Alan Stivell es uno de los músicos pioneros en fusionar la música tradicional bretona con el rock. Etiquetado como intérprete de "música celta", es además uno de los primeros compositores en reivindicar a través de sus textos la causa celta, relatando todo tipo de injusticias, problemas sociales y ecológicos.

La familia de Alan Cochevelou -su verdadera identidad- es originaria de Gourin (Baja Bretaña Central) en Francia. Allí nació en enero de 1944 y allí mismo comenzó sus estudios a la temprana edad de cinco años. A los pocos años Georges Cochevelou, su padre, puso a su disposición un arpa, que entusiasmó al joven Alan al punto de desarrollar una particular forma de tocar. Además se convirtió en el primer músico en hacer sonar el arpa bretona después de cuatro siglos.

Parte de su infancia transcurrió en París donde pasaba sus días escuchando a Edith Piaf, a compositores clásicos, la música del Magreb y a toda radio de jazz que se le cruzara por el camino. A comienzos de la década del '60 publicó su primer trabajo discográfico, todavía con su verdadero apellido -que utilizó hasta 1965-, reuniendo canciones que Alan tocaba desde muy joven. Sin embargo, muchos consideran el verdadero comienzo de la carrera profesional del músico con el decisivo "Renaissance de la Harpe Celtique" grabado en 1971, si bien el anterior año había sorprendido con el "Reflects" donde ya se veía la calidad musical de su propuesta.








Con el desembarco del rock a Europa, Stivell tomó la iniciativa de fusionar estos sonidos a la música celta creando una forma de rock celta. Además de éste, Stivell se interesó por las músicas del mundo, en especial las de América del Norte y del Sur y las del Extremo Oriente. Mas tarde llegaron el pop, el rap y el sonido tecno.

La tecnología ha sido un recurso muy importante para la carrera del músico bretón sacándole provecho a todo nuevo equipo que fue saliendo al mercado: pedales de efectos, sintetizadores, secuenciadores y cajas de ritmo, samplers y midis, etc. Asímismo, se interesó en la creación y diseño de las arpas célticas eléctricas.

Hasta la fecha Stivell lleva publicados una veintena de discos variando temáticas, explorando estilos de músicas y compartiendo su experiencia con músicos de todos los ámbitos. Algunos de sus trabajos fueron registrados en vivo en distintas ciudades del mundo: París ("A L'Olympia" - 1972 -vendió mas un millón y medio de copias-), Dublín ("Dublin Live " - 1975) y Madrid (el desparejo "Tro ar bed" - 1979), entre otros.

El interés por las músicas del mundo quedó demostrado en su trabajo "1 Douar" (1998), que en bretón significa "una sola tierra", donde participaron reconocidos artistas como Youssou N'Dour, Khaled, Jim Kerr (Simple Minds), John Cale, Paddy Moloney, Breda Mayock y las hermanas Goadec. Algunos temas fueron producidos por Simon Emmerson y Martin Russell de Afro Celt Sound System.

El último trabajo discográfico del gran bardo bretón es Explore, número 22 en su discografía y una vez más y, como su nombre indica, un territorio para la búsqueda sonora, para la indagación creativa. Alan Stivell es un clásico que ha pactado con el diablo para estar siempre alerta, siempre ávido para recorrer nuevos lenguajes que le sirven para descubrirse y para descubrirnos. [-] Contraer

"El grupo que encabeza la prístina voz de Mairéad Ni Mhaonaigh es tan rocoso e infalible como un automóvil alemán… Baladas candorosas, reels a toda mecha, un refinamiento instrumental envidiable y esa conjugación de vértigo e instinto melódico que tanta gloria ha reportado al folclor irlandés. Carlos Núñez se incorpora a la fiesta en una jiga preciosa".
FERNADO NEIRA. ELPAÍS

"Nada se puede criticar cuando la música es inmaculada". MOJO

"Conquistan una nueva cumbre en su carrera". IRISH ECHO

Altan regresan al mercado discográfico mundial con Local Ground, décimo disco de estudio en su cuenta particular (sin contabilizar discos recopilatorios), un trabajo en el que sobresalen las colaboraciones estelares de Carlos Núñez, Donal Lunny, Tríona Ni Dhomnaill y Steve Cooney entre otros… Grandes estrellas de la música folk internacional arropan a este grupo que vive en un estado de gracia creativa permanente y que se reivindican a sí mismos con una naturalidad pasmosa.

Trece nuevos temas conforman Local Ground, piezas que se reparten entre canciones, reels y jigas configurando un disco brillante y sedoso, musculoso y veloz, tierno y energético. Lo mismo recuperan algunas piezas tradicionales que aprovechan, de paso, para reivindicar a los grandes músicos y a los grandes poetas del pasado.

Altan ha cumplido el año pasado dos décadas como banda y ya no necesita carta de presentación a estas alturas en las que, con permiso de The Chieftains, son la formación irlandesa con un mayor carisma y con un sello de calidad indiscutible.

Mairead canta de modo embriagador y angelical en seis temas, algunos en gaélico, otros en inglés, e incluye una nana que dedica a su primer hijo. Es ella la que lidera con enorme clase y naturalidad al grupo dotada como está de un talento, tan fresco y amable que, embellece todo aquello que toca. Sobre Local Ground puntualiza: "Es un reconocimiento de la importancia y el valor que nosotros concedemos a todo aquello que realmente nos interesa, de dónde somos…"






A MODO DE BIOGRAFÍA:

Con base en Dublín, ALTAN se decantó por recuperar libremente las tradiciones de su tierra, Donegal, paraíso de músicos en Irlanda, así como de otras zonas del Ulster. La base musical principal del grupo no está compuesta únicamente por reels, jigs o hornpipes, piezas de baile familiares sino que, ALTAN se interesa también por la música tradicional de Alemania, los ritmos escoceses, las mazurcas y, en general, toda la música de raíz popular que existe a lo largo y ancho del mundo.

ALTAN tuvo su génesis en el seno del matrimonio formado por Mairead Ni Mhaonaigh y Frankie Kennedy. En 1983 estos profesores de enseñanza primaria en el Norte de Dublín grabaron Ceol Adraidh, un álbum repleto de temas de baile del Ulster y canciones irlandesas. En el disco Mairead se encargaba de las voces y el violín y Frankie de las flautas. Por aquél tiempo les acompañaba el hermano de Mairead, Gearoid, a la guitarra, Ciarán Curran al bouzuki y Eithne Ni Bhraonain en los teclados quien, años después, participaría en el proyecto ENYA. Aquél primer trabajo del grupo está considerado como una pieza clave de la música irlandesa contemporánea, de la música de reelaboración que partía de posicionamientos asentados en la tradición.

1986 se puede considerar la fecha oficial de formación de ALTAN pero es en 1987, con una formación estable de cuarteto, cuando graban The Sunset, aunque no es hasta la publicación de su siguiente álbum, Horse with a Herat, en 1989, cuando ALTAN consigue la plena madurez. En ese momento se une a la formación el violinista Paul O'Shaughnessy con lo que pasan a convertirse en quinteto. En este trabajo discográfico Frankie Kennedy recupera magistralmente canciones de la Bothy Band. En 1990 ve la luz The Red Crow un trabajo en el que la voz de Mairead alcanza ya cotas de gran belleza y sensibilidad, un álbum, en su conjunto, que goza de un acabado excepcional y, es en esa época, cuando se incorpora al grupo el acordeonista Dermot Byrne. ALTAN comienza entonces a actuar regularmente por todo el continente. En 1992 el grupo edita en el mercado Harvest Storm y en 1993 Island Angel. Sus trabajos han sido realizados por algunos de los mejores productores de la música celta, visionarios como Dónal Lunny o Phil Cunningham, auténticos pesos pesados de la música han pulido y ornamentado la excelsa música de ALTAN.



Entre otros, ALTAN ha conseguido los siguientes galardones:

Grupo Tradicional del Año por la BBC Radio 2.
Mejor Grupo Tradicional concedido por la Irish National TV.
Mejor Grupo en Directo otorgado por Irish Music Magazine.

En sus últimos discos de estudio: Blackwater, 1996, Runaway Sunday, 1997, y Another Sky, 1999, Mairead retoma las riendas del grupo después de la muerte de Frankie Kennedy. Contra todo pronóstico ALTAN han sabido mantenerse como el gran grupo de música tradicional irlandesa de las últimas décadas. En Another Sky colaboraron con Bonnie Raitt y Jerry Douglas.

ALTAN ha girado por Estados Unidos, Canadá, Japón, Corea, Holanda, Reino Unido, España, Francia… participando en los más importantes festivales de música tradicional, celta, folk y de músicas del mundo. Han girado junto a RIVERDANCE por China.

Como colofón a su contrato discográfico con la multinacional Virgen, ALTAN editó The Blue Idol, un trabajo enorme, pletórico, en el que contaron con la estrecha colaboración de algunos de los más grandes artistas americanos: Dolly Parton y Paul Brady. Una vez más, exploraron las características definitorias de su personalidad: magisterio, sobriedad, rigor y talento, llevando a algunos medios a manifestar:

"El mejor álbum que ALTAN ha hecho nunca". FOLK ROOTS [-] Contraer

Alyth McCormack está considerada una de las mejores vocalistas jóvenes de su tiempo, dotada de una personalidad y calidad artística arrolladoras dentro del siempre intenso panorama de la música tradicional escocesa.

2008 consolida a Alyth McCormack de modo incuestionable. Actualmente asentada en Dublín, comienza el año como artista invitada en la gira de reunificación del mítico grupo irlandés Moving Hearts por el Reino Unido, un tour que sirve de presentación del nuevo disco en directo de la banda.

Durante los meses de febrero y marzo realizará una extensísima gira norteamericana como invitada especial de The Chieftains.

Por otra parte, la artista anuncia la edición de su segundo trabajo discográfico para finales de la primavera. Un trabajo de corte más acústico en el que intercala temas de nueva creación con piezas antiquísimas y en el que, ella misma confiesa que incluye canciones de amor y de conciencia, canciones para hacer reír y para hacer pensar. Se titulará PEOPLE LIKE ME.

Alyth McCormack ha editado hasta la fecha un álbum en solitario para la discográfica VERTICAL RECORDS, sello propiedad de Donald Shaw la cual, año tras año, se consolida como un referente de contrastada solvencia editorial. El disco, AN IOMALL (The Edge), distribuido en España por la compañía Dock cuenta entre sus colaboraciones con algunos de los músicos más brillantes del momento, Mike McGoldrick, Donald Shaw, Dave Truton, Aidan O'Rourke,..

Alyth McCormack creó un trabajo extraordinario, un proyecto que ha sido punta de lanza al haber sido quizá, la primera incursión de un disco de canciones tradicionales interpretado en gaélico pero tamizado con arreglos y detalles sonoros en los que se han utilizado las nuevas tecnologías como herramienta. The Edge rompe por tanto todos los esquemas tradicionales en cuanto a estética, arreglos y concepto de las canciones tradicionales.






Nacida en la Isla de Lewis (Escocia), Alyth McCormack tiene una voz dulce y misteriosa que interpreta con exquisita precisión y elegancia. Su formación clásica, cursó estudios en la Real Academia Escocesa de Música y Drama donde obtuvo su licenciatura, junto al conocimiento de la música de raíz tradicional y, un completo bagaje cultural y musical, la dotan de un corpus muy compacto. Además de cantante es intérprete de teatro y cine.

Ha actuado en algunos de los más importantes festivales de música folk y músicas del mundo a lo largo de los cinco continentes lo mismo con su carrera personal como en otros proyectos corales. Ha girado por Canadá y USA con el proyecto Scottish Gaelic auspiciado por la cadena BBC.

La propia Alyth comentaba sobre The Edge: “Las canciones han estado desde siempre en mi mente. Lo único que he cambiado es el estilo musical de los arreglos, pero sin cambiar el espíritu original y la belleza de las mismas... Las canciones rememoran el pasado”.

Alyth McCormack, con el magistral acompañamiento de Dave Trouton al piano, actuaba por vez primera en España en el año 2001, presentado su carismático directo en las ciudades de Madrid, Gijón y Oviedo, cosechando excelentes críticas de público y prensa especializada.





Compagina su exitosa carrera en solitario con otros proyectos que abarcan el cine y el teatro. Asimismo lidera el grupo femenino SHINE junto a artistas de gran prestigio caso de Corrina Hewat y de Mary McMaster (The Poozies); también es la voz cantante del quinteto SUNHONEY. Entre algunas de sus colaboraciones discográfica más destacables reseñar las realizadas junto al superventas grupo escocés RUNRIG.

El clásico tema escocés HI HORO, en versión de Alyth McCormack, forma parte del recopilatorio editado por FNAC que lleva por título Las Músicas de Escocia. Ha escrito letra y música para el proyecto "The colour of memory" junto a las artistas Alasdair Jous y Julia Dow.

Uno de los temas de su disco en solitario se incluye en el recopilatorio Folktopia Volumen 1, conmemorativo del primer lustro de Vertical Records. En el disco también participan Karen Matheson, Altan, entre otros artistas.

Alyth McCormack es un prodigio vocal para mentes ávidas de buena música. Calidez y calidad para una artista de primer orden. [-] Contraer

Ana Laíns nace en 1979 en Tomar, Portugal. Comienza a cantar desde bien pequeña mostrando un gusto marcadamente ecléctico hacia toda clase de propuestas musicales que abarcan el jazz, la bossa nova y, por supuesto, la música de raíz tradicional.

En 1996 comienza a formar parte de la escena oficial y profesional del fado aunque la propia artista manifieste no pertenecer al club de las fadistas de género. Nominada en varios de los más prestigiosos certámenes, es en 1999 cuando logra alzarse con el galardón de la Gran Noite do Fado. Este premio le provoca una importante revelación puesto que a partir de ese instante descubre, o más correctamente, decide, que es a través del Fado desde donde es capaz de hacer compartir, confluir y comunicar con el público de un modo más natural y sentido.

A la edad de 22 años Ana Laíns ya había efectuado giras y actuaciones en Francia, USA, Luxemburgo, Bélgica y Alemania.

Su primera incursión discográfica tuvo lugar hace seis años con motivo del lanzamiento del álbum "Songs about Lisboa" justo antes de ser invitada a participar en el ya ineludible disco recopilatorio "Divas do Fado Novo".

"Sentidos", su primer trabajo en solitario, editado bajo la tutela del sello portugués Difference Music, es un disco de canciones honestas, auténticas, un disco que contiene diez temas arreglados y dirigidos musicalmente por un Diogo Clemente que, en su primera producción musical, nos regala un talento y sensibilidad excepcionales.

Ana Laíns se desnuda como una de las más personales voces jóvenes del género en este disco de fado contemporáneo en el que escriben algunos de los más talentosos escritores actuales: Antonio Ramos Rosa, Helder Moutinho o Florbela Espanca entre otros y en el que, además de los instrumentos habituales caso de la guitarra portuguesa, la guitarra clásica y el bajo, brillan en perfecta armonía el acordeón, piano y cello.

"Sentidos" es un disco pleno en sensibilidad y sobriedad, bello en su hondura y en su plenitud. [-] Contraer

ANA MARIA, LUZ DE FADO

Ana María encarna un caso atípico en la escena de la música portuguesa actual y, más concretamente en el ámbito del Fado. Nacida en el año 1952 en Angola, antigua colonia portuguesa, en 1975 tuvo que exiliarse y abandonar su país con motivo de la guerra pasando desde entonces a residir en Portugal.

La trayectoria vital de Ana María es de una crudeza sin límites: adoptada de niña, padeció la guerra, el desarraigo y la tristeza, aunque no por ello ha perdido la alegría, el orgullo y la vitalidad que la caracterizan.

