Ariola a mediados de 1997. La misma Compañía lanza el segundo disco de este colectivo “24 Horas” en 1999.

Desde el principio Kelvis, destacó por la rapidez con la que fue capaz de adaptarse y conectar con el publico español sobre todo por la fuerza escénica que le caracteriza, tanto es así que en el primer y segundo disco de Habana Abierta los primeros singles fueron “Tardes de Café” y “Cuando Salí de la Habana”, ambos compuestos e interpretados por Kelvis.

En diciembre de 1999 Kelvis y Alejo Stivel (ASK) coinciden, esa misma noche se propusieron trabajar juntos, comenzando la grabación en diciembre de el primer disco de Kelvis, en solitario.
En este primer disco es importante reseñar, que a pesar de estar lleno de ritmos tradicionales cubanos, la fusión termina siendo POP CUBANO, o como se diría en la industria discográfica internacional CUBAN-POP. “Si tu no quieres” es el segundo single del primer álbum en solitario de Kelvis. Un tema fresco, en el que la provocadora base instrumental junto con el bajo y los metales nos muestran el mejor ejemplo de la fusión que Kelvis Ochoa proyecta en su álbum. todo un lujo. A esto se suma , en clave de rap, la sensual voz de la brasileña Fernanda Abreu y la producción de Alejo Stivel, sinónimo de calidad y éxito asegurado.

Su segundo disco, proyecto al cual se ha estado dedicando en el último año y que se encuentra en la fase final de mezcla y masterización, le ha dado la posibilidad de reencontrarse con su Isla (las grabaciones se hicieron en los estudios PM Records, en la Habana) y con músicos cubanos que viven en Cuba y fuera de ella, reencontrados todos en este sueño aún sin nombre, que llevará Kelvis muy pronto bajo su brazo y que ya el mercado empieza a esperar con la curiosidad que implican los trabajos independientes, donde el artísta por fin se atreve y sale de la foto. Este disco mantiene las bases musicales de fusión de ritmos tradicionales ahora más enfocado al directo. Esta vez el piano, metales y coros, adquieren una significativa importancia. Este proyecto se creó, desde la libertad que otorga una producción más personal e independiente, en un ambiente más a la manera cubana de la “descarga”

Importante es, destacar la colaboración con Pavel Urquiza, Descemer Bueno, Roberto Carcassés (Director de la banda cubana Interactivo), Haydee Milanés, Yusa, Athanay, Francis (Interactivo), Samuel Formell (Van Van), Elmer Ferrer y Nan Sam Fong (guitarra de Amparanoia, Habana Abierta, Lolita, Pastora Soler, etc.)

En este año 2005, Kelvis ha grabado “Boomerang” cuarto disco de la agrupación “Habana Abierta”, que ha salido al mercado el pasado octubre. Las grabaciones se realizaron en Madrid con el sello discográfico de Calle 54 y ha reunido a varios músicos de diferentes influencias, países y edades. (Alaín Pérez y Bebo Valdes, entre otros).

Notas de prensa:

DIARIO DE NAVARRA

‘Kelvis Ochoa, componente del grupo habana abierta, presenta su primer disco en solitario’ "Aunque escriba una letra romántica, detrás siempre hay un latido social"

ABC / GENTE / 14 de noviembre 2005-11-25

‘Habana Abierta, un «Boomerang» de fusión con sabor a ron - Por J. Hernández

MTV ESPAÑA

“…En la actualidad la música cubana sigue evolucionando y adaptándose a los tiempos gracias a nuevos músicos como Kelvis Ochoa…” [-] Contraer

Natacha Atlas nació en Bélgica, aunque sus antepasados provienen del lejano oriente (Egipto, Palestina y Marruecos). Ha pasado la mitad de su vida viajando alrededor del mundo, viviendo en Bruselas, Egipto, Grecia e Inglaterra, lo que ha influido claramente en su música.

