La cosecha de un trabajo honesto (por Tommy Womack)

Hace un par de años Jason y yo hicimos una serie de fechas juntos a través del nevado Medio Oeste. Yo estaba machacado después de muchos días de carretera, pero él estaba fresco como una lechuga. ¡ Y había llegado conduciendo desde Alaska pocos días antes y antes había estado durante semanas de gira por Inglaterra y Holanda! Hablamos mucho sobre la vida del granjero y sobre cómo su hermano y él se levantaban cada día a las cinco de la mañana para dar de comer a los cerdos. “Mi hermano y yo trabajábamos TODO el día. Era un trabajo increíblemente duro para un adulto, así que imagínatelo para un niño delgado de 9 años. Era un ciclo sin fin: dar de comer a los cerdos, limpiar (¡a mano!) la pocilga, transportar agua y paja, y además trabajar en el campo. Y no importaba que fuera el día de Año Nuevo o que hiciera 50 grados a la sombra, aquel trabajo nunca se interrumpía. Y nunca pensamos acerca de ello. Simplemente, se hacía”… [+] Máis...

La cosecha de un trabajo honesto (por Tommy Womack)

Hace un par de años Jason y yo hicimos una serie de fechas juntos a través del nevado Medio Oeste. Yo estaba machacado después de muchos días de carretera, pero él estaba fresco como una lechuga. ¡ Y había llegado conduciendo desde Alaska pocos días antes y antes había estado durante semanas de gira por Inglaterra y Holanda! Hablamos mucho sobre la vida del granjero y sobre cómo su hermano y él se levantaban cada día a las cinco de la mañana para dar de comer a los cerdos. “Mi hermano y yo trabajábamos TODO el día. Era un trabajo increíblemente duro para un adulto, así que imagínatelo para un niño delgado de 9 años. Era un ciclo sin fin: dar de comer a los cerdos, limpiar (¡a mano!) la pocilga, transportar agua y paja, y además trabajar en el campo. Y no importaba que fuera el día de Año Nuevo o que hiciera 50 grados a la sombra, aquel trabajo nunca se interrumpía. Y nunca pensamos acerca de ello. Simplemente, se hacía”, cuenta Jason. Y se sigue haciendo lo mismo hoy. Sólo esa ética del trabajo aprendida desde tan pronto explica la fuerza que Jason mantiene tantos años después.

Pero algo cambió en el joven Jason cuando una mañana escuchó a George Janes & Tammy Wynette interpretar “Golden Ring” a través de la radio que había en el granero. Aquella música llenó la pradera e hizo que aquel niño se convenciera de que, a partir de ese momento, se iba a convertir en músico.

El 4 de julio de 1981 Jason cogió la furgoneta que había comprado para poder girar (y que más tarde usarían los Scorchers durante dos años), cargó en ella todo el material que tenía (que incluía una pequeña PA), y se mudó a Nashville en busca de su “sueño americano”. “Me fui a Nashville para formar una gran banda americana”, dice. “Quería a músicos que sonaran como si tuvieran suciedad bajo las uñas”. Y lo consiguió. En poco tiempo, Jason estaba haciendo conciertos al frente de la primera formación de los Scorchers, vestido con su camisa texana y su sombrero vaquero. Aquella banda primeriza incluía a Jack Emerson al bajo, quien luego se convertiría en su manager. Su sustituto, Jeff Johnson, trajo consigo a sus colegas Perry Bags como batería y Warner Hodges a la guitarra, un impresionante músico cuya incendiaria puesta en escena casaba perfectamente con la actitud de Jason. Los Scorchers de Nashville habían nacido.

Tocaban composiciones originales, pero también clásicos de Nashville tal y como los hubieran tocado los Ramones. En aquellos momentos, todo el mundo supo que hacían algo absolutamente nuevo. Su primer trabajo, un EP de 4 canciones titulado “Reckless Country Soul” (1982) hizo que tocaran varias veces con otro grupo de la época tan joven como ellos: unos tales R. E. M. En el 83 editaron otro EP, “Fervor”, uno de los mejores discos de rock’n’roll de todos los tiempos. EMI decidió ficharlos y reeditar ese disco con un corte extra, su versión del dylaniano “Absolutely Sweet Marie”, y lo convirtieron en el mejor EP del año para The New York Times. Todo el país los descubrió. Incluso Londres los descubrió. Cuando tocaron en el Marquee, estaba tan lleno queBill Wyman no pudo entrar. Un crítico escribió que hicieron uno de los cinco mejores conciertos de la historia de la capital británica.