Hace unos años Ana María descubrió que su madre biológica aún vivía en Angola, lo que supuso un vuelco vital de primer orden.

Su talento artístico hizo posible que fuese la artista invitada para viajar a Angola en un viaje oficial del Primer Ministro portugués. Preparó a conciencia el viaje, la idea del reencuentro con su madre biológica y el regreso a su país de origen resultaban de enorme emotividad. Ambos países se hicieron eco del caso como si de una epopeya vital de primer nivel emocional se tratase. Ana María actuó en la capital de Angola para sus paisanos en un recital inolvidable. Una vez de regreso en Portugal, Ana María trató de que su madre viajase en su encuentro para recuperar el tiempo perdido con la desgracia añadida de que, pocos meses después, su madre fallecía, truncándose una vez más su deseo.

Ana María comenzó a cantar fados en Alfama y, es quizá, el sufrimiento de su alma el que tenga mucho que ver con la pasión y calidez de su canto, con esa voz cristalina y limpia que hace frente, como un titán, a la saudade.

Ana María demuestra con su canto que el Fado es más que un género musical, que el Fado es un sentimiento universal.

Desde hace unos pocos años a esta parte Ana María canta en dos de las más importantes casas de Fado de Lisboa, "A Travessa do Embucado" y "La Taberna d'el Rei ". También ha sido la fadista que más recientemente se ha incorporado al proyecto Fado & Co.

En 2003 grabó su primer y único disco de estudio hasta la fecha: "Trago Fado nos sentidos", trabajo producido por el también compositor Fernando Araújo, un disco en el que interpreta nuevos temas pero también algunos inolvidables clásicos caso de Sódade, canción que ha inmortalizado Cesária Évora, "Queda do Imperio" de Vitorino, etc. "Trago Fado nos sentidos" ha recibido excelentes críticas de público y medios de comunicación.

Su popularidad artística es una realidad que transciende fronteras así es que ha realizado giras y actuaciones en multitud de países europeos.

En Octubre de 2004 Ana María actuó para Bill Gates en un acto organizado por el Gobierno de Portugal.

Su primera actuación en España se produjo el 30 de Enero de 2005 en el Festival Internacional de Músicas del Mundo y Nuevas Tendencias, INTERPARLA, Madrid, actuando más tarde en Asturias y para la Universidad de Cantabria con motivo del Día Mundial de los Derechos Humanos.

Las actuaciones de Ana María son como un viaje que, partiendo de Portugal, se adentra en tierras africanas, viaja hasta Brasil y retorna a Lisboa, en un hermoso periplo lusófono mezcla de lengua, música y cultura.

Ana María es capaz de hacer surgir el mar a través de su voz, es capaz de conmovernos con un solo quejido, con uno solo de sus lamentos. Ana María: "El fado no tiene color ni fronteras".

Ana María es capaz de hacer surgir el mar a través de su voz, es capaz de conmovernos con un solo quejido, con uno solo de sus lamentos. Ana María: "El fado no tiene color ni fronteras". [-] Contraer

Emigrantes y Emigración son noticia importante en todo el mundo. Los problemas y los provechos están candentes en la prensa, en la radio, en la TV y se discuten en los bares, en la mesa de la cena y en un discutible debate de razonamiento político ya que los políticos buscan el voto populista. El sendero de la emigración está muy pisado en la historia de las naciones celtas, así que no constituye sorpresa alguna que muchas canciones y composiciones se hayan inspirado en el asunto. Battlefield Band han afrontado el tema en álbumes pasados. En este disco, en el tiempo de ensayo y grabación el tema "Los desplazados" se hizo presente.

Battlefield Band no han intentado manifestarse con ninguna respuesta; sólo música y canciones, contemporáneas y tradicionales mostrando "la cara de la inmigración" que siempre ha tenido, antes que tomarlo como una desventura de la juventud actual.

Si te fijas en tu propio entorno sin duda encontrarás que la emigración ha formado parte de la historia de tu familia. Si echas un vistazo a la Battlefield Band, una parte de la familia de Alan es de Irlanda y tiene antepasados en USA, Canadá y Australia. La familia de Mike se fue a USA desde Belarus y ahora está registrado como escocés. La familia de Alasdair se fue a Lewis desde el centro de Escocia, con algunos ancestros de Inglaterra y antepasados en Nueva Zelanda y USA. Este álbum da la bienvenida al grupo al cantante y guitarrista Sean O'Donnell. Otro emigrante irlandés viviendo ahora en Escocia y con antepasados en medio mundo. Rob, nuestro técnico de sonido es natural de Holanda, pero vive en Inglaterra desde hace años.

El tema de la inmigración ha inspirado y propuesto excelentes letras y músicas. Destacan en este álbum experiencias desde Escocia, Irlanda, América y Australia además de la adaptación de Alan Reid del popular poema de Robbie Burns "To A Mouse" y de un par de canciones añadidas de previos discos.

La canción que da título al disco "The Road of Tears" es una intensa composición de Alan Reid. Ciertamente, su interpretación en el programa de Garrison Keillor "Prairie Home Companion" tocó las emociones y sentimientos de mucha gente de la audiencia.






BATTLEFIELD BAND

Inspirándose en la rica herencia de la música celta, y motivados por la vibrante y fortalecida escena cultural escocesa de hoy, a la que, en efecto, han aportado creación, liderando desde primera línea el gran resurgimiento de la música escocesa actual, Battlefield Band han rehusado de la limitación musical que supone ahogarse en lo anticuado o en las modas de la industria musical y han ido mezclando en su repertorio canciones antiguas con nuevas composiciones propias tocadas con una fusión de viejos y nuevos instrumentos: gaitas, violín, sintetizadores, guitarras, flautas, acordeón y pandero.

Tomando su nombre de un suburbio de Glasgow llamado Battlefield donde cuatro estudiantes formaron el grupo, Battlefield Band han recorrido las carreteras del mundo desde hace 30 años destilando espíritu escocés con su propia fórmula embotellada en discos y conciertos en Alemania, Hong Kong, Australia, Nueva Zelanda, Italia, Austria, Suiza, Holanda, Siria, Jordania, India, Sri Lanka, Egipto, USA, Canadá, España, Uzbekistán y el Reino Unido. Han roto barreras y explorado nuevas direcciones que otros han seguido. Su música es furiosa, alegre, estridente, contemplativa, y lo más importante, accesible para todos.

Durante todos estos años hubo cambios en la formación y, en efecto, la banda se ha distinguido por la manera singular, fluida y orgánica con la que ha efectuado estos cambios. Su continua creatividad, frescura y entusiasmo se deben a la visión positiva de estos cambios y, por supuesto, la disposición de los nuevos músicos ha sido de vital importancia. La evidencia musical de estos cambios puede oírse en los álbumes hechos durante años.






Mike Katz
Gaitas de las Tierras Altas, pequeñas gaitas, varias flautas, guitarra bajo. El inolvidable gaitero que se unió a la banda a finales de 1997 y que ha contribuido masivamente a hacer más accesible la música de la banda.

Alan Reid
Teclados, Guitarra, Voces. De Glasgow, uno de los miembros fundadores de la banda y un factor invaluable de su éxito y longevidad, que canta y compone la mayoría de las canciones, particularmente temas escoceses contemporáneos.

Alasdair White
Violín, Flauta, Banjo, Bouzuki, Gaitas Tierras Altas, pequeñas gaitas, Pandero, …y probablemente, cualquier cosa que le caiga en las manos. Es la adición más reciente del grupo. Multiinstrumentista y magnífico intérprete de violín. Alasdair es natural de la Isla de Lewis, en las Hébridas gaélicas.

Sean O'Donnell
Voz, Guitarras. Consumado guitarrista y cantante de Derry, al norte de Irlanda, que ha estado tocando desde los 16 años. Toca además el banjo, el bouzuki y la cítara. Se mudó a Escocia en 1996 donde con rapidez se incorporó a la escena de conciertos tocando con los premiados escoceses-irlandeses, Bionic, y formando parte de The Emily Smith Band, Michael McGoldrick Band, Deaf Shepherd, Daihm… [-] Contraer

Poseído por una suerte de magnetismo telúrico, Cáceres ha estado siempre en el ojo del huracán.

Llegó a París -¿casualidad?- en mayo del '68.

No buscaba la playa bajo los adoquines, pero la encontró.

Antes, en su Buenos Aires natal, había sido el factótum de la escena existencialista. Estudiante de Bellas Artes durante el día, pianista y trombonista por la noche, agitador, fenómeno de la naturaleza, se convirtió en el alma mater de la mítica cueva de Pasarotus, club de jazz y epicentro de las tendencias revolucionarias.

Ahí se mezclaban beatniks, cachorras de la oligarquía y futuros guerrilleros maoístas, muchas veces en la misma persona.

Cáceres, tsunami de magma y champán, llevaba la batuta. Hasta que un día oyó la llamada.








En París acompañó a Marie Laforet, fundó los grupos Malón y Gotán, pintó, expuso, enseñó Historia del Arte y profundizó en las raíces de la música rioplatense. Hoy da conferencias sobre el tema, pero sobre todo compone y canta, con voz de león, las canciones más representativas del imparable resurgir del tango, el candombe, la murga y la milonga. Cáceres es el más inspirado, el más impetuoso, el más apasionado y el más ardiente. Este joven nacido en 1936 es la referencia obligada para los creadores, dentro y fuera de Argentina y Uruguay.

El Río de la Plata, el más ancho del mundo, separa a estos dos países que una vez fueron uno. Cáceres se bebe de un trago esas aguas y se escucha un rugido: es la tormenta de ritmos africanos y europeos que trae del pasado para conmover el presente y preparar el futuro.

La modernidad está en los orígenes.



DISCOGRAFÍA

Murga Argentina 2005

Utopía 2007

Buenas noticias para los amantes de las emociones fuertes y las joyas sutiles: vuelven las canciones imprescindibles de Cáceres. Cáceres, el león, es un historiador, musicólogo y conferencista que estudia exhaustivamente los orígenes políticos y culturales del Río de la Plata. Oficialmente profesor de pintura y artes visuales, también pianista y trombonista, su bendita locura consiste en cultivar el tango, la milonga, el candombe y la murga, los géneros populares derivados del mestizaje afro-europeo.

Cáceres, el cantor apasionado, es la encarnación viviente del objeto de su interés, la más cabal expresión actual de aquello que estudia. Creador febril, artista quintaesencialmente arrebatado, su obra contagia el relámpago de un fervor pagano.

En las orillas del Río de la Plata, ahora mismo, resurge la murga. Cáceres es el aglutinador y el líder natural de los nuevos murgueros: lleva la antorcha, escribe la historia. [-] Contraer

Carla Pires comienza su andadura profesional en Septiembre de 1993 con la participación en la primera serie del programa Lluvia de Estrellas.

Posteriormente participa en telenovelas como actriz y cantante grabando después diversas bandas sonoras de novelas portuguesas. En Septiembre de 1996, representa a Portugal ganando el primer puesto en el Festival de Salónica, (Grecia), con el tema "Canção do Vento e da Terra".

Asimismo ha participado en el elenco del musical Amália (visto por más de 300.000 personas) donde interpretó el papel de la propia Amália cuando era joven. En 2002 grabó con el quinteto Amália el CD "O fado em concerto".




Carla Pires ha cantado en el prestigiado "Clube do Fado" en el Barrio de Alfama.



En Septiembre de 2004, una vez concluida su participación en el Musical Amália, retoma su actividad de fadista. Desde entonces ha participado en conciertos en Portugal y en otros países del entorno europeo y asiático entre los que cabe destacar actuaciones y giras por Inglaterra, Japón, Grecia, España, Francia, Suecia, Italia, Holanda y Bélgica.

Su primer CD "Ilha do meu fado" ha sido publicado en Junio de 2005 (Ed. Ocarina). [-] Contraer

Nacido en Dublín en Enero de 1959, Davy Spillane completa su primer ciclo estudiantil en lengua gaélica, casi al tiempo que comienza a estudiar el instrumento fundamental de la música tradicional irlandesa: la Uilleann Pipe. Desde muy temprana edad y hasta nuestros días Davy Spillane está posicionado como el más prestigioso compositor e intérprete de gaita irlandesa.

Con 18 años Davy Spillane aparece en el film titulado " The traveller ", en el que se inicia con un papel en una película que trata sobre el peregrinaje de un grupo de gitanos.

Poco tiempo después, junto a artistas de la talla del productor y músico Donal Lunny, funda el mítico grupo Moving Hearts, uno de los primeros pilares de la música celta irlandesa de futuro. Amigo y creador junto a Bill Whelan de piezas que son clásicos de la música global de las últimas tres décadas, Spillane ha participado activamente en el disco Riverdance, obra clave de la regeneración de la música de raíz tradicional irlandesa.

Pasada la etapa de Moving Hearts, Davy firma con la compañía Tara Records para la que graba sus cuatro primeros discos en solitario. En sus primeros álbumes ya deja patente su virtuosismo y sensibilidad, su brillantez compositiva adquiere reconocimiento internacional, y su talento le apuntala como un elegido que abre los caminos de la investigación.

Su interés por la gaita irlandesa le llevó a iniciar el negocio de fabricación de gaitas junto a su padre, prestigioso luthier. El low whistle, flauta grave irlandesa, es un instrumento made in Spillane.

Mientras graba sus primeros trabajos discográficos comienza a realizar giras con asiduidad por Irlanda, Reino Unido, USA y Europa.

Davy Spillane ha aparecido como invitado especial en álbumes de artistas tan diversos y reconocidos como Van Morrison, Enya, Elvis Costello, Tanita Tikaram, Emmilou Harris, Christy Moore o Stevie Winwood; además, ha puesto su talento al servicio de Mike Olfield en su trabajo discográfico "Voyager".




Otra de los propuestas bien interesantes en las que ha participado Spillane ha sido en el multicultural y mestizo proyecto Afro Celt Sound System Volumen 1, que resultó ser una de las apuestas más innovadoras de la world music internacional desde la factoría de Peter Gabriel, Real World.

Davy Spillane desarrolla varias incursiones en el terreno de las bandas sonoras tanto de películas como de documentales junto a artistas como Riyuichi Sakamoto, artista con el que creó la música para el film de Peter Kominsky Wuthering Heights. Ha compuesto también música para un drama de la TV de Yorkshire titulado 15 pulgadas y entre otras de sus creaciones para el medio televisivo está la banda sonora para un reportaje sobre la historia de Philip Knight en el canal inglés ITV y participaciones en grandes producciones como Rob Roy.

En el año 1994 Davy Spillane firma con la multinacional COLUMBIA para quien edita A place among the stones, álbum en el que reúne a un elenco de artistas magistral, nombres como Stevie Winwood, con el que participó en la gira americana de la reunificación del mítico grupo Traffic; Maire Brennan, uno de los pilares en los que se asienta el grupo Clannad, y Sean Tyrell.

Davy Spillane edita en 1998 The Sea Of Dreams, disco de estudio que cosecha gran éxito de público y de crítica y en el que colabora la cantante irlandesa Sinead O'Connor en varias piezas del disco. Spillane devuelve el favor a Sinead tocando gaita y low whistle en uno de sus mejores discos.

Otra de las aportaciones especiales de Spillane tuvo lugar en la grabación del disco desenchufado de Bryan Adams para la MTV, realizando también la gira americana junto al afamado cantante de pop canadiense.

Junto a su coetáneo Bill Whelan realiza la banda sonora Dancing at Lughnasa, música original de la película Baile de Agosto.

Davy Spillane regresa a sus orígenes, a sus ancestros, grabando en su propio estudio y junto al violinista Kevin Glackin el disco de música tradicional irlandesa Forgotten days, un álbum que se escucha con el placer que emanan de las obras maestras.