La primera noticia de Atlas en el mundo de la música fue como cantante de un club llamado !Loca¡, donde se introdujo en el círculo Jah Wobble, cantando y co-escribiendo para sus recién formados Invaders of the Heart. (Recientemente ha vuelto a trabajar con Wobble, en el disco de 2002 Wobble/Temple of Sound Shout At The Devil). También conoció a Transglobal Underground, el colectivo multicultural londinense que se han convertido a la larga en visionarios del fenómeno “world dance” mezclando electrónica, dub, hip-hop y funk con formas musicales provenientes de India, Africa y Oriente Medio. Al principio, como invitada en el 91, se convirtió en miembro del cuarteto vocal en el 93, como cantante principal y bailarina del vientre (el verdadero raq sharki).

Un par de años después, fue la banda de Tim Whelan, Hamid ManTu y Nick Page (a.k.a. Count Dubulah, ahora Temple of Sound) quienes la ayudaron en su disco en solitario, Diaspora. Paralelamente, aparte de su éxito en solitario era miembro permanente de Transgrobal, y la propia banda hacía de su banda de acompañamiento hasta que abandonaron Nation en el 99, aunque han seguido siendo aliados a lo largo de sus carreras. Diaspora se publicó en 1995 en el sello Mantra. Combinado con el punto de vista global dubby y rítmico de Transglobal con al trabajo más tradicional de los músicos árabes, y el resultado fue una colección de canciones de amor y viajes aclamada por la prensa. Halim, su disco de 1997 fue la continuación, y más tarde Gedida en el 99, y en ambos la inteligente y natural mezcla de estilos orientales y europeos a un mismo tiempo, deleitando e incrementando el número de oyentes en ambos continentes.

En 2000 se editó The Remix Collection, en el que varios temas de sus tres discos fueron remezclados por gente tan dispar como Talvin Singh, Banco de Gaia, Youth, 16B, Klute, the Bullitnuts, TJ Rehmi, Spooky Y los Transglobals. El cuarto disco de Natacha, Ayeshteni se editó al año siguiente. El disco de 2002, el proyecto The Natacha Atlas & Marc Eagleton Foretold In The Language Of Dreams, fue un punto de inflexión. Ni un ritmo, un disco calmado y brillante, con unos colaboradores desconocidos, como Syrian qanun Abdullah Chhadeh, con quién Natacha se casó en 1999.

Aparte de sus propios proyectos, Natacha ha sido invitada especial en innumerables discos de innumerables artistas Nitin Sawhney, Jocelyn Pook, the Indigo Girls, FunDaMental, Ghostland, Abdel Ali Slimani, Toires, !Loca¡, Musafir, Sawt El Atlas, Franco Battiato, Juno Reactor, Dhol Foundation, Jah Wobble, Jaz Coleman, Apache Indian (on his chart hit Arranged Marriage), Mick Karn, el espectáculo de la Noche del Milenio creado por Jean-Michel Jarre, en la nueva película de Jonathan Demme

Natacha Atlas - Ayestemi

The Truth About Charlie, y en bandas sonoras para las películas de David Arnold Stargate y Die Another Day.


Natacha Atlas considerada una de las divas del denominado asian underground inglés presenta un nuevo trabajo.

Ayestemi, nombre de su nuevo disco, creado en El Cairo lugar donde reside la artista en la actualidad, inspira su disco tanto espiritual como físicamente.

Los temas en su mayoría cantados en árabe reflejan la cultura y las pasiones norteafricanas.

La cantante brilla con luz propia y abre las puertas a un mundo de emoción elevada, con imágenes cautivadoras que expresan paisajes de ensueño y una imposible tristeza, con una intensidad que sólo puede conseguir su poderosa y cautivadora voz.

“La amalgama de lo exótico, lo privado y lo personal, lo rítmico y lo tribal, lo dicho y lo sobreentendido, el espacio, la voz, el sonido. Estos son los cimientos sobre los que el disco de Natacha Atlas está construido.