En el 85 editaron “Lost & Found”, que era como “Fervor”, pero con presupuesto. “White Lies”, una de las canciones en las que Warner mejor demuestra su increíble sonido de guitarra, fue un hit en la MTV. “Still Standing” llegó al año siguiente. Su título se refiere a lo que significa ser una de las bandas de rock esenciales en el mundo noche tras noche y por todo el mundo. Pero el hacha de EMI llegó: las ventas eran buenas, pero no estratosféricas. Jeff dejó la banda. No hubo disco hasta tres años más tarde: “Thunder & Fire”, editado por A&M, con una formación diferente, Ken Fox al bajo y un segundo guitarrista, Andy York. Desgraciadamente, A&M fue vendida al día siguiente de la salida del disco, y nunca hubo promoción. Al poco tiempo, Perry Baggs tuvo su primer problema serio con la diabetes en Francia. Jason y Warner hicieron algunos conciertos como dúo abriendo para Dylan, pero pronto volvieron a casa… Una de las mejores bandas de rock’roll de la historia dejó, simplemente, de existir.

En el 2003 emergió un nuevo Jason. ¡Esta vez, un artista para el público infantil! En “A Day in the Farm with Farmer Jason” se atrevió con interpretaciones de “Moose On The Loose” o “Punk Rock Skunk” para niños. Tocaba en 200 ciudades cada año, y en muchas de ellas hacía dos shows: uno por la tarde, como Farmer Jason, y otra, por la noche, como Jason Ringenberg.

Ahora edita “Best Tracks and Side Tracks”, un viaje retrospectivo a treinta años de carrera, desde la granja de su familia a nuestros días. Es un “lo mejor de”, pero no estrictamente. Suena a un álbum hecho a propósito, en la misma sesión y en un mismo estudio, aunque no lo sea. Recoge algunas de las mejores canciones de la carrera en solitario de Jason, pero también algunas revisiones y versiones desconocidas de clásicos de los Scorchers, tras una acertada decisión de no hacer “réplicas” de los originales. Además, hay tomas alternativas e incluso una muestra de lo que fueron aquellos Shakespeare’s Riot. En treinta años de una vida como la suya, ha escrito un prolífico catálogo, ha mantenido una reputación intachable y ha demostrado una tremenda habilidad para adaptarse a todo, con éxitos incluso entre los pre-adolescentes. Aquel joven granjero de cerdos ha viajado desde las praderas de Illinois hasta Nashville, pero sigue siendo el mismo. Ha ingresado en el Country Music Hall of Fame. Y cambió, en el mejor sentido, la escena country. Mucho de lo que ahora se llama “americana” sería inconcebible sin Jason & The Scorchers. Y el mundo no es tan malo cuando Jason, por lo menos, sigue creando, trabajando duro y alimentando, si hace falta, a los cerdos, sin ni siquiera pararse a cuestionárselo.
Tracklist:

BEST TRACKS (CD 1)

01. Shop It Around
02. The Life Of The Party
03. Bible And A Gun (with Steve Earle)
04. Camille (with Swan Dive)
05. Punk Rock Skunk
06. One Less Hearthache (with The Wildhearts)
07. She Hung The Moon (Until It Died)
08. Rainbow Stew
09. For Addie Rose
10. Born To Run
11. The Price Of Progress
12. Prosperity Train
13. A Pocketful Of Soul
14. Eddie Rode The Orphan Train
15. Link Wray (with Los Straitjackets)
16. Tuskegee Pride
17. Half The Man
18. Chief Joseph's Last Dream
19. Broken Whiskey Glass
20. Last Train To Memphis

SIDE TRACKS (CD 2)