El pasado año, 2007, plagado de reunificaciones de grandes grupos de la música popular, se producía el reencuentro de los 5 magníficos para actuar en Dublín despertando de un largo sueño a Moving Hearts, un sueño que continúa en 2008 con la edición de un nuevo disco en directo y de un tour de presentación del mismo en los mejores auditorios del Reino Unido.



1987 ATLANTIC BRIDGE Tara Records

1989 OUT OF THE AIR Tara Records

1990 SHADOW HUNTER Tara Records

1992 PIPEDREAMS Tara Records

1994 A PLACE AMONG THE STONES Columbia Records

1999 SEA OF DREAMS Columbia Records

2001 FORGOTTEN DAYS Burrenstone Music [-] Contraer

En 1989 se produce la formación del germen de DERVISH cuando Shane Mitchell, Martin McGinley, Brian McDonagh y Michael Holmes editan un trabajo discográfico bajo el nombre de The Boys of Sligo.

Bajo la inspiración de dicha formación y con el éxito razonable de este su primer disco, los componentes del grupo deciden avanzar en la profesionalización de su propuesta artística adoptando el nombre de DERVISH. Los dos años posteriores continuaron siendo tiempo de consolidación, de formación, tiempo para pulir ideas y conceptos.

En 1991 se produce un hecho de gran importancia para la trayectoria del grupo y es la incorporación al grupo de la cantante Cathy Jordan así como del reputado músico Shane Mitchell. En 1992 tiene lugar la edición del primer disco del grupo con el nombre de Harmony Hill, un trabajo que en poco tiempo cosechó inmejorables críticas de la prensa especializada y que fue acogido con gran júbilo por parte del público, siendo calificado como "un modelo para la música tradicional irlandesa". Este impacto, supuso una evolución muy importante en diversos aspectos: en el artístico y musical, así como en el apartado profesional y mediático. Especialmente la radio y la TV de su país se rindieron ante la calidad de este grupo.

El año 1993 fue para DERVISH un año de intenso trabajo actuando en los mejores teatros, programaciones y festivales de folk. En 1994 se edita Playing with FIRE, el segundo disco del grupo, colocándose directamente al nº 1 de la Lista Irlandesa de Música Folk, en donde permaneció situado durante varios meses.

Con su posición más que consolidada en el tanto en el mercado irlandés como en el europeo, DERVISH acomete su salto al mercado americano. Firma la edición de sus dos primeros discos en USA con el sello neoyorkino Kells Music, el éxito es tal, que el grupo obtiene una nueva dimensión que les convierte en una banda con proyección planetaria. Actúan en festivales masivos como Wolf Trap, para varios miles de personas.

En 1996 editan At the end of the day, un trabajo que obtiene entre otros el premio al Mejor álbum Folk del año que otorga la prestigiosa revista Hot Press. Ese mismo año realizan actuaciones en Hong Kong y Malaysia iniciando así su implantación en el mercado asiático.




Una de las características más importantes de DERVISH en su espectacular puesta en escena y su poderoso sonido en directo. El grupo compagina magistralmente diferentes tesituras musicales que van desde las canciones de vida y amor interpretadas por la genial Cathy Jordan, hasta los reels y piezas instrumentales tanto tradicionales o de nueva creación, piezas cargadas de energía que son interpretadas con la fluidez de los grandes músicos. Este hecho es fácil de constatar en su doble disco grabado en directo en el Teatro Principal Live in Palma, un trabajo que se editó en el año 1997. Ese mismo año el grupo obtiene el premio al Mejor Grupo Folk del Año concedido por la revista Irish Music Magazine.

1998 fue otro año excepcional para DERVISH. Durante seis semanas realizaron una extensa gira por Estados Unidos que les llevó a viajar de costa a costa en un tour multitudinario y plagado de éxitos por los mejores festivales y auditorios del país. Ése mismo año se incorporan al grupo Seamus O'Dowd y Tom Morrow.

Con la formación de septeto consolidada, una formación vigorosa y muy compenetrada, graban y editan Midsummers Night, un trabajo que fue votado por numerosas publicaciones especializadas como el mejor disco de música tradicional del año.



Para celebrar su primera década en activo DERVISH editan en el 2001 “Decade”, una recopilación con muchos de los mejores temas de su trayectoria.

Actualmente DERVISH está viviendo un momento dulcísimo de su carrera que se sustenta en su envidiable energía y su solidez. El genial grupo irlandés está más solicitado que nunca, y no deja de recorrer todas las esquinas del globo para llevar con maestría lo mejor de la música irlandesa de las últimas décadas.

DERVISH han compartido escenario con algunos de los más reputados artistas del momento: James Brown, Rem, Oasis, Sting, entre otros.

Spirit editado en 2003, incluye 13 maravillosas piezas con la variedad de registros y calidad a que nos tienen acostumbrados: baladas, tonadas, reels, jigas.... la Magia de la mejor Música Irlandesa.

En 2006 ve la luz la compilación A Healing Heart.

A finales de 2007 se produce el lanzamiento internacional del nuevo disco de estudio de la banda, Travelling Show, un trabajo con una edición primorosa que ha contado con la producción exquisita de John Reynolds. Entre otras novedades se incluyen las dos primeras composiciones de Cathy Jordan, una de ellas escrita a cuatro manos con la diva americana Sarah Vaugham, así como una versión del tema The queen and the soldier de Suzzane Vega. Un disco divino que suena con la calidad de las grandes producciones.

DERVISH ha realizado recientemente un extenso tour en América, ha representado a Irlanda en el festival de Eurovisión, ha acompañado al presidente irlandés en sendos viajes oficiales a Lituania y Letonia y ha realizado un extenso tour por el Reino Unido así como infinidad de festivales por todo el mundo. [-] Contraer

Tras la edición a nivel internacional de THE LEWIS BLUE, su primer trabajo discográfico como dúo, auspiciados por Phil Cunningham, Duncan Chisholm & Ivan Drever consolidan su carrera conjunta con la publicación de LONG DECEMBER NIGHT un CD y DVD grabado en directo en 2003 que está cargado de buenas canciones, emoción y calidez a raudales. Varias composiciones de Ivan Drever se intercalan junto a versiones de piezas de grandes compositores caso de Dougie McLean, Gordon Duncan o Charlie McKerron entre otros. A resaltar especialmente la enorme sensibilidad y talento en la interpretación de Drever & Chisholm.

Hace más de tres lustros desde que Ivan Drever & Duncan Chisholm comprometieran sus destinos musicales. Desde entonces, su enorme calidad artística se ha sumado a una personalidad humana de enorme calado que les ha servido para representar con total honestidad la historia musical de su país, al mismo tiempo que manifiestan un respeto e interés mayúsculo en la buena música procedente de cualquier parte del mundo.

Realizan giras por Europa y América con regularidad, visitando España con cierta asiduidad. Han participado en los mejores festivales folk del mundo entre los que podemos resaltar el Tonder, Celtic Connections, Intercéltico de Lorient…

La primera gira del dúo por nuestro país tuvo lugar en el mes de Marzo de 1998 con actuaciones en Madrid, Salamanca, Gijón y Santa Cruz de Tenerife. Posteriormente nos han visitado en numerosas ocasiones actuando en Palma de Mallorca, Avilés, Llanes, León, Salamanca o Madrid.

De momento y someramente, éstas son sus trayectorias:





Ivan Drever:
Voz y guitarra acústica



Guitarrista y cantante, oriundo de las Islas Orcadas (Esocica), Ivan Drever es bien reconocido en el mundo de la música tradicional celta por su faceta de compositor y de cantautor. Su liderazgo durante varios años en la banda de rock-celta escocesa Wolfstone, formación que abandonó por motivos profesionales en 1999, le permitieron convertirse en el icono, el alma y la voz de este grupo durante varios años.

Drever ha colaborado con artistas de la talla de Phil Cunningham o Dubliners. Muchas de sus composiciones han alcanzado categoría de clásicos, canciones que son reinterpretadas asiduamente por artistas de la música celta contemporánea. Durante los últimos años ha estado estrechamente ligado a la compañía californiana de danza "Celtic Fusion" para la que ha escrito música y con la que ha girado por Estados Unidos.

En el disco The Half Tail de Wolfstone editado con el sello estadounidense Green Linnet, Ivan no sólo componía gran parte de los temas sino que, además, ejercía de vocalista y guitarrista.

Desde hace prácticamente una década que se ha volcado en su carrera en solitario. Con varios trabajos editados como cantautor y la realización de dos trabajos discográficos a cuatro manos con Ian Cooper y con Struan Eaglesham, Drever se ha convertido en una de las referencias básicas de la canción folk en su país y fuera del mismo. Ivan Drever ha dirigido para la BBC Radio y Radio Scotland numerosos programas sobre la cultura musical de las Islas Orcadas así como sobre música tradicional escocesa.

Compaginando su carrera como solista está su proyecto junto al fundador y violinista de Wolfstone, Duncan Chisholm. De sus shows conjuntos se ha dicho: "Parece mentira que sólo dos músicos con instrumentos acústicos puedan llegar a provocar este nivel de excitación ".





Duncan Chisholm:
Violín


Está considerado uno de los mejores violinistas de la nueva generación en la música celta internacional. Chisholm comenzó a tocar el violín a la edad de nueve años. Fundador del grupo escocés Wolfstone, en 1997 edita su primer trabajo en solitario, Red Point, disco en el que colaboraron varios de sus compañeros en Wolfstone junto con el productor y amigo Phil Cunningham, encargado de tocar piano, teclados, acordeón y otros. En su primer álbum, Duncan Chisholm sorprendía a propios y extraños desmarcándose del estilo contundente de Wolfstone y optando por una estética intimista, melancólica y preciosista con la que lograba emocionarnos.

Las críticas surgidas tras la edición de su primera obra han sido unánimes en el elogio. Mención especial para la crónica aparecida en la revista Folk Roots, biblia de la música folk internacional, que calificaba el álbum como magnífico.

En Enero de 1999 participaba en el estreno de la Suite Celta de Phil Cunningham "Highlands and Islands Suite" junto a Manus Lunny (Capercaillie), Fiona Kennedy o el percusionista de Shooglenifty, James Mackintosh, actuación que servía para inaugurar aquella edición del Festival Celtic Connection de Glasgow. En Enero de 2.000 y, con motivo del cuarenta cumpleaños de Phil Cunningham, repetían la experiencia.

Ha realizado colaboraciones con la cantante norteamericana Connie Dover y ha participado en varias bandas sonoras para la TV de su país. Ha participado en la grabación del primer disco de Tejedor, Texedores de Suaños.

Duncan Chisholm compagina su carrera en solitario, su liderazgo en el grupo escocés Wolfstone, sus actuaciones a dúo con Ivan Drever así como su participación con Blazin Fidlers junto a Catriona McDonald y otros excepcionales violinistas jóvenes. Por si fuera poco las ofertas para grabaciones en trabajos discográficos de otros artistas no cesan de llegarle.

A comienzos del 2002 editaba a nivel internacional su segundo trabajo en solitario, The Door of Saints- La puerta de los Santos, un álbum continuista en lo que a estética se refiere y en el que, su violín, llega a cotas de magisterio y sensibilidad apabullantes. Colaboraciones de lujo como las de James Mckintosh, Ivan Drever o Phil Cunningham arman un trabajo espléndido y sobrio. Cabe destacar las versiones que Duncan Chisholm realiza de la Añada pa Gael, composición de José Manuel Tejedor y de Bok-Spok de Kepa Junkera.

Más recientemente ha colaborado en los dos últimos álbumes del super grupo escocés de pop celta RUNRIG y actúa regularmente con la última revelación de la escena Folk escocesa Julie Fowlies. [-] Contraer

The Third Twin es la primera incursión discográfica en solitario de Eoin Dillon, uno de los gaiteros irlandeses más sobresalientes de los últimos años, dotado de un talento creador y de una sensibilidad excepcionales.

The Third Twin incluye diez piezas instrumentales, ocho de las cuales han sido compuestas por el propio Dillon. Llama la atención en este disco la desnudez instrumental, una desnudez no exenta de calidez y que por supuesto esconde la esencia, el magisterio y la luz personal de Eoin Dillon como compositor y como tañedor.

Nacido en Blackrock, Dublín, Irlanda, Eoin Dillon crecía sintiendo enorme interés por la flauta hasta que estudiando en el Instituto, con 15 años, alguien puso en sus manos una gaita irlandesa eclipsándole de tal manera que su interés por la flauta quedó diluido. Ebanista antes que Luthier de gaitas, en la actualidad utiliza una Uillean pipe (gaita irlandesa) construida por él mismo. Desde hace varios años se dedica en cuerpo y alma a la música de modo profesional.






Eoin Dillon es uno de los miembros fundadores del gran combo de música Folc irlandés KÍLA, una de las bandas más rompedoras, elegantes y personales de la world music internacional. Con KÍLA desarrolla una gran actividad no sólo como intérprete de gaita sino como flautista, a lo que también hay que añadir su labor como compositor de gran parte de las melodías que posteriormente la banda arregla de manera tan característica.

Para la grabación de su primer disco, Eoin Dillon se ha rodeado de excelentes músicos: Steve Larkin al violín, Frank Tate al bouzouki y Des Calahan a la guitarra, trío que recibe el nombre de Third Twin.

Entre sus colaboraciones al margen de KÍLA destacar que ha actuado y grabado junto Baaba Maal, Hector Zazou, Manus Lunny and Jane Sibery entre otros, además de en numerosas bandas sonoras para cine y teatro, junto con los componentes de Kíla.

Durante 2007 ha actuado en la Universidad de León, en el Teatro Baracaldo, realizado un set magistral en directo para el programa la Jungla de Radio Euskadi, en la Colegiata San Juan Bautista de Gijón, en el Festival Cornamusam de Olot, en el festival Las Lunas de Barranda, Murcia y en la localidad asturiana de Llanes.



Grabaciones en las que ha participado, al margen de KÍLA:

Greenwood. The voice of Celtic Myth
Hector Zazou & Barbara Gogan. Made on Earth
The Musical Pub Crawl. The Sessions
Natural Born Elvis. Childline benefitcs
Soul Flovwer Union. Sony Japan
The greatest GAA album ever. RTE [-] Contraer

Operando en el cruce de convergencias entre la tradición escocesa-europea y la improvisación del jazz, The Fraser Fifield Trío desafían la simple categoría de emprendedores de música melódica.

Con una infancia inmersa en la música tradicional, en concreto todo lo referente a la gaita, que le ha servido de enlace y le ha proporcionado a Fifield ser un instrumentista aclamado que le ha permitido aparecer junto a los más conocidos artistas escoceses. El estilo elocuente, de una expresividad profunda del saxo soprano y la flauta, junto a la magistral conducción del ritmo del guitarrista Graeme Stephen y la sensitiva y efervescente batería de Stuart Ritchie forman una astuta mezcla que nos conduce a una conversación trifásica que se extiende desde la reflexión conmovedora a la excitación de melodías bailables de alto voltaje.

Fraser Fifield ha desarrollado una voz única en la música escocesa tocando flautas, saxo soprano y gaitas con un estilo altamente original. Ha contribuido durante toda la década pasada como miembro destacado de conocidísimas bandas escocesas como Old Blind Dogs, Wolfstone, Salsa Cética y Mick West Band. Lidera ahora el Fraser Fifield Trío que le proporciona el vehículo perfecto para la exploración y la interpretación de su propia música. Las composiciones que Fraser ofrece para su trío y para otros proyectos son una parte importante de su identidad musical.






Graeme Stephen es actualmente uno de los más excitantes jóvenes guitarristas británicos. Con influencias que van desde Frisell, Abercrombrie y Hall, entre otros, han dado como resultado un fluido estilo personal. Una nueva grabación en trío con el bajista Eivind Opsvig y Stuart Ritchie, de inmediata edición, le podría situar ante amplias audiencias. También lidera el Graeme Stephen Sextet que apareció recientemente en la BBC Scotland con Jim Mullen como invitado especial. Graduado en el Berklee Music Collage de Boston, Stephen es parte importante de la actual escena escocesa de música jazz , de raíz y contemporánea.