Al escucharlo, uno tiene la sensación de que el secreto más increíble le ha sido susurrado de la forma más confesional” asevera David Arnold sobre el álbum. Ayestemi presenta una consistencia emocional intensa como sólo sus discos pueden expresar. [-] Contraer

Reel People es un colectivo de cantantes, instrumentistas, productores y DJs británicos que se coloca en la vanguardia musical fusionando elementos de nu jazz, broken beat, r&b, hip-hop, dub y soulful house. Eso no significa que se trate de música electrónica sin alma; por el contrario, la música de Reel People está llena de sentimiento, es fresca y futurista, poniendo el énfasis en las canciones bien escritas y en una filosofía de colaboración entre artistas de gran calidad.Reel People se formó en febrero del año 2000, cuando Oli Lazarus y Tom Davidson se conocieron y comenzaron a intercambiar ideas sobre su pasión por la música soulful. Oli y Tom conectaron inmediatamente y concibieron no sólo uno, sino dos proyectos: Samson y Reel People. Como Samson editaron dos singles para Estereo Recordings, pero fue Reel People el proyecto que realmente les inspiró. Su primer single, Spiritual, fue lanzado en el 2001 por la discográfica Papa Records, recién creada por Oli, y fue grabado con la colaboración de amigos comunes, como Nathan Haines a la flauta. A Spiritual le siguió un segundo single, Reeltime. La fantástica acogida que obtuvieron ambos singles les animó a grabar un álbum. A comienzos de 2002, Mike Patto, procedente de Restless Soul, se unió a Reel People, aportando toda su maestría musical y sus dotes como compositor. Con Mike en el grupo comenzaron a componer su primer CD, Second Guess. Durante la grabación de Second Guess, se dieron cuenta de que las canciones tenían mucha fuerza y comenzaron a estudiar la posibilidad de tocarlas en directo. Lejos de ser un proyecto únicamente de estudio, Reel People quería sobre todo hacer canciones reales con músicos reales. Mike Patto empezó a trabajar en las canciones para dirigirlas a un público en directo, y junto con los demás componentes que se habían ido uniendo durante las sesiones de Second Guess, se constituyó el grupo. Desde comienzos de 2003, Reel People han ofrecido múltiples conciertos en vivo, lo que les ha dado una reputación como uno de los mejores espectáculos en directo. Han llevado a cabo multitud de actuaciones, entre las que destacan Jazz Café, Cargo, Spitz y Cherry Jam en Londres, the Nu Jazz Festival en San Petersburgo, Radio 1 One World y One World Notting Hill Arts Club. Durante este año 2004 tienen contratados más de 20 conciertos en países tan diversos como Inglaterra, Austria, Suiza, Croacia, Malasia y Singapur. [-] Contraer

Simplemente surge, como si tuviese que ser, como si siempre hubiese estado ahí. Rose tiene veintiocho años. Veintisiete y medio de esos años los pasó descubriendo su voz y ahora, con estos doce temas que cantan como poesía, nos cuenta canciones, tatareándonos historias.

"DEPUIS TOUJOURS" (Desde siempre), desde que ella puede recordar, lleva escribiendo desde siempre en cuadernos de tapa imitación cuero y garabateando estrofas que luego selecciona con su guitarra. Esta preciosa chica de Niza de ojos gris-azulados, tuvo a todo el mundo esperando. Insegura de tener lo que hace falta para subirse a un escenario, pero insegura también de que la tarima de una profesara de escuela primaria fuese suficiente para ella, el afán por compartir sus palabras llegó tras una ruptura.

Rose habla con atractiva sencillez de amor y de sus dos vástagos, esperanza y desilusión. Para ella el mundo es divertido, irritante, ocasionalmente oscuro. Un fiel reflejo de ella misma, de hecho. A Rose le encanta Janis Joplin y Bob Dylan. De Janis, coge sus sueños inalcanzables y ha tomado su nombre artístico del título de la película de Mark Rydell. De Bob, coge su poesía, con acompañamiento a la guitarra acústica y la armónica.