01. Lovely Christmas! (with Kristi Rose)
02. Moose On The Loose
03. The Sailor's Eye
04. Cappuccino Rosie
05. Mom's 70th Birthday Song
06. Help There's A Fire
07. Buckminster Fuller We Need You Now
08. Who's Gonna Feed Them Hogs?
09. Paradise (with R.B. Morris, Tom Roznowski and Janas Hoyt)
10. Jimmie Rodgers' Last Blue Yodel (with The Wildhearts) [-] Contraer

“Dime qué te parece esta canción”. Me acerqué a una mujer bien vestida en una de esas tiendas caras de un barrio pijo de California. “Estoy haciendo un documental sobre un músico llamado Jonny Kaplan y necesito opiniones sobre su música”. La mujer me respondió que tenía 57 años y que no sabía si sería de mucha ayuda. Parecía más interesada en el pretzel de gourmet que acababa de comprar, pero aún así accedió, se puso los auriculares y comenzó a escuchar Ride Free mientras comía lentamente. Al rato, sonrió, me miró y, como un concursante de televisión, gritó “¿ES UNA ESTRELLA DE ROCK? SUENA COMO UNA ESTRELLA DE ROCK”.

Resulta que la señora del pretzel tenía razón. Jonny Kaplan es una estrella de rock. Puede que aún no tenga los discos de platino, pero el tipo toca auténtico rock and roll. De hecho, su música huele a 8 pistas, a coches deportivos y a camisetas estampadas. El tipo de gente que te encontrarías en el parking de un concierto de Led Zeppelin. Si dejas de lado l… [+] Máis...

“Dime qué te parece esta canción”. Me acerqué a una mujer bien vestida en una de esas tiendas caras de un barrio pijo de California. “Estoy haciendo un documental sobre un músico llamado Jonny Kaplan y necesito opiniones sobre su música”. La mujer me respondió que tenía 57 años y que no sabía si sería de mucha ayuda. Parecía más interesada en el pretzel de gourmet que acababa de comprar, pero aún así accedió, se puso los auriculares y comenzó a escuchar Ride Free mientras comía lentamente. Al rato, sonrió, me miró y, como un concursante de televisión, gritó “¿ES UNA ESTRELLA DE ROCK? SUENA COMO UNA ESTRELLA DE ROCK”.

Resulta que la señora del pretzel tenía razón. Jonny Kaplan es una estrella de rock. Puede que aún no tenga los discos de platino, pero el tipo toca auténtico rock and roll. De hecho, su música huele a 8 pistas, a coches deportivos y a camisetas estampadas. El tipo de gente que te encontrarías en el parking de un concierto de Led Zeppelin. Si dejas de lado la música, Jonny es un hippie alto, delgado, de pelo largo que anda por ahí descalzo y con el ombligo al aire. He visto tantas veces la misma escena, en diferentes países, cuando entramos en una cafetería o una gasolinera y la gente siempre hace la misma pregunta:

“¿Es de una banda de rock?”. Mi respuesta: “Sí, lo es, se llaman The Lazy Stars”.
“Vale, ¿y cómo es su música?”, a lo que suelo responder, “pues más o menos suena como sus pintas: Rolling Stones, Gram Parsons, Neil Young, Bob Dylan...”
“¿Bueno, pero ha sacado algún disco?”. Normalmente llegados a este punto mi vejiga me recuerda por qué estoy aquí, así que muy educadamente pongo fin a la conversación.

En realidad, la historia de Jonny va más o menos así:

Nació y creció en Philadelphia, escuchando a Aerosmith, The Rolling Stones, Neil Young, Gram Parsons, Dylan y The Band. Pasó unos años en Nueva York y ahora vive en Los Angeles. La verdad es que Jonny es un tipo que irá donde sea que algo interesante le lleve.