Stuart Ritchie ha colaborado en los últimos 20 años con su talento a la batería con grupos de jazz, bandas de rock, de música de baile celta y producciones teatrales. La demanda de su talento ha sido incesante a ambos lados de la frontera, norte y sur, moviéndose entre Londres y Escocia durante años para terminar afincado en la capital inglesa para formar parte de su vibrante escena. Desde entonces ha trabajado con numerosas estrellas florecientes de la escena jazz de Londres y ha participado en numerosos proyectos tan diversos como Primal Scream, Jim Mullen, Pete King, Dylan Bates, Gilad Atzmon, Colin Steele Quintet, Trianglehead, The Catford Devils, Veryan Weston, Nick of Time, Holly Penfield. [-] Contraer

Gabriel Yacoub nace en Paris, de padre libanés y madre francesa, de la región del valle del Loira. En la actualidad está reconocido como uno de los grandes artistas franceses del Folk y el Pop.

En los años 70 comienza la carrera artística de un adolescente Yacoub como guitarrista y cantante con el arpista bretón Alan Stivell. La mezcla de rock y antiguas canciones inspiró a Yacoub a formar Malicorne, banda que rápidamente marcó un hito en la música contemporánea francesa e internacional.

Miembro original fundador de Malicorne, Yacoub supo envolver distintos géneros de la música tradicional en brillantes interpretaciones de música popular. Durante 10 años, Malicorne vivieron la magia de lo que hoy se llama "world music" integrando instrumentos actuales y tradicionales con sorprendentes arreglos músico-vocales, transformando canciones meticulosamente escogidas del repertorio medieval y tradicional en modernas composiciones cuya relevancia capturó la atención del público y los profesionales de todo el mundo.

Con Malicorne en lo más alto, Gabriel Yacoub inicia una carrera en solitario como vehículo para desarrollar su personalidad musical partiendo de su amplísimo bagaje tradicional. "Trad. Arr.", primer álbum en solitario, aparece en 1978 mostrando su gusto por nuevas interpretaciones y texturas rítmicas en un plano personal. No obstante es su álbum "Elementary Level of Faith" , que escribe y compone totalmente, el que marca la salida real de Yacoub. Este disco experimental ha sido comparado con los de otros artistas como Laurie Anderson de similares inquietudes artísticas, alcanzó la aclamación unánime por incorporar una dimensión tecnológica a las cualidades emocionales de su personal y cálido sello íntimo.








Yacoub retorna a sus raíces acústicas en 1990 con su album "Bel" convertido en un clásico de su género. Aquí la riqueza emocional de voces y composiciones son acompañadas por hermosos arreglos de cuartetos de cuerda, gaitas y guitarras. Le sigue "Quatre", de 1994, álbum saludado como su más perfecto trabajo de todos los tiempos, letras, melodías y, una vez más, soberbios arreglos, reflejan la enorme experiencia de 15 álbumes e incontables influencias. A éste le siguieron "Babel", un álbum de banda surgido del deseo de Gabriel de materializar el sonido que desarrolló junto a los músicos que le acompañaron en los últimos 10 años desde un punto de vista artístico y humano. En 1999 aparece "Tri" una compilación de los 5 álbumes de Gabriel Yacoub. En 2001 lanza una colección de nuevas canciones bajo el nombre de "Yacoub" y el disco "The Simple Things We Said", el álbum americano que consiste en un set acústico de antiguas y nuevas canciones.

En 2004 Gabriel Yacoub, pone en el mercado un maravilloso doble álbum grabado en directo de título "Je vois venir…"

Gabriel Yacoub que ha actuado estos años en Vic, Valladolid y Oviedo entre otras ciudades españolas, ha producido recientemente el disco "La Polonaise", último proyecto del conocido compositor e instrumentista Michel Montanaro, así como el debut discográfico del artista Batien Lucas.

En su propia página web, Yacoub anuncia la edición de su próximo disco para la primavera de 2008. [-] Contraer

El personal diálogo que se establece al juntarse dos instrumentos emblemáticos de la tradición francófona como la zanfona y el nickelharpa al ser interpretados por dos músicos jóvenes pletóricos de talento y de virtuosismo, es un compendio de música culta y popular, terrestre y celestial al tiempo.

Tras una larga trayectoria de grabaciones y actuaciones conjunta que ha fructificado con la reciente edición del disco "Dans l'oubli du sommeil", el duelo a cuatro manos que forman Gilles Chabenat & Didier Francois se caracteriza, entre otros, por el gusto en la improvisación, el respeto a la tradición y el rescate de influencias barrocas.






GILLES CHABENAT. Zanfona

Nacido en 1963 en Lignieres, zona central de Francia, la andadura musical de Gilles Chabenat comienza a la edad de 13 años cuando se integra en el colectivo etnográfico "Les Thiaulins" especializado en música y cultural tradicional. Tras cursar estudios con el profesor George Simon se alza con varios galardones y premios de música tradicional. Bucea en la música tradicional de su lugar de origen para darle una pátina de contemporaneidad al enfrentarla con otros estilos y músicas populares de otros lugares.

Siguiendo la estela de Valentin Clastrier siente la necesidad de reinventar las técnicas, las afinaciones y las posibilidades del instrumento junto al luthier Denis Siorat, y tras años de búsqueda y labor este crea un instrumento contemporáneo electro acústico que facilita la integración de la zanfona en la experiencia musical que Gilles Chabenat quiere y desea realizar.

Desde 1992 y por espacio de 12 años Gilles Chabenat formó parte del mítico grupo corso I Muvrini. En ese tiempo colabora con una nómina extensa de grandes artistas entre los que se puede resaltar a Verónique Sanson, Florent Pagny, Stephan Eicher, Jean Sacques Goldman, Sting, Fréderic Paris y Alain Bounin. Más recientemente ha colaborado con artistas de jazz como Vincent Mascard, Jacques Mahieux, Alain Cruel, Alain Gibert…

Gilles Chabenat ha escrito música para obras teatrales de Enzo Corman y piezas para la banda sonora del film "Le Frére du Gerrier" del realizador Pierre Jolivet. Graba y actúa habitualmente junto a Eric Montbel, Gabriel Yacoub, Patrick Boufard y Didier Francois.

La experiencia musical de Gilles Chabenat está en constante evolución gracias a su necesidad de búsqueda y a su esencial talento y, gracias también, a todos los aportes que le proporcionan los grandes músicos con los que colabora. Con él, el futuro de este instrumento de más de mil años de antigüedad está en muy buenas manos.



DIDIER FRANCOIS. Violín y Nickelharpa

Nace en Bruselas en 1969.

Formación clásica
*Violín junto a Mirian Quersin (sucesora de Arthur Grumiaux) en el Conservatorio de Bruselas.
*Composición junto a Daan Manneke (Conservatorio de Ámsterdam).
*Jazz, cursos y talleres junto a Philip Caterine, Hein Van de Geyn…

Pedagógica:
*Docente durante 7 años en escuelas de música y conservatorios.
*Composición para ballet, teatro y cine.

*Opera Transparent.
*Vanesborg Festival.
*Invitado de Stefane Grapelli.
*Invitado de Gabriel Yacoub.
*Junto a Armand Amar para trabajos del realizador Costa Gavras.

Su último proyecto es Fallin Tree, un cuarteto acústico en el que aparte del Nickelharpa figuran el violín, el cello y la viola. [-] Contraer

Joana Amendoeira nace en Santarem el 30 de Setiembre de 1982. En 1994 participa por vez primera en la Gran Noche del Fado de Lisboa recibiendo los mayores elogios por parte del público y jurado allí presentes.

En 1995 participa en una nueva edición celebrada en Oporto en la que se erige ganadora del I Premio de Interpretación Femenina. Desde ese instante comienza una actividad constante ofreciendo recitales por todo el país e iniciando su carrera como profesional.

Comienza a conquistar y arrebatar teatros y auditorios de todas partes del mundo. Su primer concierto fuera de su país se produce con motivo del festival "Días de Portugal" organizado por el Instituto portugués ICEP en la ciudad de Budapest, Hungría. Ese mismo año edita su primer trabajo en solitario, "Olhos Garotos", convirtiéndose en una de las primeras intérpretes jóvenes en grabar un disco profesional. En 1999, junto al genial Carlos do Carmo, participa en un recital en el auditorio Radio Alfa de París. Debido a su exitosa actuación le surgen contratos para actuar ese mismo año en Costa de Marfil. Regresa posteriormente a Budapest para participar en la televisión estatal de aquél país y en la Academia de la Música de Budapest.

En el año 2000 y, con motivo de los 500 años del descubrimiento de Brasil, viaja a aquél país para realizas una gira por diversas ciudades. Edita su segundo trabajo discográfico "Aquela Rua", álbum que recibe las mejores críticas de la prensa especializada. Al poco, inicia una estrecha colaboración con el "Clube del Fado", una de las casas de fado más prestigiosas de Lisboa.

En el año 2001 realiza una extensa gira internacional que le lleva a visitar Holanda, Italia, Alemania, Hungría, Brasil, USA y Francia.

En 2002 su reconocimiento internacional comienza a ser una evidencia. Es invitada a visitar Japón en una gira que la lleva a permanecer prácticamente durante un mes. De nuevo, ese mismo año, actúa en Holanda (Utrech), en el prestigioso auditorio Jacques Brel de Fontenay, en Moscú...

Aparte de sus cuatro discos en solitario, ha participado en diversos discos recopilatorios del género: "Novas Vozes, Novos Fados"; Nova Biografía do Fado, en el disco de homenaje a "Moniz Pereira", así como en la banda sonora de la serie de televisión "Joya de África".

Joana Amendoeira se reivindica en 2004 como una artista excepcionalmente madura para su edad. Su carrera en España comienza ese mismo año y de modo fulgurante: su primer recital tiene lugar el 4 de Julio de 2004 en el Festival Folk y Raíces de La Laguna, Tenerife, para posteriormente participar en el II Festival de Fados de Castilla y León que se celebra anualmente en el Convento San Francisco de Zamora, en el Festival Iberia Huesca Folc en donde entusiasma a más de 1.500 personas y en la Plaza Mayor de Gijón con motivo de la Semana Grande de la ciudad.

Joana Amendoeira obtuvo un gran espaldarazo en su presentación el 18 de Setiembre de 2004 en el Mercat de Música Viva de Vic, actuación que sirvió de preámbulo a una exitosa gira por Lérida, Barcelona y Palma de Mallorca. En el Ciclo de Músicas del Mundo de Caixa Fórum en Barcelona las localidades se agotaron con más de una semana de antelación. Además, ha actuado en Plasencia, Madrid y Cáceres entre otras ciudades.

En el plano internacional destacar la actuación homenaje a la gran fadista Amalia Rodrigues celebrada en Atenas en el mes de Setiembre, así como en un acto oficial del presidente portugués con motivo de la visita del presidente lituano a Lisboa. A finales de 2004 recibió en su país dos prestigiosos galardones. El premio Central FM a la "Mejor Nueva Voz de Fado" otorgado en el mes de Octubre. En Noviembre, Casa da Impresa le otorgó el "Premio Revelación 2004".

2005 fue un año cargado de buenas noticias que consolidó la posición internacional de la artista. Actúa en el festival Strictly Mundial de Canadá en el mes de Febrero volviendo a enamorar a crítica y sector profesional. Recién llegada participa en el Festival de Música Religiosa de la Comunidad de Madrid.

Ha participado en el disco "A Tribute to Amalia Rodrigues" brillando con luz propia. Entre sus últimas actuaciones internacionales resaltamos las realizadas a comienzos de Agosto en los festivales marroquíes de Rabat y Arzila invitada por el Instituro Camoens, giras por Países Bajos...

"Ao Vivo en Lisboa", penúltimo disco de la artista, ha sido grabado en directo en la ciudad portuguesa del mismo nombre y muestra con enorme veracidad la dimensión artística de esta diva, divina. El disco se ha publicado en Portugal y ha tenido distribución en China, Reino Unido, España y Países Bajos.




Con la edición del nuevo trabajo de Joana Amendoeira, "Flor da Pele", la fadista más extraordinaria del momento se ha consolidado en el plano internacional haciendo giras por toda Europa y participando en los mejores teatros y festivales del mundo. "Flor da Pele" es un disco hermoso de fado cantado al modo tradicional con una pátina de contemporaneidad que le da sentido, vigor y belleza. Durante 2007 ha presentado este trabajo en varias ciudades españolas caso de El Escorial, Santa Cruz de Tenerife, Santa Cruz de La Palma y, en próximas fechas, actuará en Oviedo, Huelva, etc.

Joana Amendoeira ha dejado de ser una promesa para convertirse en una auténtica certeza de la música portuguesa actual. En su maravillosa voz, el fado se llena de sublimes armonías vocales, sentidas y sensuales. Fado en todo su esplendor.

"Joana Amendoeira atesora una exquisita voz de generosos registros para el Fado: emotiva y en donde el sentimiento y la sensualidad se mezclan en perfecta armonía. A pesar de su juventud, abraza el clasicismo con una fuerza innovadora no exenta de actitud contemporánea. En su cantar, en su interpretación, el fado gana un nuevo fulgor, un nuevo brío sin desviarse de su raíz tradicional."



Olhos Garotos. 1998

Aquela Rua. 2000

Joana Amendoeira. Fado Antología. 2003 (Distribuido por Ventilador)

Ao Vivo en Lisboa. 2005

Flor da Pele. 2006 [-] Contraer

"Fowlis puede ser la primera estrella mundial de la música escocesa en gaélico". Daily Telegraph

Continuación a su premiado debut de 2005, "mar a tha mo chridhe" (Así Es Mi Corazón) vuelve la cantante de las Hébridas Julie Fowlis con el luminoso "cuilidh", nombre gaélico que significa tesoro o lugar secreto para esconder cosas de valor.

Como siempre las canciones y melodías provienen del folclor histórico de su nativa North Uist en las islas Escocesas del Oeste. Y la maravillosa voz de Julie Fowlis acompañada de un elenco de estrellas de la música folk que incluye a: Eamon Doorley (Danú), John McCusker (Kate Rugby, Eddi Reader, Roody Woomble, etc), Chris Thile (Nickel Creek), Mark Kelly ( Altan), John Doyle ( ex- Solas) y Donald Shaw (Capercaillie) - espléndido combinado creando otra fascinante selección de material tradicional recogido por Julie de la rica tradición de su área. CUILIDH promete empujar a Julie y la cultura gaélica que representa, bastante más allá de las agrestes orillas de las Outer Hebrides.

Julie Fowlis irrumpió en la escena musical nacional en 2006 cuando se convirtió en la primera cantante escocesa en gaélico en ganar el prestigioso BBC Radio 2 Folk Award. Desde que ganó el premio Horizon al mejor debutante, ha conquistado los corazones de las audiencias alrededor del globo, actuando en los mayores festivales de folk de Gran Bretaña, en Texas y Nueva Cork, así como su constante demanda como intérprete de música gaélica.

El natural encanto de Julie con la simpatía y animado humor para recitar historias la transforma de una manera casi suplicante casi como "una voz que funde el corazón" como dice el periódico The Scotsman. Sus primeras giras en 2006 y 2007 provocaron un enorme éxito y 2008 promete ser una nueva aventura después del lanzamiento de de su nuevo álbum CUILIDH.

Una genuina pionera, Julie ha contribuido a llevar la música en gaélico desde los especialistas a una audiencia mayoritaria a través de BBC radio en el Reino Unido y en el resto del mundo. Ocho meses más tarde de haber ganado el premio al mejor debutante, Julie acaba de ganar el premio como mejor Cantante Folk del Año 2007.