La habilidad de Rose para escribir canciones en sólo unas cuantas horas, con rimas tan hermosas y dulces como "Si je me brise aussi souvent pour une bise un mauvais vent"(Si me rompo tan a menudo por un beso traído por un viento malo, jugando con las palabras brise (romper o brisa) y bise (beso o viento), no es ninguna casualidad. Es todo sobre el momento, sobre crecer. Y el tempo se acelera.

Souchon, cautivado por su frescura y elegancia, le invitó, a sus botas de vaquero, a Martine su guitarra, y todo el conjunto, al Olympia para su primera aparición en un escenario, la primera de muchas actuaciones inolvidables. Otra gente ha tenido unos comienzos más duros en este mundo de la música. Pero la encantadora Rose parece tener un ángel de la guardia, que "au dessus de (son) front, tire les ficelles, De (ses) rêves…" (por encima de su cabeza, tira de las cuerdas, de sus sueños). No hay duda de que su abuelo, allá arriba "au-delà des étoiles" (más allá de las estrellas), ¡está orgulloso de ella!

Lionel Abbo [-] Contraer

Sus primeros acordes sonaron cuando tenía 16 años, una amiga le estaba enseñando a tocar la guitarra para participar en un coro de verano. Aquello fue un gran principio. Las primeras canciones vinieron seguidas. Por su afición a escribir poesía, en sus inicios Lourdes le puso música a algunos de sus poemas, aunque pronto se dio cuenta de que en inglés todo lo que quería expresar le parecía más sutil y sencillo. Tras un breve paso por un grupo que nunca que llegó a tener nombre, Lourdes trataría de autoinstruirse y seguir componiendo canciones para poder algún día, cuando ella se viera preparada, tocar en solitario y acústico sus propias canciones.

Se decidió a probar suerte en Tres Tristes Trastes, una noche de micrófonos abiertos para todo aquel que quisiese cantar en La Escalera de Jacob. Repitió experiencia y siguió tocando por diversos locales y salas de Madrid durante 2006 y 2007 llegando a participar en el festival Primavera Sound 2007, en el salón de Myspace, y haciendo una pequeña gira por Alemania. En septiembre de 2007, de la mano de Fernando Vacas, comenzó la grabación de su primer album en la discográfica Eureka records. El disco, "I Love Your Glasses", salió a la venta el 3 de abril de 2008, llegando a agotarse en puntos de venta como la FNAC. En mayo de 2008 realizó otra gira por Alemania y volvió a participar en el Primavera Sound, señal del éxito obtenido.

Tres nominaciones a los Premios de la Música:

- Autor revelación
- Artista revelación
- Álbum de pop alternativo

Nominada a mejor propuesta musical 2008 de los premios de Miradas 2

“Es imposible no deslumbrarse ante el debut de Russian Red. Esta madrileña de 22 años lo tiene todo”
David Saavedra, Rockdelux

“Russian Red es la mejor voz del Indie nacional”
Rolling Stone

“Su impecable debut conserva la calidez y cercanía de sus directos”
Iñigo López Palacios, El País

“Russian Red es una de las aventuras musicales que hayan aparecido en años”
Mondosonoro

Seleccionado entre los mejores discos nacionales de 2008 por las publicaciones, Rockdelux, Mondosonoro y Go Mag.

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En 1962, Paddy Moloney reunió un grupo de músicos de Dublin para crear una banda instrumental y reivindicar el sonido puro de la música tradicional irlandesa. Había nacido The Chieftains, nombre sugerido por el escritor irlandés John Montague e inspirado en su poema Death of a Chieftain. En 1963, la banda formada entonces por Moloney, Martin Fay, Seán Potes, Micheal Tubridy y David Fallon publicó su primer álbum. Desde entonces, y con numerosos cambios en el grupo, The Chieftains ha publicado 25 discos, ha ganado seis Premios Grammy y se ha convertido en el icono de la música irlandesa. A lo largo de sus 44 años de carrera, a la llamada de The Chieftains han acudido los mejores artistas internacionales, incluido nuestro Carlos Núñez, considerado como un Chieftain más.