Ha publicado tres discos. California Heart es un disco con sabor a country en la onda de unos Flying Burrito Brothers. Es el tipo de disco de country que asocias a marihuana, coca y vino. Hablando claro, es tan bueno como puede ser un disco de debut. Ride Free es un disco de rock, con un toque Gram Parsons. pero una sola escucha de la canción que da título al disco te aclarará lo que quiero decir con rock. Hay letras como “Hermano, tienes algo suelto? Mi depósito está vacío y tengo que llegar a la frontera del condado para el concierto de mañana”. Es Easy Rider. Es Sam Peckinpah. Es música que evoca a granjeros hippies fumetas conduciendo tractores con gasolina vegetal.

Su nuevo album se llama SEASONS y ha sido grabado en diferentes estudios a lo largo de los últimos 2 años. Jonny vuelve con otra colección de canciones “Gram-Stones-Petty-Type-Dylan-aunque-totalmente-propias“ que describen las subidas y bajadas, el amor y la soledad desgarradora y la alienación de un verdadero trovador ambulante. Clásicos instantáneos. Este tipo ha vivido muchas cosas en los últimos años, y se nota.

Ha compartido escenario con músicos de la talla de Keith Richards, Emmylou Harris, Wilco, Evan Dando o Shane McGowan, y eso solo es el principio de la lista. Impresionante, ¿eh? Seguro, pero, después de todo, lo más importante es la gente de su propia banda.

En los Lazy Stars hay otros tres miembros. Ha habido distintas versiones del grupo, pero la actual parece que aguantará a largo plazo. A la guitarra Rik Sanchez, que viene de The Poorboy. Como una vez me dijo un fan, “Rik es un dios de la guitarra”. Joey Galvan, anteriormente en The Bastard Sons of Johnny Cash, toca la batería como un 'hijo de perra'. Completando el cuarteto hay un joven hippie al bajo, Jokin. Hemos acabado llamándole Dr. J. Esta banda es muy buena, y están destinados a que sus nombres acaben pintarrajeados en las paredes de los baños públicos.

Con SEASONS y los Lazy Stars Jonny Kaplan parece destinado a convertirse en la estrella de rock que nació para ser. En una reciente gira europea, fue entrevistado para la radio. Tras una serie de preguntas el DJ preguntó por sus planes a largo plazo. Sin dudarlo, Jonny respondío “dominación mundial del rock and roll”. Al DJ le pareció muy gracioso, pero paró enseguida al darse cuenta de que era la única persona en la sala que se estaba riendo. Había un silencio incómodo en la cabina y en antena. “¿Dominación mundial del rock and roll?” Jonny Kaplan no estaba bromeando, amigos. [-] Contraer

Posiblemente el grupo más famoso de Sacramento, Cake finalmente han decidido tomar el control total sobre su música en una industria tumultuosa en la que las multinacionales se han fusionado hasta desaparecer, los sellos indies tienen cada vez más poder y la vida media de cualquier grupo son un rácano par de discos. Cake hacen un tipo de música distinguidamente original con la que llevan más de una década trascendiendo escenas y géneros musicales. Por el camino han conseguido varios discos de platino y una fiel legión de seguidores.

Ahora, el grupo nos trae una colección única de "caras B y rarezas", su primer lanzamiento desde “Pressure Chief” en 2004 y que supone un calculado cambio de dirección por parte de la banda. Mientras que la mayor parte de sus compañeros de generación hace tiempo que claudicaron, Cake no solo continúan activos, sino que han decidido abandonar su sello Columbia Records y crear su propia casa discográfica, Upbeat Records, en la que ya ti… [+] Máis...

Posiblemente el grupo más famoso de Sacramento, Cake finalmente han decidido tomar el control total sobre su música en una industria tumultuosa en la que las multinacionales se han fusionado hasta desaparecer, los sellos indies tienen cada vez más poder y la vida media de cualquier grupo son un rácano par de discos. Cake hacen un tipo de música distinguidamente original con la que llevan más de una década trascendiendo escenas y géneros musicales. Por el camino han conseguido varios discos de platino y una fiel legión de seguidores.