Julie sobre la elaboración de "CUILIDH": "Ha sido un honor para mi cantar estas canciones que de forma cariñosa me han pasado familiares y amigos. Ha sido una gozada trabajar con amigos de tanto talento, viejos y nuevos"

Sobre sus influencias: "Muchos de los extraordinarios viejos cantantes de Uist, muchos de ellos que ya no se encuentran entre nosotros. Los maravillosos Mary Smith, Iain MacDonald, The Bothy Band, Iain Maclaughlin- Madonna."





Algunas reacciones a "cuilidh":

"Sublime"
(Living Tradition)

"Completamente encantador" ****
(Observer Music Monthly)

"Maravillosamente producido" ****
(Scotland On Sunday)

"Julie no flaquea al capturar tu corazón" *****
(The Sun)

"Material tradicional transformado por límpias, clarividentes voces" ****
(The Guardian)

"Música sorprendentemente accesible que nunca suena antigua"
(Daily Telegraph)

"Para aquellos de nosotros que no hablamos la lengua, los discos de Julie son como mensajes del otro mundo. Tan encantadoras, seductoras y fascinantes como las canciones de Kate Bush y Bjork "
(Mark Radcliffe, BBC Radio 2)

"Se necesitaría un corazón verdaderamente frío para no quedar tocado por su musica"
(Philip Selway, Radiohead) [-] Contraer

Kálmán Balogh creció con auténtica música folk pero, además, cursó estudios de música clásica. Se graduó en 1980 como profesor de Cimbalón en la academia Liszt de Budapest bajo la tutela de Ferenc Gerensér. En 1985 fue premiado con la distinción húngara Young Master of Folk Arts y, dos años más tarde, ganó el segundo premio en la competición de Cimbalón de Aladár Rácz. El repertorio interpretado en su mayoría consistió en música folk húngara y de los Balcanes lo que no le impidió tocar en los tres años anteriores con grupos de jazz, bandas de rock y orquestas sinfónicas. Ha actuado junto a grupos como Jánosi, Ökrös, Téka, Méta, Múzsicas, Zsarátnok, Vasmalon, The Swedish Orient- Express, The Dutch Sultan & Ot Azoj, Transglobal Underground, The American Peter Ogi, The Joel Rubin Jewish Ensemble. Ha sido director musical del Magneten Gipsy Show de André Séller y ha participado en un CD con la Orquesta del Festival de Budapest tocando las danzas húngaras de Brahms. Ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Brooklyn y también con la Orquesta Filarmónica de Miami. Inquieto como pocos, compagina diversidad de proyectos artísticos y formaciones para dar rienda suelta a su eclosión creativa




SOBRE KALMAN BALOGH & THE GIPSY CIMBALOM

“Con el centro del escenario tomado por el joven y talentoso Kálmán Balogh, la Gipsy Cimbalom band desentierran el fresco sonido de la música de Hungría. Con Sándor Budai y László Major, dos finos y maduros violinistas gitanos tocando la melancolía, la rapsodia y el alborozo de las melodías de Macedonia, Moldavia, de los balcanes, con un enriquecido y maravilloso bajo, guitarra y trompeta, este sexteto tocan su distintiva música con gran brío. Los ritmos te envuelven en su interior, la música impresiona desde el comienzo de cada frase, quizás porque el lenguaje húngaro te arrebata de la misma manera al enfatizar invariablemente la primera sílaba. Es quizás la costumbre gitana de los miembros del grupo la que orgullosamente ha mantenido cautivas y sanas las tonadas llevando las de unas generaciones a otras. Si al pensar en Escocia surgen las gaitas al hacerlo de Hungría aparecen las bandas gitanas. Por su semilla musical y su tranquilo e indudable virtuosismo, Kálmán Balogh & The Gipsy Cimbalom son un auténtico descubrimiento.”

Jan Fairley, The Scotsman [-] Contraer

Kékélé es una palabra del Lingala de una fibrosa parra que escala los árboles en el bosque tropical de la cuenca del río Congo. Las ristras trenzadas del kékéle se siguen utilizando en algunos sitios para construir puentes manuales para cruzar los riachuelos en el bosque. Llamando a su grupo kékélé, Noel, Jean- Papy, Syram, Nyboma, Djeskain, Bumba, Wuta-Mayi e Yves quizás hayan pensado en las sendas de su larga carrera trenzando juntos los ramales de algo fuerte, de algo que aleje las distancias y divisiones (géneros, generaciones) y anime a los músicos a continuar su jornada y, retornar a casa.

Con cuatro maravillosos álbumes editados hasta la fecha, Rumba Congo en 2001, Kinavana en 2006, Congo Life en 2006 y Kékélé live en 2007, la formación congoleña está plenamente consolidada a nivel internacional realizando giras y actuaciones en los más prestigiosos festivales y auditorios del mundo, con una propuesta estética tan personal y fascinante que provoca empatía inmediata allá adónde viajan.




Bios de los Artistas de Kékéle

Nyboma Mwan Dido ha sido el cantante congolés por excelencia durante las últimas tres décadas. Comenzó con Négro Succés cuando su popularidad crecía a finales de los 60's. El Promotor Verckys lo introduce en la Orquesta Bella Bella en 1971, formando una nueva banda para él, Lipwa Lipwa. Tras una serie de éxitos con Lipwa Lipwa, Nyboma formó su propia banda, Kamalé, que le llevó a Lagos en 1971 y a lomé dos años más tarde. En Lomé cantó con la banda de Sam Mangwana, la African All Stara y grabó Doublé Doublé, el álbum que lo catapultó a Francia donde se incorporó a Quatre Etoiles. Además de su trabajo con el cuarteto, son también momentos altos de su carrera los duetos "Sacramento" con Tabu Ley, "Moyibi" con Pepé Kallé y "Anicet" de Koffi Olomidé.

Syran Mbenza toca la importantísima segunda guitarra en Kekelé. Ha sido un guitarrista muy solicitado desde 1968 cuando encontró tiempo después de clase para tocar en una inicial formación del grupo Somo Somo de Fan Fan y en Lovy du Zaire de Vicky Longomba. Diez años más tarde se enrola en los African All Stars de Sudáfrica. Desde que se estableció en Francia hace 20 años, ha contribuido en multitud de grabaciones, muchas propias y también formando parte de Kass Kass y Quatre Etoiles. El pasado año se unió a Papa Noel y Fan Fan en un trío de guitarras acústico que fue uno de los momentos más radiantes en el Festival Womex de Reading.

Loko Massengo, más conocido como Djeskain, es otro cantante cuya carrera comienza en Jamel Nacional. De aquí voló hacia Négro Sucéss, Vox Africa y Vevé. Con otros dos cantantes de Vevé, Mario Mabele y Saak "Sinatra" Sakoul, formó el trío Madjesí, grupo muy popular en el Africa de los 70's por sus canciones inspiradas en James Brown, sus trajes y sus bailes escénicos. Más tarde completa otro trío, Les Trois Frères, junto a Youlou Mabiala y Michel Boybanda de OK Jazz.

Bumba Massa carrera comienza en 1963 en una banda llamada Cubana Jazz, que incluía al guitarrista Bavon Marie- Marie, hermano pequeño de Franco y futura estrella de Négro Succés. Después cantó con Johnny Bokelo en Conga 68 y con Vicky Longomba en Lovy du Zaire. Fue en Lovy du Zaire donde trabajó por primera vez con Syran Mbenza, llevándole esta asociación, treinta años más tarde a Kékélé.

Wuta - Mayi es el nombre profesional de Wuta Mayanda, pero él se llamó a sí mismo Blaise Pasco cuando apareció por vez primera en el escenario con Jamel Nacional en 1967. El año siguiente Papa Noel le invita a cantar con su Orquesta Bamboula. Tras tres años en Bamboula, Blaise y el segundo guitarrista, Bopol Mansiamina, formaron Continental. En 1974 Franco le recluta para primara voz en OK Jazz con quien permaneció ocho años. En una visita a Paris en 1982, vuelve a encontrarse con Bopol y con Syran y Nyboma, formando Quatre Etoiles. También se unió a Papa Noel para hacer "Haute Tension" uno de los mejores álbumes congoleños de los 90's [-] Contraer

"Hay una energía, una honestidad y una inquebrantable autenticidad en la música de Kíla, tan contagiosa como encantadora" Laurence Mackin - Irish Times "

"Kíla son extraordinarios" Bono

"Brillantes" Sinead O'Connor - Hot Press

"Gambler's Ballet" (El ballet del jugador) es el nuevo álbum de Kíla, la banda más innovadora y sugerente de la escena musical de Irlanda. Contiene una colección de rápidas y dinámicas canciones y tonadas al estilo gloriosamente ecléctico propio de la banda irlandesa, en el que el mundo, la música irlandesa y la urbana chocan entre sí en una fusión repleta de energía jubilosa e intensa.



"El ballet del jugador" captura la magnífica potencia de un concierto de Kíla en directo en el escenario del estudio de grabación. Las tonadas "Boy racer" y "Electric landlady", con sus inconformistas gaitas, violín y bodhrán sobre un fondo de bajo y guitarras funky. "Fir Bolg", con sus distintivos aromas orientales junto a "Her Royal Waggeldy Toes" en tono acid-lounge. Y en las canciones "Half eight" (un single para la radio), y "Dúisigí", se entrelazan la poderosa percusión y la melodía, sobre las que se eleva la irresistible voz de Rónán.

Kíla triunfó en el festival de Glastonbury del pasado verano y apabulló a las audiencias del Heineken Green Energy Festival, el Midlands Festival, el Dún Laoghaire Festival of World Cultures y el Electric Picnic. Sus extensas giras les ha llevado a países como Canadá, Japón e infinidad de ciudades europeas.

Este álbum confirma a Kíla como una de las bandas más singulares de Irlanda: tienen algo de compositores, algo de rebeldes, y algo de orquesta callejera, y "Gamblers' Ballet" muestra todas las dimensiones del carácter de esta atrevida banda. En "El ballet del jugador" Kíla recupera a Karl Odlum como técnico de grabación y mezclas. El disco fue grabado en el estudio de la banda en Pickering Forest y en The Glens Centre Manorhamilton.



KÍLA, la biografía.

Septeto irlandés de música celta formado en 1987. KÍLA es la referencia indispensable de la música irlandesa de hoy. Con ocho discos en el mercado, el grupo ha apostado sin fisuras por una música celta renovada. KÍLA ha puesto en tela de juicio viejos esquemas inamovibles en su país.

Su música, llena de belleza, viaja a veces por texturas melancólicas, otras se deja llevar por la velocidad del ritmo creando piezas idóneas para ser bailadas. Música tradicional irlandesa y percusiones africanas. Piezas cantadas en gaélico conviven con instrumentales de lo más diverso, instrumentos de viento, gaitas y flautas irlandesas, violines, guitarras, djembes, juntos para globalizar la música de su país.

El grupo KÍLA se formó en Coláiste Eoin, Dublín, en 1987. Originalmente compuesto por el vocalista e intérprete de bodhrán Rónán Ó Snodaigh, su hermano, Rossa Ó Snodaigh (multiinstrumentista) y el uileann piper (gaitairlandesa) Eoin Dillon. Enseguida se les unió otro Ó Snodaigh, el flautista Colm. Sus primeros conciertos los efectuaron en el área de Dublín; una serie de otros miembros han pasado por las filas de Kíla hasta completar su formación definitiva con las incorporaciones de la violinista Dee Armstrong, el guitarrista Lance Hogan y su hermano el bajista Brian Hogan.

KÍLA ha grabado seis discos de estudio (cinco de ellos de oro). Su disco, Tóg é go bog é de 1997 les permite actuar por primera vez en Estados Unidos. Tras actuar en el Womex de Marsella, les salen muchas actuaciones en festivales.

En 1998, sus álbumes Mind the Gap y Tóg é go bog é son editados en Japón a través de Vídeo Arts y MSI, que llevan el grupo a Tokyo para una semana entera de actuaciones. El grupo hace una gira por los festivales de Canadá. En 1999 actúan en otros Festivales Womad en Australia y Nueva Zelanda, Inglaterra y España.

En al año 2000 editan su disco Lemonade & Buns. Kíla re-edita en CD Handels fantasy (editado en cinta en 1993). Se hace una edición limitada (1000 ejemplares) de Live at St. Vicar.

En 2001, su gira de dos semanas por los Estados Unidos es cancelada por los acontecimientos del 11 de septiembre. Este paréntesis le permite al grupo la grabación de la banda sonora de la pieza teatral Monkey. Reciben el premio Meteor Award a la mejor actuación de música tradicional.

En 2002, KÍLA comienza a grabar lo que será su obra maestra, Luna Park. El grupo realiza su gira de varias semanas, costa a costa, por los Estados Unidos. Se edita el CD Monkey. El público irlandés les vota como "Mejor concierto tradicional".

En 2003, KÍLA edita Luna Park, que se presenta en el club Vicar St. de Dublín, e inicia una amplia gira por Irlanda. El 21 de junio, KÍLA abre la ceremonia del Special Olympics en el Croke Park Stadium de Dublín, ante una audiencia de 75.000 personas, otros participantes son U2, The Corrs, etc. KÍLA presentó su disco en sendas actuaciones en Salamanca y en gira por España entre los días 14 al 19 de octubre actuando con enorme éxito en Madrid, Barakaldo y Gijón.

En Marzo de 2004, KÍLA regresaron a España en primavera para actuar en el Festival de Nuevas Músicas de Burgos, la Sala Mambo de Valladolid y el Auditorio de Murcia, arrasar en el Womad de Cáceres, y más tarde, ya en verano, actuar en el Festival de Ortigueira, en el Festival Folk y Raíces de Tenerife, en el Fórum de las Culturas de Barcelona, en el Festival de Músicas Europeas de Aínsa, en el Festival Sauga Fol. de Colindres y en la Semana Grande de Bilbao. A finales de 2004 KÍLA edita Live in Dublín, excepcional disco grabado en directo que repasa su trayectoria hasta nuestros días poniendo de relieve lo que el grupo es capaz de hacer sobre un escenario.

En 2005 KÍLA presentó su soberbio disco en directo en más de 10 países europeos participando en varios de los más importantes festivales: Festival de Músicas del Mundo de Sines, Intercéltico de Lorient, Vía Celta de Madrid, etc.

KÍLA realizó en 2006 una primera gira española que les llevó a actuar en Ceutí, Barcelona, Bilbao y Madrid. Posteriormente actuaron en el Folksticio de Verano de San Fernando de Henares, en el Festival de Música Tradicional de Calaf y más tarde en el Festival Folk de Plasencia.

A nivel discográfico y tras el soberbio y experimental disco en maridaje con el artista japonés OKI, la banda irlandesa más creativa y peculiar de los últimos tiempos nos presenta ahora GAMBLER'S BALLET, magistral nuevo disco de estudio con piezas eminentemente bailables.






RÓNÁN Ó SNODAIGH:
Pandero, djembé, congas, bongós y voz
Miembro fundador de Kíla, Rónán es un consumado poeta además de músico. Ha escrito poemas tanto en irlandés como en inglés y piensa que el ritmo de las palabras le han ayudado a crear su propia estilo de canto "percusivo". Es conocido por su modo de tocar el pandero que a menudo se ha comparado con el talking drum africano y las tablas indias. Ha tocado y grabado con el grupo Dead Can Dance. Ha publicado varios discos en solitario, el último de ellos editado este año bajo el título "The last mile home".