Desde ese momento The Chieftains no han cesado de dar a conocer por todo el mundo la música irlandesa. Si al principio sus seguidores se ceñían sobre todo a los amantes del folk que gracias a ellos descubrían las composiciones del legendario intérprete de arpa Carolan, actualmente sus numerosas colaboraciones con artistas del pop/rock y sus inmejorables directos, donde la improvisación juega un papel fundamental, han conseguido que su popularidad se amplíe a públicos muy diferentes de los cinco continentes.

Artistas de enorme versatilidad e increíble actividad, han participado en toda clase de eventos, desde la boda del actor Pierce Brosnan (son su grupo favorito) en el castillo de Ashford, a un homenaje a The Who, pasando por la nueva producción de “The Wall” en Berlín invitados por Roger Waters.

Han actuado en la Gran Muralla junto a una orquesta folklórica china, en el interior del Capitolio, en el Phoenix Park de Dublín ante el Papa Juan Pablo II (“..aquella noche sólo éramos los teloneros” bromeaba Paddy Moloney), con la Orquesta Sinfónica de Milwaukee y en el llamado “punto cero” donde se produjeron los atentados de las torres gemelas para los equipos de rescate. Todo ello no ha conseguido alterar la fidelidad que han demostrado a sus raíces y aún es fácil encontrarles actuando en alguno de los pubs y tabernas irlandesas, aunque al día siguiente tengan una actuación en el Royal Albert Hall de Londres o en el Kennedy Center de Washington.

The Essential Chieftains

The Essential Chieftains es la recopilación definitiva de The Chieftains, el mejor resumen de una carrera ejemplar y única. Son 36 canciones en dos CD que reflejan su obra entre 1977 y 2002, sus años dorados. El CD-1 recoge 18 temas de The Chieftains en solitario, tres de ellos grabados en directo en Irlanda y en China. Se incluyen sus canciones más populares, otras que fueron éxito en las bandas sonoras de las películas Rob Roy y Barry Lyndon y, excepcionalmente, el tema Santiago de Cuba, con Carlos Núñez, Ry Cooder y Cachaíto.

El CD 2 es The Chieftains con sus amigos... ¡y vaya amigos! Junto a los irlandeses, ahí están cantando y tocando The Rolling Stones, Van Morrison, The Corrs, Sting, Elvis Costello, Marianne Faithful, Jackson Browne, Los Lobos, Emmylou Harris, Linda Ronstadt, Béla Fleck, Nanci Griffith, The Nitty Gritty Dirt Band... y, de nuevo, Carlos Núñez que aparece en dos temas más. The Essential Chieftains es un viaje por lo mejor de The Chieftains, por una de las músicas tradicionales más vivas, ricas e influyentes. Muchos años, muchos discos y mucho escenario que ahora se resumen en un álbum excepcional. [-] Contraer

Desde que sus caminos se reencontrasen accidentalmente, Mister Furia y Profesor Manso se han convertido, bajo el nombre de The Pinker Tones, en nuestra formación más internacional. Sus temas suenan en clubs de Nueva York, Tokio, Londres o Estocolmo, aunque a nosotros nos ha costado un poco más darnos cuenta. Desde 2001, sus múltiples influencias sonoras se han mezclado sin tapujos en remixes, sesiones, mash ups y temas propios que han asombrado a muchos y han hecho bailar a cualquiera que entrase en su campo de acción.

Primero lo consiguieron con “Pink Connection”, que en su versión internacional fue conocido como “The BCN Connection”. Más tarde firmaron la confirmación con “The Million Colour Revolution” (2005), editado en más de 40 países, y ahora se preparan para subir unos cuantos peldaños más con “Wild Animals”, un trabajo que expande los ya amplios límites de un dúo capaz de utilizar cualquier sonido y hacerlo propio. The Pinker Tones: conocerlos es quererlos. [-] Contraer