Ahora, el grupo nos trae una colección única de "caras B y rarezas", su primer lanzamiento desde “Pressure Chief” en 2004 y que supone un calculado cambio de dirección por parte de la banda. Mientras que la mayor parte de sus compañeros de generación hace tiempo que claudicaron, Cake no solo continúan activos, sino que han decidido abandonar su sello Columbia Records y crear su propia casa discográfica, Upbeat Records, en la que ya tienen planeada una larga lista de trabajos. Además del que nos ocupa, Cake tienen planeado editar un directo ("Live at the Crystal Palace") este mismo otoño y su esperado sexto disco de estudio, con fecha para principios de 2008.

Inspirados por los apasionados fans que nunca han dejado de apoyarles y apreciarles en estos años, Cake están entusiasmados con la idea de corresponder a sus oyentes con esta compilación exclusiva. "Todos estamos bastante sorprendidos de lo bien que quedan estas canciones juntas, parece que fueron escritas para editarse así", dice John McCrea. "Estéticamente, muchas de estas canciones no funcionaban en previos discos y durante años han carecido de hogares decentes. Ahora todas tienen su sitio. Es bueno encontrar tu sitio". Vice DiFiore añade: "estas canciones fueron grabadas en una época en la que queríamos expandir nuestra idea de lo que somos capaces estilísticamente. La sensación de ver que todas estas grabaciones funcionaban juntas fue muy buena y estoy feliz de poder ofrecérselas a nuestros fans". Las canciones de este disco fueron grabadas e interpretadas originalmente por leyendas como Frank Sinatra, Barry White, Buck Owens, George Jones, Ozzy Osbourne o Kenny Rogers.

El disco incluye remezclas y remasterizaciones, además de un bonus track con una versión en directo del "War Pigs" con Steven Drozd de Flaming Lips. "Queremos ofrecer a aquellos fans que están ansiosos por escuchar material nuevo algo con lo que saciarse mientras terminamos nuestro próximo disco de estudio. Lo que les ofrecemos ahora es único, de buena calidad y además cuenta una historia sobre Cake". [-] Contraer

“¿Quién dijo que una canción no puede salvar tu vida?”, se pregunta Sam Roberts en “Uprising Down Ander”, un elegíaco corte de su nuevo disco “Chemical City”. “Quien fuera que lo dijera, te estaba engañando”.

Es una afirmación arriesgada, pero no es la primera vez que Sam Roberts se la juega y se deja el corazón en un disco. Su debut (“We Were Born in a Flame”) estaba lleno de canciones sobre el amor, la fe, la compasión, la lucha y la trascendencia, y en el disco aparecía su ahora ya famosa declaración acerca de que él moriría por el rock’n’roll. En sus siguientes singles (“Brother Down”, “Don’t Walk Away Eileen” o “Where Have All the Good People Gone”), este músico de Montreal probó su intachable dedicación al pop pasional, al folk místico y al rock psicodélico más salvaje. Incluso los críticos mejor preparados para detectar mierda se rindieron ante él.

Con “Chemical City”, Roberts y su banda han conseguido una continuación más visceral y cruda, pero, pa… [+] Máis...

“¿Quién dijo que una canción no puede salvar tu vida?”, se pregunta Sam Roberts en “Uprising Down Ander”, un elegíaco corte de su nuevo disco “Chemical City”. “Quien fuera que lo dijera, te estaba engañando”.

Es una afirmación arriesgada, pero no es la primera vez que Sam Roberts se la juega y se deja el corazón en un disco. Su debut (“We Were Born in a Flame”) estaba lleno de canciones sobre el amor, la fe, la compasión, la lucha y la trascendencia, y en el disco aparecía su ahora ya famosa declaración acerca de que él moriría por el rock’n’roll. En sus siguientes singles (“Brother Down”, “Don’t Walk Away Eileen” o “Where Have All the Good People Gone”), este músico de Montreal probó su intachable dedicación al pop pasional, al folk místico y al rock psicodélico más salvaje. Incluso los críticos mejor preparados para detectar mierda se rindieron ante él.