ROSSA Ó SNODAIGH:
Flauta irlandesa, mandolina, djembé, percusión, voz.
Miembro fundador de Kíla, añade diversos talentos a sus habilidades como percusionista y cantante. Activamente implicado en actividades teatrales, además de componer y colaborar en otros proyectos. Ha compuesto música para obras teatrales y de danza y sigue impartiendo cursos por todo el país.

COLM Ó SNODAIGH:
Flauta, armónica, saxofón, guitarra, voz y percusión.
Colm se unió a Kila en 1988 y, al estilo de los versátiles miembros de Kla, es escritor además de ser un brillante músico. Ha escrito un libro de cuentos cortos, ha grabado un álbum en solitario y actualmente acaba de editar su segundo disco "Giving". Como compositor, ha escrito música para películas, teatro y danza.

LANCE HOGAN:
Guitarra, batería, djembé, percusión, bajo y coros.
Lance comenzó su carrera musical como percusionista, lo que se ha hecho patente en su maestría de instrumentos como el dumbek armenio y el djembé del África occidental. Actúa y graba con el grupo de culto pop Dead Can Dance. También se graduó en realización cinematográfica, especializándose en sonido. Ha sido técnico de sonido, producido y tocado en los cinco discos de Kíla y anteriormente había producido discos para otras bandas también.

BRIAN HOGAN:
Bajo, guitarra, batería y coros
Brian, que se unió a Kila en 1996, estuvo inmerso en la escena del rock dublinés durante los noventa, tocando en bandas funk como Pamf, Wild Cherrytonic e Illywhaker. Compone música para Kila y ha escrito para los festivales europeos del Theatre of Fire.

DEE ARMSTRONG:
Violín.
Instrumentista y realizadora de cine, Dee se unió a Kila en 1991. De formación clásica, Dee toca el violín y el salterio. También tiene estudios de danza, siendo el centro de influencia de todo lo que sucede en el escenario. Ha compuesto varias obras para teatro y cine y ha tocado con bandas como Yemenja y Orangeeboom.

EOIN DILLON:
Gaita irlandesa, sonajas y coros.
Eoin es uno de los miembros fundadores de Kíla y el primer psicólogo de la gaita del mundo. Un artesano de oficio, Eoin construyó su actual juego de gaitas irlandesas. Es el compositor de la mayor parte de las melodías del grupo. En solitario ha editado el fantástico disco "The third twin".



Handel's Fantasy (1991)

Mind the Gap (1995)

Tóg é Go Bog é (1997)

Lemonade & Buns (2000)

Monkey (2001)

Luna Park (2003) KíLA

Live in Dublín (2004)

Kíla & Oki (2006)

Gambler's Ballet (2007) [-] Contraer

Kris Drever es hijo del cantante- compositor Ivan Drever, voz principal de la banda de rock celta Wolfstone. Habiendo autoconfesado pasar su infancia oyendo a Metálica y Pantera así como aprendiendo a tocar la guitarra y arruinando las sesiones de otra gente en el Orkney Folk Festival por tocar siempre desafinado, abandona su localidad natal para irse a mayores plazas, acaba gravitando en la pujante escena de Edimburgo. A finales de los 90's. The Tron Ceilidh era el sitio donde había que estar, un refugio para músicos de todas las procedencias y géneros, y allí es donde Kris pronto acabó tocando varias veces a la semana.

No obstante de arrancarse con otros instrumentos como el contrabajo, regresa posteriormente a la guitarra afilando su estilo - una combinación muy personal de ritmo y armonía, con inflexiones de folk, jazz, rock y country- lo que le convierte en un músico de sesión cada vez más demandado. A finales de 2000 Kris comenzó a sentarse regularmente en las sesiones semanales en el Sandy Bell's, el más famoso pub de folk junto a Nuala Kennedy de Dundalk a las flautas y la violinista nativa de Edimburgo, Anna- Wendy Stevenson.

Como dice Kris, "una guitarra es como un piano portátil en términos de autonomía. Trato de buscar siempre matices interesantes en las notas y armonías que toco, más que hacer justo lo obvio. Hacemos muchos temas de medio tempo así que podemos realmente puntuar los arreglos." De estas colaboraciones surge el muy aclamado trío "Fine Friday" con quienes giró por el Reino Unido, Europa y Australia. La banda grabó dos CD's en el sello Foot Stompin antes de que los tres separasen sus caminos para concentrarse en proyectos individuales.




Los primerizos trabajos en grabaciones y colaboraciones de Kris incluyen los hechos con Cathy Ryan del supergrupo irlandés- americano Cherish de Ladies, con los violinistas escoceses John McCusker y Bruce MacGregor, con el acordeonista irlandés Leo Mc Cann, con la banda gaélica Tannas, así como giras por USA y Sudamérica con el espectáculo de baile irlandés Celtic Fusion.

Más recientemente Kris ha ido incrementando y atrayendo los aplausos bien como cantante bien como instrumentista, con su voz cálida y llena de alma que ya se había escuchado en cinco de los trece cortes del álbum de debut de Fine Friday . "Me gusta hacer tanto canciones que no han sido muy reinterpretadas como estándares del folk que son abiertas a diferentes interpretaciones. "Trato de buscar una dirección clara, no caer en el típico sonido de cantautor folk y poner mi propio sello en lo que hago", dice Kris.

Es miembro de la Kate Rusby Band y de Session A9.

En 2005 une sus fuerzas con el violinista Aidan O'Rourke y el acordeonista Martin Green formando el trío LAU.

Y llegamos a 2007 en el que lanza su debut en solitario "BLACK WATER". El álbum ha sido producido por John McCusker. Junto a Kris aparecen sus amigos Ewen Vernal, Kate Rusby, Donald Shaw, Andy Seward, Andy Cutting, Roddy Woomble, Eddie Reader, Andy Cutting y Andy Seward.





"Kris Drever es un talento muy serio" **** MOJO MAGAZINE.

"Tan maravilloso como oportuno, este disco pone de nuevo la música folk en su legítimo lugar" …" Es cuando escuchas a artistas como Kris Drever que descubres cuan vital y relevante es la música folk" …" Todas y cada una de las canciones de Black Water son un apasionado tour de force" …" Black Water será un álbum tan relevante dentro de veinte años como lo es hoy" ***** MAVERICK MAGAZINE.

"Madurez e instinto torrencial en todas las canciones"…" Si no es ya un primer álbum para atesorar, los rumores previos sobre otro, el del trío de Drever, LAU, que aparecerá en un par de meses, sugieren que lo mejor está todavía por llegar". Disco de la Semana DAILY TELEGRAPH.

"El debut de Drever aliña lo viejo y lo moderno. Una poderosa foto de la moderna Gran Bretaña que consigue revitalizar el patrón de nuevo." Disco de la semana THE SUNDAY TIMES.

"Debut con éxito asegurado" **** SONGLINES

"Un cantante de poderosa naturaleza y guitarrista de marca al más alto nivel". Q MAGAZINE

"Uno de los mejores cantantes que he oído nunca. Su alcance emocional es excepcional" EDDIE READER [-] Contraer

La formidable unión de tres de los mejores y más innovadores exponentes de la moderna música tradicional escocesa de hoy se llama LAU.

En poco más de un año, LAU ha conseguido posicionarse en el ámbito musical europeo de manera rotunda y con unas credenciales absolutamente brillantes.

Ganadores como Mejor Banda de las tres categorías a las que habían sido nominados en los BBC Folk Awards de 2008 fallados en febrero (Mejor Banda, Mejor Directo y Mejor Álbum), LAU podrían ser comparados con Kroke por su eclecticismo, su virtuosismo y su personal propuesta.

Su álbum de debut, Lightweights and Gentleman, editado a mediados de 2007 a través del sello Reveal records ha sido aclamado unánimemente por la crítica especializada. Desde la revista FOLK ROOTS que les concedía la portada de su número de Marzo del año pasado, aventurándose a proclamar con gran tino que este iba a ser uno de los mejores discos del año, hasta la revista MOJO que les ha considerado de lo mejor del Folk del año.

Lo cierto es que, es un trabajo lumínico y pletórico que consta de diez temas entre canciones y piezas instrumentales de gran envergadura, sabor tradicional, reminiscencias de otras culturas folk y, un magisterio interpretativo asombroso.







AIDAN O'ROURKE
Violín Increíble violinista y compositor procedente de Oban ha sido elegido como Instrumentista del año 2006 en los Premios Escoceses de la Música Tradicional. Es miembro fundador del grupo Blazin Fiadles, formación en la que militan varios de los más talentosos violinistas escoceses contemporáneos.

La destreza, habilidad y experiencia de Aidan está hoy enormemente asentada tras haber participado en más de sesenta grabaciones de otros artistas. Asimismo, su trayectoria profesional incluye actuaciones en eventos especiales como la visita del Dalai Lama a Escocia.

Hasta la fecha ha editado en solitario el disco SIRIUS, 2006, para el sello Vertical Records, un disco largamente aclamado en el que colaboran una nómina de músicos excepcional.

KRIS DREVER
Voz y guitarra Oriundo de Kirkwall, Islas Orcadas, es bien conocido actualmente en Reino Unido por su peculiar estilo interpretativo como vocalista y guitarrista. Su excelente debut discográfico en solitario BLACK WATER, ganador en dos categorías de la BBC Folk Awards como Mejor Canción Tradicional y Premio Revelación. Premio Horizon.

Ha sido seleccionado como uno de los discos de 2006 por la HMV Magazine y ha despachado más de veinte mil copias. La revista MOJO lo ha mimado con entrevista a toda página y destacándole como un novel con maneras de clásico. KRIS en miembro de la banda que acompaña a la cantautora KATE RUSBY.

MARTIN GREEN.
Acordeón Bien conocido en los dos lados del Atlántico, ha actuado junto a muchos de los más grandes artistas e intérpretes del folk y la música tradicional incluyendo a JOAN BAEZ, KATHRYN TICKELL, LINDA THOMPSON y una colaboración muy estrecha con ELIZA CARTHY que culminó con el álbum a dúo DINNER, editado en 2001.

Realmente interesado en la composición y en la música contemporánea en general, ha trabajado con Colin Steele, John Rae's Celtic Feet, The Unusual Suspects, Salsa Céltica y Daniel Lapp Trío. [-] Contraer

Ganadora del premio al Mejor Músico Tradicional de 2.002 por la BBC Scotland, misma categoría en la que quedó finalista en 2003, la cantante y violinista LORI WATSON actúa con regularidad por el Reino Unido y Europa con su propio trío o acompañando a grandes artistas como Brian McNeill, Aly Bain, Cathal McDonell, Dick Gaughan, Duncan Chisholm o Karine Polwart.

A pesar de su juventud ha conseguido una sólida reputación musical que comienza a traspasar fronteras. Sin lugar a dudas es uno de los más talentosos músicos de la actualidad escocesa.

Lori Watson compone canciones contemporáneas de base tradicional que interpreta con voz única y personal lo que, unido al inconfundible sonido del violín de las Highlands (tierras altas escocesas), logra hacer crear sonidos instrumentales y canciones de gran belleza.

Licenciada en Música Tradicional Escocesa e Innovación Contemporánea por la RSAMD, Lori Watson comienza desde edad bien temprana a sentir curiosidad y a practicar la música de sus ancestros para posteriormente dotarse de un riguroso aprendizaje musical y cultural que le sirva para expresar su propia visión y sentido de la música.





Ha presentado en el Celtic Connections 2.007 su primer CD Lori Watson: Three, trabajo en el que asombran sus mazurcas, reels, danzas danesas y bretonas, Jigas y aires escoceses. Un debut de gran altura para una artista con un futuro y presente arrolladores. Un disco debut en el que, quizá, destaque sobremanera el lado más tradicional, pero no por ello menos creativo.

Lori Watson & Rule of Three, un trío capaz de ponerte los pies a bailar en un minuto para que, en el siguiente, el corazón quede rendido de emoción.

Un grupo jovencísimo que bebe de lo mejor de la tradición escocesa para construir el mejor elixir de hoy, y para el futuro.

"Elegante, expansiva, natural, ondulante, intacta y maravillosa"
Sue Wilson, The Scotsman [-] Contraer

Nacido en la localidad portuguesa de Guimaraes en el año de 1978, Manuel D'Oliveira comienza sus primeros musicales de la mano de su padre, guitarrista aficionado, mostrando desde bien pronto unas habilidades poco comunes para una edad tan temprana. En el mes de marzo de 1995 es invitado por un grupo portugués a realizar una gira por Alemania siendo esta su primera salida internacional como músico profesional; contaba apenas dieciséis años.

Su andadura más personal comienza en 1997 al fundar el proyecto Mediterráneo, una apuesta rigurosa y de mayor ambición en la que Manuel proyecta su propia visión creadora y su talento como intérprete. En el mes de agosto de ese año se produce la grabación de "Plaza de Santiago" en Italia, su primer álbum en solitario y en el que colabora el cuarteto de metales que acompaña a Paolo Conte. La presentación de largo de este trabajo se produce en el festival Guimaraes Jazz.

El año siguiente agota las localidades durante tres días consecutivos en un teatro de la localidad brasileña de Niteroi con motivo de la celebración de Brasil 500 años. Posteriormente pone el broche final al festival "Tourcoming Jazz Festival" en Francia formando cartel con artistas de la envergadura de Diana Krall, Paolo Conte o Toamatito.

A lo largo de 1999 realiza diversas actuaciones y participa en varios de los festivales más importantes de jazz y músicas del mundo celebrados en Italia, así como numerosas fechas en su país de origen en donde su carrera comienza a consolidarse.

Durante el año 2000 centra sus esfuerzos en la composición y la producción musical sin dejar por ello de atender todos los frentes de la profesión, en uno de sus viajes tiene la suerte de contactar con Jorge Pardo y Carles Benavent, dos excelentes músicos españoles fundamentales a la hora de abordar la escena jazzística y flamenca en España e internacionalmente. Con ellos, la relación es de admiración y respeto mutuo con lo que, les invita a participar en la grabación de su siguiente trabajo. El resultado de esos dos años de trabajo y dedicación se traduce en la edición de "Iberia", un álbum que tuvo una acogida entusiasta a nivel mundial por parte de la crítica y del público. Es elegido "Nuevo Talento Fnac" en Portugal pasando a realizar un tour promocional por todos los centros de la cadena en su país.

En su faceta como músico de concierto y estudio resalta la gira mundial "Primeiro Canto" acompañando a la diva Dulce Pontes por prácticamente los cinco continentes.

En 2003 es invitado a participar en el festival Emociona Jazz de Madrid para actuar junto a artistas como Chick Corea, Micke Stern y un largo etcétera.

Dulce Pontes vuelve a requerir sus servicios en 2004 para su tour "Focus" en el que, el protagonismo musical de Manuel tiene cada vez un mayor peso específico.

Ese año comienza a gestar la preparación de su último disco hasta la fecha "Amarte", excepcional trabajo en el que la personalidad compositiva de Manuel D'Oliveira y la filosofía artística y conceptual pivota sobre la cultura ibérica. Grabado en sendos conciertos en su población de origen, el trabajo cuenta con un elenco de músicos de primera línea.

2006 y 2007 sirve de presentación internacional para "Amarte", disco editado por la compañía Harmonia Mundi y con distribución internacional vía World Village.

Excelente director musical además de intérprete pulcro, preciso y talentoso, Manuel D'Oliveira dirige artísticamente el proyecto "Maldito Fado" para el intérprete y compositor Helder Moutinho. Ha acompañado asimismo al maestro de la guitarra portuguesa Antonio Chaínho. En el mes de junio de 2007 Manuel invitaba de nuevo a Jorge Pardo y Carles Benavent para crear Iberia Fuente, un trío de ases mágico y conmovedor.

Manuel D'Olivera es un músico total: creador de altura, guitarrista fabuloso y magistral director musical.





En el año 2000 se dedica básicamente a labores de producción y composición, momento en el que entra en contacto con los músicos españoles Carles Benavent y Jorge Pardo, músicos que se convierten en referencia musical y a los que invitaría aparticipar en su disco "Iberia", lanzado en 2002. Gracias a este álbum se le concede el título "Novo Talento Fnac", y logra obtener una sonoridad y un lenguaje musical propios. Como nueva referencia hacia sus orígenes dedica a Guimarães el tema "Berço de Alma".

A finales de 2004, Manuel d' Oliveira comienza la elaboración de un nuevo proyecto que pivota una vez más sobre la realidad musical ibérica. A resultas de ese concepto emerge el disco AMARTE, grabación en vivo de dos conciertos ofrecidos los días 9 y 10 de Junio en la Plaza de Santiago en Guimarães, y en los que participan José Lima (Bajo acústico/ Contrabajo); David Leão (Flauta travesera); Mário Gonçalves (Batería); Rui Ferreira (Piano/ acordeón); Sukdev Mishra (Voz); Miguel Teixeira (Cajas); Horácio Tomé Marques (Adufes) e Wicas Tripati (Tablas).

El disco AMARTE es una obra de enorme intensidad y belleza alumbradora, una grabación panorámica en la que Manuel D'Oliveira se reivindica como un grande de la guitarra. El disco está editado internacionalmente por Harmonia Mundi.

Algunos comentarios en la prensa sobre AMARTE:

"Oliveira va navegando con fuerte imaginación entre un sólido clasicismo, un intimismo que recuerda a Toti Soler y una exuberacia y energía que conecta con las sambas del carioca Baden Powell". FOLC

"Totalmente recomendable". Interfolk [-] Contraer

La voz de Marta Topferova ha sido comparada a las de artistas de la talla de Mercedes Sosa, Cesária Evora o Amalia Rodríguez. Sus composiciones originales beben principalmente de la música andina y del repertorio folclórico de América latina. En los nuevos temas de su nuevo disco se destacan los guiños al flamenco en "Gaita de los Chiquitos", toques épicos y elegantes en "Mar Amargo" o magníficos ecos barrocos en los temas en que se acompaña del clarinete, viola y cello. De las 10 canciones que aparecen en Flor Nocturna ocho han sido compuestos por Marta y las otros dos "Los dos hermanos" y "Tu que puedes, vuélvete" son versiones de composiciones de Atahualpa Yupanqui.

Respecto a los músicos acompañantes destacan Jenny Scheinman (violín) y Pedro Giraudo, (voces y bajo acústico) que ya habían trabajado en el anterior álbum de Marta "La Marea". Otro músico que aparece en este cd es el reconocido violonchelista neoyorquino Erik Friedlander, músico al que se conoce principalmente por sus trabajos con John Zorn, Laurie Anderson, etc.

"Flor Nocturna" es una muestra más del porqué Marta Topferova está considerada una de las principales artistas de la escena folk internacional del momento.






BIOGRAFÍA

Es una artista que a una edad muy joven ha alcanzado una admirable madurez en sus composiciones, letras, sonido y como vocalista y líder de su propio grupo. No deja de causar asombro que siendo una veinteañera haya colaborado con el productor Joe Boyd (Cubanísimo, Virginia Rodrigues, Marta Sebastyen, Nick Drake, R.E.M, Fairport Convention,…) y con notables músicos como Chris Komer (Orpheus Chamber Orchestra), Jenny Scheinman (Norah Jones, John Zom, Bill Frisell) y otros integrantes en el circuito jazz como Eric Friedlander, Ira Coleman, Adam Cruz.

Marta comienza a cantar en Praga, República Checa, en el coro "Mladi" a los ocho años. Se traslada a Estados Unidos en 1987 donde continua sus estudios musicales y de canto en el "Coro de Chicas de Seattle". Desde temprana edad canta en diferentes lenguas incluyendo latín, alemán, español, francés, ruso, finés y checo, así como obras de Brahms, Haydn, Poulanc y Pergolesi, por nombrar unos pocos.

Durante 1985, 1986 y 1990, gira por Alemania y Finlandia participando en festivales corales. Sus dos primeras grabaciones fueron una colección de canciones inspiradas en poesía infantil de los campos de concentración de Terezin y "A ceremony of Carols" de Benjamín Brittain, ambos con el "Coro de chicas de Seattle". Sin embargo el primer encuentro de Marta con la música latinoamericana se remonta a cuando tenía seis años, y recuerda que su álbum favorito era un disco de canciones de los Andes del grupo Inti- Illimani. Sus padres, ambos actores, tenían el disco gracias a un amigo chileno que se desplazó a vivir a Checoslovaquia en los 70's.

Con quince años, al tiempo que comienza a desarrollarse como solista, explorando en su propio estilo y dirección como cantante, es de nuevo fuertemente atraída por la música de España, Cuba y Sur América y especialmente inspirada por Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui, Joao Gilberto, A.C. Jobim, Vinicius da Moraes, Omella Vanoni, Guillermo Portabales, Elíades Ochoa, Benny Moré, Los Compadres y Simon Díaz.

Continuando con su llamado musical, se especializa en música y danza en el "Bard College" durante 1992- 1993. Continuando con sus estudios privados y el desarrollo de su carrera como músico, se traslada a Morón de la Frontera, España. Comienza a tocar la guitarra y percusión manual, y más recientemente su instrumento de acompañamiento favorito, la guitarra de cuatro cuerdas llamado "cuatro".

Su amor y dedicación hacia la música latinoamericana así como hacia el folklore de Checoslovaquia, la convierte en una artista única que canta de forma fluida tanto en idioma checo como español. Tras dos años entre España y la República Checa, se establece en Nueva York en 1996 donde centra su actividad como compositora, arreglista e interprete de sus propias canciones y colaborando con otros grupos como Lucia Pulido & Fiesta de Tambores, Los Acustilocos, Flamenco Latino, entre otros.

Marta ha actuado en diferentes escenarios en la ciudad de Nueva Cork, como la ONU, Sweet Rhythm, The Duke Theater, 42nd Street, Thalia Spanish Theater, El Taller latinoamericano, The Knitting Factory así como en otros escenarios de la costa Este, Oeste y Europa. También se presentó en emisoras de radio y televisión en USA y Checoslovaquia, España, México, Colombia, Argentina, etc.





MARTA TOPFEROVA
CD La Marea ( The Tide)
Fecha de lanzamiento, 8 Marzo de 2005 ( World Village, Harmonia Mundi USA)

Los checos no son exactamente conocidos por su contribución a la música latina, pero no digas esto a la cantautora checa Marta Topferova quien está emergiendo como una de las voces más frescas del circuito latino de Nueva Cork. Suministrando una intensidad personal y una comprometida mezcla de sonidos pan-latinos, Topferova se ha ganado por igual a latinos y anglos con sus poéticas, sentidas letras y la intimidad de sus conciertos en directo.. Su nuevo álbum La Marea le proporciona una poderosa plataforma para mostrarse a nuevas audiencias una colección de 10 canciones luminosas.

Nacida en Ostrava, en la antigua Checoslovaquia, la joven Toferova, se desplaza con su familia a Praga dónde comienza su carrera musical a la edad de 8 años cantando en el coro infantil Mladi cuyo repertorio estaba formado básicamente por piezas clásicas y del folklore. En la niñez estudia piano y guitarra y posee su primera guitarra a la edad de 13 años. Praga no parece ser el sitio indicado para enamorarte de la música latina, pero para Maria aquí fue donde se encontró con la música que cambiaría su vida. " Mis padres tenían amigos chilenos que poseían una colección de discos de Inti- Illimani ", dice. " Fueron mis discos favoritos en la niñez. En esta época ( la era comunista) era difícil encontrar música; pero supe que si hubiese sido posible me hubiera gustado encontrar más música latina".

Tras emigrar a Seattle con su familia como adolescente en los 80's, Topferova se ve asimismo gravitando entre la comunidad latina y aprendiendo el idioma español. "Eramos nada más, mi madre, mi hermana y yo. Me sentí desolada, pensando que nunca volvería a mi país. Después me hice amiga de hispanos en la escuela y esta comunidad me ayudó a crecer. Fue como una segunda casa. A través de esta amistad, penetré profundamente en la música y la cultura latinas".

Siendo adolescente Marta cantó en el coro femenino de Seattle durante cuatro años. Más tarde se especializó en música y baile en el colegio Bard de Nueva Cork. Comienza también a plantearse seriamente tocar la guitarra y rebuscar música latina, encontrando raras grabaciones folklóricas y originales de estilos que amaba.

"Siempre amé los rítmos y géneros latinoamericanos, el son, la trova, el bolero,…estoy definitivamente inspirada por estilos folklóricos aunque mi propia música es difícil de clasificar ". En efecto, la música que hoy interpreta Marta es el resultado de años de estudio, aprendizaje y viajes que la llevaron a España, Cuba, Puerto Rico y México. En España, Marta vivió en Morón de la Frontera, donde estudió flamenco. En México Marta adquiere su primera experiencia televisiva cuando actúa en Fiestas Patrias un popular programa de televisión. Recorre también las famosas casas de la trova en Cuba, bastiones de la música tradicional cubana.

Tras una corta estancia en Miami, Marta llega a Nueva York en 1996 donde se sumerge en las comunidades colombiana y venezolana. Trabaja con un profesor venezolano que la introduce en el vals, el merengue y la gaita, comenzando a hacer duetos con Lucía Pulido, quien la introduce en la música llanera y los joropos. Comienza a trabajar con la guitarra llamada cuatro y a incorporar estos nuevos estilos en su repertorio.

Para los que ponen en entredicho la autenticidad de una mujer checa tocando música latinoamericana, Marta ofrece la siguiente respuesta: " Es la primera pregunta que me hace la gente que no me conoce, pero una vez que se dan cuenta que estudié esta música seriamente se convencen inmediatamente. Hoy en día la música se mueve con nosotros, sin fronteras".

La música de Marta es una compleja mezcla de los estilos mencionados con sensibilidad poética. Citando a la cantante argentina, icono de la nueva canción, Marta la dificultad de categorizar su música. " Entiendo que formo parte de alguna manera del movimiento nueva trova", dice riendo, " aunque me resisto a llamarla así".

La poesía es una fuente de inspiración para Topferova. " Hablo inglés diariamente, pero leo habitualmente poesía en español y en checo", explica. " García Lorca y, especialmente el poeta argentino Atahualpa Yupanqui, han sido muy importantes para mi"." Siempre adoré a Lorca", continúa, " gran parte de su trabajo estuvo inspirado por el flamenco y , como mi infancia y madurez han sido muy nómadas me he sentido muy identificada con los gitanos".

Graba en el año 2000 Sueño Verde para Circular Moves/ Rykodisc ( aunque el disco no aparece hasta el año 2003) con su primer compañero, el guitarrista Enrique López. El disco obtiene alabanzas críticas y ofrece a las audiencias una primera prueba de la luminosidad compositora y las impresionistas letras de Marta Topferova.

En su nuevo lanzamiento La Marea, ( "The Tide" ), Marta es acompañada por dos impresionantes músicos de sesión- el arpista colombiano Edgar Castañeda y el batería Chris Eddleton- así como de varios músicos de la escena neoyorkina. Juntos, el trío resplandece con un apasionado material original; Marta con su propia, humeante, torrencial voz, acompañada del galopante sonido de la guitarra cuatro, Eddleton colocando una penetrante tormenta percusiva , y Castañeda con un estilo absolutamente rock, tocando las líneas de bajo con una mano y las melodías con la otra. El conjunto transporta las letras y los arreglos de Marta hacia nuevos espacios, añadiendo toques gentiles de bossa nova ( " Mañana Nevada") e incluso ritmos de tango ( " Limonero").

Fluyendo como por una travesía marítima, desde la canción que titula el disco hasta el lamento existencial " Grano de Arena", La Marea evoca un mundo natural de emociones a flor de piel en un trabajo de una poderosa sensibilidad poética.

"Estoy muy orgullosa de este trabajo", dice Marta, "donde aparecen unidas muchas de las diferentes experiencias, imágenes e ideas que he acariciado durante toda mi vida". "También estoy muy contenta con los arreglos y el personal colaborador. Me siento muy agradecida de haber podido contar con tantos y tan maravillosos músicos invitados- la violinista Jenny Scheinman, la flautista Yulia Musayelyan, la trompa del francés Chris Komer, el piano/ acordeón de Angus Martin el bajista Pedro Guirado y los percusionistas Neil Ochoa y Urbano Sánchez. He trabajado con todos ellos a lo largo de estos años y son todos buenos amigos. Todo sobrevino de una manera muy natural de tal forma que no podría haberlo planeado mejor".

"Sus contribuciones reflejan la generosuidad y el espíritu abierto de la comunidad musical latina. Cuando empecé a cantar en español no sabía realmente lo lejos que me podría llevar esta música o hasta dónde podría yo llevarla. Pero, con certeza, creo que con La Marea he podido devolver algo de la cultura y la música que me han ayudado a crecer en la vida". [-] Contraer

Nollaig Casey & Arty McGlynn conforman uno de los dúos más excitantes del panorama de la música tradicional de Irlanda. Conjugan providencialmente talento y experiencia, elegancia y rigor, frescura y aroma viejo.

Entre sus múltiples actividades como pareja musical, han grabado sesiones para televisión y radio, han girado por medio mundo, y han grabado hasta la fecha dos discos de gran nivel.

El primero de ellos, "Lead the Knave" vió la luz en 1990 y fue galardonado con varios premios, entre ellos el Belfast Telegraph Entertainment Media and Arts Awards al mejor disco folk del año.

El segundo "Causeway" para el sello Tara records, data de 1995 y fue aclamado por prensa, crítica y público. En "Causeway" Nollaig & Arty componen la mayoría de las piezas del disco y Nollaig se destapa como una reseñable cantante de corte tradicional.

Han arreglado, compuesto y ejecutado la banda sonora de varios films, entre ellos "Moondance" y "Hear my song"




NOLLAIG CASEY

La considerada como una de las mejores violinistas folk de las tres últimas décadas, la virtuosa Nollaig Casey nos presenta su nuevo álbum en solitario, "The Music of what Happened" , distribuido desde 2005 en España por Ediciones Resistencia. Producido por Arty McGlynn , contiene colaboradores especiales como la de Sharon Shannon entre otros. El disco muestra un excepcional talento expresivo en una mezcla única de poderosa música irlandesa de de baile con maravillosos aires y canciones exquisitas de composición propia, todo ello interpretado con el lirismo y virtuosidad marca Nollaig Casey.

Comenzó a la edad de 9 años a tocar violín aunque también domina piano, flauta y gaita irlandesa. Durante 5 años formó parte de la RTE Symphony Orchestra. Ha sido miembro de uno de los grupos emblemáticos del folk de su país, Planxty, con el que recorrió Irlanda, Europa, Reino Unido y USA. Ha colaborado durante más de 20 años en el proyecto Coolfin de Donald Lunny.

Ha grabado y actuado con regularidad para artistas del renombre de Enya, Van Morrison, Sinéad O'Connor, Nanci Griffith, Ricky Skaggs, Rod Stewart, EmmyLou Harris, Steve Earle, Dónal Lunny, Mary Black, Frances Black, Carlos Nuñez, Jim Rooney, Andy Irvine, Moving Hearts, The Indigo Girls, Spandau Ballet, Elvis Costello, Christy Moore, Liam O'Flynn, Dan ar Braz, Sharon Shannon, Maura O'Connell, Dick Gaughan, Paddy Keenan, Seán Keane, Liam Clancy & Tommy Makem, Máirtín O'Connor…


ARTY McGLYNN

Es el guitarrista irlandés por definición. Con una trayectoria musical que abarca el jazz, el folk americano, y sobre todo la música tradicional de su país. Ha grabado y actuado con Christy Moore. Liam O'Flynn, y Donal Lunny. Ha sido también músico regular de Van Morrison, Patrick Street, De Dannan, etc.