Con “Chemical City”, Roberts y su banda han conseguido una continuación más visceral y cruda, pero, paradójicamente, más ambiciosa que sus trabajos anteriores. “Hasta ahora, tengo la impresión de que preparaba de antemano cada detalle y cada nota. Esta vez, he preferido dejarlo todo más abierto para tratar de conseguir inmediatez y urgencia en todas las canciones”. Para conseguir que la creación fluyera mejor, Roberts viajó a Holanda y a distintos lugares de África, incluyendo las islas Mauricio y Sudáfrica, la tierra natal de sus padres. Durante ese viaje, pero por fin en Australia, encontró una vieja iglesia presbiteriana en Nueva Gales del Sur, cerca de Byron Bay, y decidió que aquel era el lugar indicado –remoto, aislado- para grabar su nuevo disco.

Se le unieron sus viejos amigos: Dave Nugent (guitarra solista), Eric Fares (teclista), James Hall (bajista) y Billy Anthopoulos (batería). El co-productor Mark Howard (que trabajó anteriormente con artistas como Lucinda Williams o The Tragically Hip) llegó con todo el material de grabación necesario. Y la camaradería entre ellos aportó una evidente calidez a todo el trabajo. Roberts señala: “Vivíamos y comíamos todos juntos en la iglesia, pasábamos las mañanas en la playa y volvíamos a mediodía para ponernos a trabajar. Era idílico”. La grabación se completó más tarde en Montreal, con el ingeniero Joseph Donovan (The Dears, The High Dials), compañero de estudios de Roberts, que se hizo cargo a partir de entonces de los controles. Se añadió también el batería Josh Trager. Pero la mayoría del álbum, y sobre todo su espectacular sonido de órgano, nacieron de la inspiración de las tomas en la iglesia australiana, de Garth Hudson (el teclista de The Band) o, quizás, y realmente, de ambos.

La mayoría de las canciones de “Chemical City” transmite una energía contagiosa. La ya citada “Uprising Down Ander” (con la colaboración de Matt Mays, estrella del indie canadiense y también viejo amigo de Roberts) y “The Resistance” (con su preciosa frase: “We danced while the city slept”) son eufóricas. Otras canciones, como la más acústica “Bridge to Nowhere” o el psycho-pop de “Mystified, Heavy” se refieren a cuestiones más existenciales. Y el contraste es deliberado. Roberts vuelve a explicarse: “En este disco quería explorar tanto las profundidades más oscuras como los momentos más alegres de la experiencia. La tensión entre esos dos extremos es lo que más me atrae del rock’n’roll y lo que da fuerza a mis canciones favoritas”.

Entre todo esto, algunas canciones tratan lo que Roberts califica como “cuestiones diarias”, coronadas siempre por un rico envoltorio metafórico. La hipnótica “Mind Flood” trata sobre el proceso creativo. Y dice: “Grey skies, the waters rise, blue skies, the river dries”. Y la emocionante “An American Draft Dodger in Thunder Bay” pinta el retrato de un objetor de conciencia durante la guerra de Vietnam, que podría trasladarse fácilmente a la guerra de Iraq. “Precisamente sobre eso va la canción. A Canadá está llegando mucha gente desde los Estados Unidos. Simplemente, no les gusta cómo está siendo gobernado su país”.

Pero donde “Chemical City” es más ambicioso es en su aspecto “fantástico”. Desde la ilustración de la portada (de Ken Dewar) hasta canciones como “The Gate”, el “himno” que es el primer single del disco y que habla de un futuro en el que el mundo (un “imperio que se ha desvanecido”) estará poblado sólo por santos y por pervertidos pecadores, o “The Bootleg Saint”, llena de personajes que habitan una ciudad-estado. Roberts admite que algunas de sus novelas favoritas, incluyendo “Dr. Bloodmoney” de Philip K. Dick o “The Sheep Look Up” de John Brunner, son una inspiración evidente para estas canciones. “La mayoría de la ciencia ficción no es más que una representación fragmentada de nuestro mundo. En realidad, no es para nada tan fantástica como parece”, apunta Roberts.

Real o irreal, búsqueda o cruzada, “Chemical City” nos devuelve a estos “guerreros de la carretera” para luchar contra el cinismo y la autocomplacencia. Resistirse es inútil, pero la salvación está asegurada. Lo cierto es que quien dijo que una canción no puede salvar tu vida no conocía la música de Sam Roberts. [-] Contraer