Además de virtuoso guitarrista es un excelente productor musical. Entre otros artistas ha realizado labores de producción para Alan Kelly, Four men and a dog, Christy Hennesy, Frances Black, etc.

Arty & Nollaig nos hacen sentir a través de sus cuerdas el magisterio y la tremenda belleza de la música tradicional, una música que se mueve entre la tristeza y la fiesta. Juntos, se sumergen en las raíces del legado musical irlandés para regocijo de la audiencia. [-] Contraer

El largamente esperado álbum llega el 23 de Abril de 2007.







Malos chicos del Folk y el Rock en otro tiempo, Oysterband han desarrollado en los últimos 5 años el papel de salvaguardia musical y padrinos del Folk. Colaborando en giras junto a jóvenes estrellas ascendentes bajo la bandera de The Big Session; un disco "en directo" con June Tabor, Eliza Carthy, The Handsome Family, Show of Hands y demás; y finalmente el Festival Big Session ya en su 3er año sin haber caído en la tentación de venderse. Y se han sucedido las nominaciones, los premios, las campanadas. El rol de "banda de la casa" interpretado durante estos años ha contribuido a fomentar la formidable pericia musical del grupo al contrario de lo que significó en su momento El Último Vals para The Band. Y esto les hizo revalorizarse a ellos mismos. "Hemos tenido que volver a los impulsos iniciales que han mantenido el entusiasmo de la banda durante 30 años- construyendo canciones para nosotros mismos," dice Ian Telfer. "Instalamos un sistema de PA en el salón de una casa en la frontera con Gales y nos trasladamos allí a tocar seriamente. Hacer esto juntos es la clave para nosotros".

"Este es el único camino para que las canciones crezcan y, por supuesto respiren. Pero también siempre hemos creído que la creatividad es un hecho colectivo y esto ayuda a configurar la política de la banda. No significa que estemos todos de acuerdo en todo ni mucho menos, pero bueno, ahí está la chispa".

Una vez que estuvieron listas y configuradas las estructuras de las nuevas canciones, Oysterband concretaron sus ideas en The Premises, en Hackney (primer estudio en Europa de energía solar) donde trabajaron en las voces y los instrumentos acústicos. Algunas ideas finales fueron añadidas en Brighton y en la casa de cellista Chopper en Suecia.

"Creo que la larga, sustanciosa preparación ha realzado Meet You There enormemente," dice Telfer. "Los cantos- todos los miembros del grupo cantan- son mejores que nunca. El crudo ímpetu que nos ha llevado a girar con grupos como The Pogues, etc, nos hizo evolucionar hacia posiciones más rítmicas, más poderosas. Cuando todo el proceso acabó y lo escuchamos de nuevo, pensamos:'Oh sí, qué fuerte,…, toma ya!' . Literalmente dicho, ha sido muy refrescante y ha renovado nuestra autoestima". [-] Contraer

What men deserv to lose es el nuevo artefacto sonoro del grupo escocés más vanguardista del momento y quinto en su cuenta particular; una banda que junto con Shooglenifty, Kíla o el tristemente desaparecido Martyn Bennett, pugna por aventurarse escribiendo las páginas más novedosas, impactantes y exentas de prejuicios de la música que bebe de la tradición.

Establecidos en la Isla de Skye, los Peatbog Faeries han sido descritos como "el futuro de la música celta de baile".

Incorporando múltiples influencias que les lleva de las tradicionales jigas y reels hasta el hip hop, el jazz o el reggae, su propuesta es música celta de alto octanaje mediante fusión de géneros perfectamente ensamblada, así que, prepárense a bailar.

Han actuado en festivales multitudinarios como Glastombury o Camdbrige haciendo sonrojarse a más de una estrella del firmamento pop y han realizado actuaciones y giras en países como Sri Lanka, Australia, Namibia o Singapur además de obviamente USA, Europa, etc.

En 2005 fueron elegidos como Mejor Grupo en Directo por los Scots Trad Music Awards. Además de su discografía han escrito música para televisión, cine y teatro.

"Bienvenidos al misterioso pero indudablemente maravilloso mundo de los Peatbog Faeries, lo mejor desde la Isla de Skye, donde nada es lo que parece y siempre puedes encontrarte con lo inesperado. Su nuevo álbum Croftwork es una deslumbrante mezcla de tradición, funk, rock, electrónica, metales,…; están sino en la cima de sus poderes, muy cercanos,…The Peatbog Faeries, gloriosamente impredecibles, una banda para atesorar".
FROOST, May 2006

"The Peatbog Faeries se aventuran incesantemente en un crisol de melodías de violín y gaita, líneas profundas de bajo, envuelto con electrónica que de manera comprensiva cautivó el local".
The Scotsman

"Imagina The Orb mezclado con una "ceilidh band" en la cabeza de Irving Wesh.

"¡Esto es! Puede que Billy Nasty haya mezclado gaita y baile en la mesa pero los Peatbog Faeries pueden tocarlo en directo y hacer que la audiencia explote".
Edinburgh Evening News [-] Contraer

Un versátil compositor, arreglista, saxofonista y pianista, un músico cuyo repertorio acompasa todos los estilos musicales desde el jazz, el soul, el funk, hasta el rock de estadios. Alfred “Pee Wee” Ellis asienta su magisterio en cualquier compañía.

Nacido en Bradenton, Florida, en 1941, Pee Wee creció en Lubbock, Texas, donde tocó por vez primera en 1954 siendo todavía alumno en el instituto. Al año siguiente su familia se traslada a Rochester, New York, donde continua tocando profesionalmente con otros músicos de jazz como Chuck Mangione y Ron Carter. En esa época conoce a Sonny Rollins bajo cuya dominante tutela pasa el verano de 1957 –una experiencia fundamental. “Un saxofonista enorme. Me enseñó muchísimo y todavía le oigo a menudo” dice Pee Wee.

De vuelta a Florida tras la graduación forma su propio conjunto, Dynamics Incorporated, trabaja también en el circuito de ferias construyendo su carrera como líder de banda, director musical, compositor y arreglista, así como multiinstrumentista, con el saxo tenor como principal instrumento. Es en esta época cuando le llega el aviso de James Brown.

De vuelta en N.Y., Pee Wee trabajó con el trío de Sonny Payne en 1965 cuando recibe la llamada de su amigo íntimo Wayman Reed para unirse a la banda de James Brown, en esos momentos la banda más caliente, exitosa y sensacional del circuito de Rhythm & Blues, rápidamente convertida en un fenómeno internacional. “Estaba allí en esos momentos, así que pase de pensar en comprarme una entrada para verlos a tener el maravilloso privilegio de poder estar tan cerca de James y su banda” recuerda Pee Wee.

Tocando saxo alto y órgano, Pee Wee se convirtió rápidamente en un elemento integral en la visión expansiva de James Brown, escribiendo arreglos de canciones y partituras de metales e instantáneamente promovido a líder de la banda cuando Nat Jones lo dejó en 1967. Ese mismo día Pee Wee arregló “Let Yourself Go” que llegó al n. 5 de las listas de R&B y con la cabeza pensando en el mundo del soul “Cold Sweat”, siguiente single que fue n. 1 y un éxito multimillonario de ventas en el otoño de 1967 que redefinió los parámetros de la música popular. Esta canción propulsó a JB hacia una nueva dimensión musical iniciando una revolución funk que sigue siendo copiada y muestreada en todo el mundo desde hace casi 40 años.

Pee Wee continuó siendo el director de la banda de James Brown los siguientes dos años y medio, coescribiendo y arreglando la mayoría de los éxitos del Godfather durante ese periodo (“Get It Together”, “Lickin' Stick”, “Say It Loud, I'm Black and I'm Proud”, “Mother Popcorn”) , también intercalando éxitos comerciales con los lanzamientos de la banda (“In The Middle”, “Popcorn”, “Soul Pride” o “The Chicken”).

Pee Wee dejó The Revue en septiembre de 1969 instalándose en N.Y. y sacando a continuación el single “Moonwalk” en el sello de Nashville, Sound Stage 7, en cuya cara B aparecía “That Thing” (este disco se ha convertido en rareza de coleccionistas). Se sumergió en la escena jazz de la gran manzana trabajando con Brother Jack McDuff, Leon Thomas, y The Blue Magoos. Se traslada al sello Kudu como director musical y arreglista trabajando con muchos de los artistas del sello como George Benson, Hank Crawford y, en particular, la excepcional Esther Philips, de quien fue director musical durante un periodo de 5 años. “No puedo comprender como ella no ha obtenido el reconocimiento que se merece. Fue una mujer increíble y muy especial” dice Pee Wee.




Durante los 70's Pee Wee continuó como conductor y arreglista de músicos como Sonny Stitt, y comenzó a concentrarse en proyectos propios como un álbum para el subsello Natural Resources, de Motown Records, llamado “Pass The Butter”, grabado en Los Angeles con el grupo Gothan. La canción de Pee Wee, “Use It or Lose It”, ha sido recientemente reeditada en la compilación retrospectiva de Motown, “MO Steppers”.



En 1976 lanza “Home In The Country” grabado para Sony/ Arista antes de trasladarse al Bay Area en California. Formó en 1977 una banda junto a David Liebman. Mark Isham que tocó con él en Esther le recomendó a Van Morrison que necesitaba una sección de metal para un tema que estaba componiendo, “Troubadors”. Comienza entonces una larga relación que produjo momentos musicales de gran trascendencia- “Into the Music”, “Live in Belfast”, “Beautiful Vision”, “Inarticulate Speach Of The Heart”, y “Common One”. “Van me dio libertad para empastar los metales. Eso me gustó” dice un modesto Pee Wee sobre su contribución en parte de la mejor música de los 80's.

Durante esta década, via Bobby Byrd y los JB Allstars, Pee Wee se reagrupó con Fred Wesley y Maceo Parker para formar los JB Horns. Esta formación trabajó desde 1988 hasta los 90's , grabando “Pee Wee, Fred and Maceo”, “The JB Horns” y “I Like It Like That” en 1991, “Life On Planet Groove”, “Roots Revisited” y “Mo Roots”, con los Roots Revisited Ensemble.

Pee Wee reanuda su carrera en solitario en 1992, de nuevo con otra formidable formación de músicos neoyorkinos con “Blues Mission” donde se reencontró con Clyde Stubbefield “funky drummer”. En el CD también estaban Jack Walrath, Tyronne Jefferson, Jean Paul Bourelly, Darryl Jones & Masabumi “Poo” Kikuchi. “Blues Misión” demostró la altura del status de Pee Wee y su positivo ofrecimiento como compositor magistral. “No necesitas un presupuesto de 1 millón de dólares o un video provocador para crear música estimulante. Entregando tu talento lo puedes hacer siempre”.

El siguiente álbum en solitario apareció el año siguiente, un disco de jazz grabado en trío en Colonia, Alemania, junto al bajista Dwayne Dolphin y el batería Bruce Cox, titulado “Twelve and More Blues”, este CD devuelve a Pee Wee a sus raíces, moviéndolo hacia el bebop, combinando con virtuosismo y vitalidad estándares de jazz con sus composiciones originales. El álbum fue escogido por el New York Times como uno de los mejores discos de jazz del año 1993.

Salt'n'Pepa, KMC KRU y Dodge City Productions samplearon sus canciones y en el verano de 1993 llena durante una semana seguida el Ronnie Scott's de Londres acompañado de un sorprendente grupo de jóvenes músicos británicos, Jason Rebello, Tony Remy, Guy Baker y los hermanos Mondesir, diseñando el camino musical de Pee Wee más allá del funk y del jazz, “una moderna versión del jazz” como dijo el Musician Magazine.

Este movimiento se consolidó con un álbum en formación de cuarteto, “Sepia Tonality”, grabado en N.Y a comienzos de 1994, con Pee Wee al saxo tenor, Rodney Jones a la guitarra, Hill Boulware al órgano y Grade Tate a la batería. Diez canciones incluyendo baladas standard y canciones originales como “Why Not” o la que da título al CD, junto a una versión del “Clearing Windows” de Van Morrison, Un segundo álbum en trío fue grabado en directo en de nuevo Colonia durante el tour europeo de la Pee Wee Ellis Asembly Trio en la primavera de 1994, titulado “Yellin'Blue”, que obtuvo la aclamación de la crítica en Europa.



La trayectoria de Pee Wee se ha cruzado con la de Van Morrison muchas veces desde los 80's particularmente cuando Van llamó a los JB Horns para tocar con su banda, así que fue algo natural el traslado de Pee Wee al sur de Inglaterra y poder unirse fácilmente a Van tanto en los estudios como en los escenarios. Pee Wee hizo los arreglos de metales y tocó en el triunfal retorno de Van Morrison al éxito comercial y de crítica con el disco de 1995, “Days Like This”. Continuó trabajando con el bardo de Belfast en los álbunes siguientes más orientados hacia el jazz , “How Long Has This Been Going On” y el tributo a Mose Allison “Tell Me Something”, en el primero arregló la magnifica versión de “That's Life”, “Tell Me” fue lanzado al siguiente año y de nuevo la contribución de Pee Wee fue como arreglista y músico solista.

En cualquier caso Pee Wee no dejó de lado su propia carrera y en 1996 sacó a la calle un nuevo álbum para el sello Minor Music, con los hermanos Scales a la guitarra y bajo, Roberto de Giuia a los teclados y Guido May a la batería, Fred Wesley fue invitado al trombón, incluyendo varias composiciones originales como “New Moon”, “It's a Funky Thing To Do” y clásicos como el “I'm So Tired To Be Alone” de Al Greene o “Inarticulate Speech of The Heart”. Pee Wee contribuyó de manera importante en la grabación del CD “Worotan” de Oumou Sangaré y con Children Of The Heart en su ‡lbum del mismo nombre.

Más trabajo de estudio continuó a finales de ese año con Van Morrison. El CD resultante “The Healing Game” fue lanzado en 1997. Los arreglos y solos de Pee Wee en canciones como “Waiting Game”, “Burning Ground” y “Some Times We Cry” llevó el disco a la altura de clásico instantáneo y proporcionó a Van un material excelente para sus apariciones escénicas. Y es en el escenario donde las contribuciones de Pee Wee con la banda llegan más lejos, sus solos al saxo soprano en canciones como “Sometimos We Cry”, y clásicas como “Show in San Anselmo” y “Troubadours”, su saxo barítono en “This Weight”, “It Once Was My Life” y “The Healing Game” y, por supuesto su tourdeforce con el saxo tenor en “Summertime in England”.

1997 vió también el lanzamiento del CD “What You Like”, grabado con la Assembly y la NDR Bigband, el disco cuenta también con la participación de Van Morrison interpretando su canción “I Will Be There” y Fred Wesley en “Tune With A View”. The Assembly cuenta con el excelente Tony Remy a la guitarra, Michael Mondesir al bajo, Mark Mondesir a la batería, con la dinámica voz de y los teclados funkys de Steve Hamilton. La NDR BigBand proporcionó un excelente armazón a los solos de Pee Wee incluyendo muchos de sus originales como, “The Prophet”, “2 Dock C”, así como versiones de “Take Me To The River” de Al Green, y “I Get Along Without You Very Well” de Hoagy Carmichael.

La distinguida carrera de Pee Wee Ellis abarca los movimientos musicales más importantes de las décadas recientes, desde el jazz al funk pasando por el blues. Después de más de 40 años en el negocio musical, es uno de los saxofonistas más aclamados de su generación y uno de los directores musicales y arreglistas en la industria musical. Su rango musical, su continua búsqueda de la excelencia le han hecho ganar su renombre por méritos propios y el duradero respeto de varias generaciones. [-] Contraer